As vanguardas do século XX parecem ter inviabilizado as convencionais categorias estéticas e o grande público reage amiúde com alguma perplexidade, e até aversão, perante obras que não compreende. Em A Querela da Arte Contemporânea, Marc Jimenez reflecte sobre o controverso tema da decadência da arte, identificando as várias tensões dos debates e polémicas que opõem defensores e detractores da criação artística actual.

Será possível voltar a definir critérios para a apreciação estética das obras contemporâneas?

Os cartoons são opiniões em forma de desenho, críticas rápidas que se podem ver em segundos, mas que têm o poder de mudar o mun¬do. São atravessados por ironia, pelo mordaz e pelo ridículo, fazem-nos rir ou sentir um desconforto profundo, são leves ou pesados, cúmplices ou incó-modos. Tudo se passa a alta velocidade. Em média, os leitores leem um jornal inteiro em dez minutos. Faça as contas.

Jean-Luc Nancy: «Ninguém pode duvidar que se tenha prazer em desenhar. Todas as culturas o atestam e em todas as culturas se verifica o gosto das crianças pelo desenho sob todas as suas formas. Seja num papel ou numa casca, na areia ou mesmo na água ou no ar, a criança sente satisfação em traçar linhas, contornos.»

Cristina Robalo: Conversas em torno do desenho nasceu do desejo de compreender, nas mais variadas traduções e desmultiplicações, o Desenho. Ao dar voz a artistas e teóricos/pensadores — seguindo e traçando o caminho realizado por cada convidado a participar —, este projecto tem como objectivo criar uma colecção que revele não a representação do desenho como obra, projecto ou estudo, mas o Desenho da obra e de si. De onde vêm as imagens?
Vêm dos nossos olhos, dos nossos ouvidos, da nossa boca, das nossas mãos, do nosso nariz, dos sentidos em acção, não os sentidos descritos anatomicamente, vêm dos aromas, o tal vento de Eduardo Chillida, o espaço e o tempo: «Não é o vento um espaço de tempo e aromas?».

Quais são as imagens do cheiro?
O cheiro é um sistema de convocatórias. Nós não temos imagens diferidas, representáveis, do cheiro. Isso é muito importante! Como é que nós transmitimos o aroma do vento? Sentindo o vento e aquilo que o vento arrasta. E o tempo tem a ver com isso. Portanto, quando se fala do aroma do vento, para quem quer compreender a imagem, tem de evocar e, no melhor dos casos, voltar a sentir essa experiência. Por outro lado, o aroma vem das mãos, de todos os ofícios, da relação amorosa e da guerra, mas a caça não é um ofício!

O que é a caça?
Como diz Benjamin, a caça é uma imagem da vida (a primeira, em rigor), com particular potência para a compreensão da relação entre vestígio e aura. Ouça-se a maravilhosa cantata de Béla Bartók (Cantata Profana. Os Veados Mágicos, obra para orquestra, duplo coro misto, tenor e barítono, de 1930). Em Semear na Neve (Relógio D’Água, 1999), no capítulo Aura e vestígio, faço uma análise dessa Cantata e estabeleço um vínculo com os conceitos benjaminianos. É uma história sobre nove irmãos a quem o pai não tinha ensinado nenhum ofício. Eles só sabiam caçar e um dia sofrem uma metamorfose irreversível, transformando-se em nove veados mágicos. Mais tarde, quando os homens começam a trabalhar a terra e a tecer ou a moldar um vaso, a vida passa a ser vista através desses actos oficinais.

«Como pode isto ser arte?». A questão é-me recorrentemente endereçada, sobretudo da parte — legítima — dos meus alunos de história da arte contemporânea, a quem agradeço a pergunta e dedico este breve ensaio. De facto, e principalmente desde meados do século XX, e no contexto do movimento geral da neovanguarda internacional — que encontrou a sua origem no modernismo, iniciado, ainda no século XIX, com a pintura de Édouard Manet e dos impressionistas —, que o debate em torno da abstracção seria substituído pela complexa discussão em torno do próprio conceito, extensão e função do objecto artístico.

Esta concepção de arte culminaria, entre outros posteriores experimentalismos, no nouveau réalisme, na pop art, ou na arte conceptual, que se afastaram definitivamente do processo estético dito convencional.

Exaltado como «um dos artistas vivos mais importantes do momento» pelo Financial Times e como «uma voz eloquente e impossível de silenciar pela liberdade» pelo The New York Times, Ai Weiwei faz o registo das suas extensas memórias para apresentar uma notável história da China ao longo dos últimos 100 anos, ao mesmo tempo que reflecte sobre o seu processo de criação artística.
Explorando as origens da sua inédita criatividade e das suas apaixonadas convicções políticas, Weiwei revela ainda a história do seu pai, Ai Qing, outrora o poeta mais influente da China e companheiro próximo e íntimo de Mao Tsé-Tung. Acusado de dissidência política durante a revolução Cultural, foi condenado a trabalhos forçados durante a Revolução Cultural e viu toda a sua família, incluindo o filho, ser desterrada para uma parte remota e desolada do país a que chamavam «Pequena Sibéria».
Weiwei descreve uma infância no exílio e recorda a difícil decisão de abandonar a família para ir estudar Arte nos Estados Unidos, onde se tornaria amigo de Allen Ginsberg e encontraria em Marcel Duchamp e Andy Warhol uma inspiração. Com honestidade e lucidez, descreve o seu regresso à China e a sua ascensão de artista desconhecido a estrela da cena artística internacional e activista pelos direitos humanos, um trabalho inelutavelmente marcado pela vivência sob um regime totalitário, o mesmo que, em 2011, acabaria por detê-lo sem qualquer justificação durante largos meses.

Homo Spectator reflecte sobre a construção histórica da figura do espectador, desde as cavernas paleolíticas às tecnologias digitais. Este percurso interroga as várias relações, de opressão e de liberdade, de medo e de gozo, que se estabelecem entre humanos e imagens, para ensaiar uma resposta à inquietante pergunta: como preservar a nossa liberdade crítica perante a disseminação das imagens?

Millor Fernandes: «Em tempo quando Arnaldo nasceu, o pai, vendo com orgulho que tinha pela frente um branco, classe média e macho, e não querendo humilhar ninguém com o ser que apresenta ao Brasil, chamou-o de Angeli. Anagrama de genial.»

ASFIXIANTE CULTURA, ensaio iconoclasta do artista Jean Dubuffet (1901-1985), põe em causa as convenções artísticas e sociais, o institucionalismo e também a artificialidade e o mercantilismo que sustentam a cultura dominante. Crítico feroz da normatividade, percursor e primeiro teórico da Art Brut, Dubuffet defende o instinto, a paixão, a violência e a loucura convocando uma arte no seu estado bruto, primitivo, espontâneo e individual.