Metas Curriculares de Português
Leitura obrigatória no 11.º ano de escolaridade.

Este drama é considerado a obra-prima do teatro romântico português e uma das obras-primas da nossa literatura. O enredo, inspirado na vida do escritor seiscentista Frei Luís de Sousa, de seu nome secular D. Manuel de Sousa Coutinho, tem como pano de fundo a resistência à dominação filipina.
O crescendo dramático, marcado pela contenção, simplicidade e extrema sobriedade, culmina numa catástrofe. Quem serão os verdadeiros algozes? Quem serão as suas vítimas? Seria o desfecho trágico inevitável?

A Coleção Educação Literária reúne obras de referência da literatura portuguesa e universal indicadas pelas Metas Curriculares de Português e pelo Plano Nacional de Leitura.

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Tradução de Sophia de Mello Breyner Andresen.

«No Hamlet (e a tradução de Sophia torna-o transparente), a progressão da peça segue o processo de amadurecimento do pensamento de uma personagem que à partida é um jovem, um jovem príncipe. As suas descobertas são ainda pueris. Acaba quando percebe o que é o tempo e a morte e a responsabilidade individual, sempre perturbado com a confusão dessa responsabilidade com qualquer coisa que se lhe opõe: o poder. Aí a sua reflexão torna-o adulto, torna-o exemplar, torna-o simbólico.»

Luis Miguel Cintra, no Prefácio a esta edição

A juventude é cheia de ignorância, de sonhos, de loucuras, e qualquer suspiro ou brisa a perturba. É cheia de paixões perigosas e de ilusões arrogantes. Estas são palavras do tutor da Vanina, a jovem veneziana que se alimenta dos próprios sonhos até ser despertada…

O Colar é uma peça de teatro que tem como cenário a cidade de Veneza e apresenta a história da jovem Vanina, que se apaixona por Pietro, um fidalgo arruinado que ganha a vida a (en)cantar pelos canais da cidade.

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O Espectador Emancipado reúne algumas das conferências proferidas por Jacques Rancière em universidades, museus e outros centros de arte, entre 2004 e 2008.

Elogio do espectáculo, no qual se incita o espectador a afirmar a sua capacidade de ver e analisar o que vê, este volume de ensaios contraria uma das mais antigas premissas da estética - a de que aquele que vê não sabe ver - para oferecer ao receptor um papel activo na compreensão da arte. Uma vez mais, a política e a arte em constante diálogo, para um esclarecimento mútuo.

Drama representado pela primeira vez em 1843, publicado em 1844, é considerado a obra-prima do teatro romântico e uma das obras-primas da literatura portuguesa.

O enredo, inspirado na vida do escritor seiscentista Frei Luís de Sousa, de seu nome secular D. Manuel de Sousa Coutinho, tem como pano de fundo a resistência à dominação filipina.

Na célebre memória "Ao Conservatório Real" que acompanha a peça, Garrett critica o modo como na sua época se pretende fazer o drama, com um excesso de violência e de imoralidade, e alega ter desejado "excitar fortemente o terror e a piedade", usando de contenção e simplicidade.

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Com O Casamento, Os Jogadores (peças acabadas) e os «fragmentos e cenas», contidos neste volume, fica abrangido o essencial da obra dramática de Nikolai Gógol. Realçamos a importância de O Casamento, uma farsa que evoca a trivialidade do mundo - o herói é um poltrão, um homem inconsistente, que inquieta pela sua vulgaridade.

Como tudo em Gógol acaba por ser «autobiográfico», não é difícil descortinarmos na incapacidade desta personagem para se decidir a favor ou contra o casamento uma similitude com a falta de vontade crónica do próprio Gógol, que pedia a opinião de toda a gente para depois fazer precisamente o contrário (como descobriu Jean Nivat no decurso dos seus estudos profundos sobre a obra e a vida do autor).

Júlia é uma jovem aristocrata que, por detrás de uma inocência aparente esconde um lado provocador. Numa noite de S. João, Júlia seduz e é seduzida por João, criado do senhor Conde e noivo de Cristina, a cozinheira da casa. Desejo, confl itos de poder, o choque violento das classes sociais e dos sexos que povoam aquela que será uma noite trágica.

Os Monólogos da Vagina dispensam apresentações. Representada em palcos de todo o mundo por actrizes tão famosas como Jane Fonda e Meryl Streep, a obra-prima de Eve Ensler é uma viagem hilariante e tocante pelos indecifráveis confins da mente e do corpo femininos.

Dá voz aos mais profundos temores e fantasias de mulheres reais, à sua irreverência e espirituosidade. Tidos como a bíblia de uma nova geração de mulheres, estes monólogos de intimidades e vulnerabilidades comoverão e divertirão o leitor.

Esta edição comemorativa que celebra os dez anos do Dia-V, inclui cinco monólogos inéditos, uma nova introdução da autora e uma fascinante história dos dez anos deste fenómeno teatral.

A ARTE DA PERFORMANCE atravessa a história da performance no Ocidente desde os seus primórdios, com Rei Ubu, de Alfred Jarry, e os futuristas italianos, até às obras contemporâneas do artista norte-americano Matthew Barney.
Publicado pela primeira vez em 1979, este livro tem sido objecto de sucessivas edições (constantemente actualizadas pela autora) e é hoje um clássico dos estudos de performance, tendo-se tornado uma cartografia indispensável a todos aqueles que investigam e desejam compreender os caminhos da cultura contemporânea.

Esta 2.ª edição portuguesa inclui um novo capítulo dedicado à primeira década do séc. XXI. Nele, a autora aborda o impacto global do 11 de Setembro e analisa o trabalho de performers de vários pontos do mundo, como, por exemplo, a jugoslava Marina Abramovic, a iraniana Shirin Neshat, o chinês Zhang Huan ou a sul-africana Nandipha Mntambo.

«Quando, em homenagem à Sophia, preparávamos o espectáculo Austeros Sinais, um dia, disse-nos ela que estava a escrever uma peça de teatro: O Colar. E deu-nos a ler o primeiro acto. Perguntava se gostávamos. Pedimos-lhe que acabasse porque a queríamos representar. Foi aí que surgiu a ideia deste espectáculo. Daí para a frente todos os anos programámos O Colar. Esperámos o tempo que a Sophia quis para acabar a peça. Houve várias versões do segundo acto. Finalmente chegou esta peça em três estranhos e diferentes actos. Que com grande alegria levámos à cena. E com o temor de quem lhe parece ter entre mãos uma coisa muito frágil e muito preciosa. Muito desejada e muito amada.» Prefácio de Luis Miguel Cintra

Publicado originalmente em 1999, TEATRO PÓS-DRAMÁTICO é uma referência obrigatória para todos os estudantes e amantes das artes performativas contemporâneas. Profusamente ilustrada por exemplos práticos, desde Heiner Müller e Tadeusz Kantor a Robert Wilson e Jan Fabre, passando pelos colectivos Fura dels Baus e Gob Squad, esta obra oferece uma abordagem teórica única e inovadora às novas formas de teatro que se desenvolvem a partir da década de 70 e que se inserem na viragem histórica da cultura do texto para a cultura predominantemente audiovisual e mediática.

Nos dias de hoje as tecnologias estão a mudar a maneira como experienciamos o mundo. Com a crescente virtualização da experiência é oportuno que nos interroguemos sobre qual será o papel do teatro nas sociedades contemporâneas.

Com o público cada vez mais online será que as artes performativas conseguirão manter a sua presença no contexto da oferta cultural generalizada?

Embora lidemos com este fenómeno imbuídos de algum receio e estranheza, é certo que a tecnologia sempre esteve presente (e por vezes muito acentuadamente) no teatro. A análise das transformações que a mesma proporcionou é o objeto desta obra.

O teatro é uma arte total que centra, em Almada Negreiros, as suas muitas artes. As peças aqui reunidas formam um dos auto-retratos mais fiéis de um grande modernista português.

(Re)Conhecer várias sexualidades, através das Artes, e perceber que não estamos sozinhos se as nossas fantasias são disruptivas das tradicionais e, ainda, como alguns estilos de Arte, podem sublimar sexualidades (fantasias) de modo a serem integráveis, como, por exemplo, a Arte Sacra, será o desafio proposto ao/à leitor/ae axs leitorxs.

Peça em 2 actos e 11 quadros.

Figuras: ANTÓNIO, EMÍLIA e MARTA (família de operário);
ADOLFO, D. HELENA e TERESA (família de chefe de repartição);
TIA CUSTÓDIA (senhora solteira que empresta dinheiro a juros);
DR. ÓSCAR PACHECO (presidente do conselho de administração de um banco);
ABÍLIO (polícia-de-choque);
RITA (artista de travesti);
MATOS (operário e amigo de António);
PADRE MAURÍCIO (personagem desempenhada pelo mesmo actor de Rita).

Verão quente, após 25 de Abril de 1974.

Nas últimas décadas assistiu-se a uma emancipação da cena em relação ao texto dramático, no sentido em que o teatro e as artes performativas deixaram de depender de um texto pré-existente e descobriram múltiplas fontes de criação e apresentação, que já não dependem da literatura e da construção textual, e geram obras performativas de uma enorme diversidade.

Este livro apresenta um novo modelo de análise e construção dramatúrgica, assente no elemento fundamental de todas as artes performativas e narrativas: a acção. Partindo de uma investigação profunda a teorias filosóficas da ação, do discurso e do teatro, de autoria de Michel Foucault, Paul Ricoeur, Gilles Deleuze, Raymond Williams, Kenneth Burke e Alice Rayner, entre outros, é proposta um método de análise da dramaturgia de um espectáculo ou obra dramática com base na estrutura das acções e na relação que estas estabelecem entre si, com o discurso e com o respectivo contexto.

Este método não só constitui uma excelente ferramenta de reflexão para criadores cénicos, como é ilustrado por exemplos de aplicação prática de análise a obras performativas de autores emblemáticos portugueses e brasileiros das últimas duas décadas, que permitem compreender a sua aplicação prática, bem como identificar algumas das características culturais e estéticas mais vincadas do teatro contemporâneo.

A revista Sinais de Cena ocupa uma posição de destaque entre as publicações especializadas em teatro e artes performativas em Portugal. Fundada em 2004, inaugurou, em 2016, uma segunda série sob a chancela das edições Orfeu Negro, adquirindo uma periodicidade anual.

Esta parceria de cinco anos termina agora, com a publicação do n.º 5, dedicado ao tema Fernando Pessoa e as artes performativas. Participam neste número vários autores nacionais e internacionais que se têm dedicado a questões relacionadas com a investigação académica e as práticas artísticas.

Para além dos vários ensaios, críticas de teatro e recensões a obras de e sobre teatro, destaca-se uma longa entrevista ao actor e encenador Luís Miguel Cintra e um portefólio dedicado ao Arquivo do Teatro da Cornucópia.

Autores:
Anabela Mendes | Armando Nascimento Rosa | Catarina Firmo | Catarina Neves | Cosimo Chiarelli | Diana Acosta Rippe | Emília Costa | Filipa Freitas | Filipe Figueiredo | Gisela Dória | Gustavo Vicente | Jerónimo Pizarro | Jorge Palinhos | José Maria Vieira Mendes | Laura Rozas Letelier | Leonor Madureira | Luís Filipe Soares | Luis Miguel Cintra | Maria João Brilhante | Ricardo Boléo | Roberta Rossi | Rodrigo Xavier | Rui Pina Coelho | Teresa Faria | Vagner de Souza Vargas | Zeca Carvalho.

Após Perdoar Helena José Tolentino Mendonça regressa ao teatro com uma nova peça onde interagem cinco personagens: 3 homens e 2 mulheres. John Wolf, o guia da floresta; 2 caminhantes: Peter Weil (meia idade) e Jacob (mais novo). E duas mulheres: a jovem Viviane Mars e o Destino.

«Um dia os homens deixarão os aviões, os transatlânticos, os comboios de alta velocidade, os automóveis para regressar aos caminhos do bosque.»

Arto Paasilinna nasceu em Kittilä, na Lapónia finlandesa, em 1942. Foi lenhador, operário agrícola, jornalista, poeta e é hoje romancista. Vatanen é jornalista em Helsínquia. Num domingo à tarde de Junho, quando volta do campo com um amigo este atropela uma lebre numa estrada. Vatanen sai do carro e embrenha-se nos bosques. Consegue descobrir a lebre ferida, faz-lhe uma tala grosseira e mergulha deliberadamente na natureza. Este livro tornou-se um romance de culto nos países nórdicos, ao narrar as aventuras de Vatanen, deslocando-se ao longo das estações para o círculo polar com a sua lebre servindo como uma espécie de salvo-conduto. Na Relógio D?Água serão em breve publicadas outras obras suas, como "Um Doce Suicídio entre Amigos" e "As Dez Mulheres do Industrial Rauno Rämekorpi".

Close-Up, de Ana Borralho & João Galante, é um retrato íntimo dos vinte anos de produção artística da dupla de criadores.

Nesta obra, o diálogo que estabelecem entre as mais de duzentas fotografias, os desenhos, os e-mails trocados e os textos deste singular corpus artístico é revelador de grande obstinação e coerência temática.

Movendo-se no cruzamento da performance art com a dança e o teatro, a fotografia, a instalação, o som e o vídeo, Ana Borralho & João Galante indagam os limites entre público e privado, corpo e mente, sexo e género, compondo um universo único no panorama da criação contemporânea, dentro e fora de Portugal.

Este é um livro/peça de teatro que procura levar memória de um tempo doloroso - o do fascismo - que uns não conheceram e outros sofreram na pele, de forma muito intensa e sofrida, por essa razão lhes é dedicado.

Nestes encontros, cujo início se dá em 1967 à porta da prisão de Caxias, onde vão visitar os respectivos maridos, e se prolongam noutros espaços e tempo, duas Mulheres, Maria Barroso e Sophia de Mello Breyner Andresen, sofridas mas nunca abatidas, partilham confidências e desabafos.

São cidadãs exemplares, ativas, participativas, solidárias e sempre fraternas para com os que, como elas, sofrem às mãos de um sistema repressivo e tenebroso. Um hino à cidadania e à resiliência, porque resistir é preciso, nada está garantido.

Paraíso é uma viagem que nasce de um encontro e de uma união. Miguel Jesus encontra Dante Alighieri e, juntos, tecem um Paraíso com essas palavras que chegam de sítios antigos e com as que nascem das nossas inquietações contemporâneas, diluídas na narrativa de uma só personagem que tem dentro de si muitas vozes. Aqui, Dante somos nós, nas nossas dúvidas e medos, nos nossos desejos e desilusões, mas também nos nossos maravilhamentos.

«Para quem conheceu de perto e lidou muitos anos com Ruth Asvin, A fabulosa Madame Ruth tem a vantagem, entre outras, de traçar o retrato de uma mulher muito especial à qual a dança (portuguesa) muito deve.
Sobretudo pelo longo e continuado esforço no ensino, numa época em que a dança era apenas um trabalho para uma meia dúzia de pessoas.
Cerca de meio século depois espanta-nos os gigantescos passos dados em Portugal neste domínio do conhecimento.
Tudo quanto se faça para recordar pioneiros, como Ruth, é justíssimo e esse é outro motivo para saudar a aparição deste trabalho.»

Luís d'Oliveira Nunes

Bonifrates: 40 anos a fazer do teatro uma casa de afetos e um exercício de cidadania.

«Em janeiro de 1980, doze companheiros de caminhada, doze bons irmãos, doze bonifrates (onze como sócios e um como testemunha) juntaram-se para dar início e estrutura formal e jurídica a uma nova aventura teatral em Coimbra. Escolhemos a forma de cooperativa por serem os princípios do cooperativismo que melhor correspondiam ao projeto de trabalho e de intervenção que nos animava. Muitos pensaram que aquela seria mais uma aventura efémera. Outros acreditaram nas intenções e na energia de quem assim pretendia acrescentar algo ao rosto cultural da cidade. Ganhámos raízes, transplantámo-nos várias vezes, alargámos a nossa área de intervenção através de uma teia de relações, colaborações e partilhas no país e no mundo, diversificámos as expressões do nosso espírito criativo, adquirimos um rosto inconfundível junto daqueles que nos iam conhecendo, reconhecendo e acreditando em nós na longa caminhada dia a dia reinventada.»

(A Direção da Cooperativa Bonifrates, pág. 11)

«Se ousássemos delinear uma comparação, já que estamos no jogo do teatro, diríamos que a Cooperativa Bonifrates é como uma semente, que lançada na terra faz germinar flores e frutos todos descendentes da mesma raiz. Ou como um polvo, cujos tentáculos lhe servem de mobilidade e de sensibilidade nervosa do mundo. Ou ainda, e voltando ao início, que paradoxalmente é também o fim, como uma família, que se multiplica sucessivamente em diversos membros unidos pelo mesmo sangue. O sangue vermelho da paixão pelo teatro, pela poesia, pela música, por uma acção artística socialmente implicada.»

(Carina Correia, pág. 134)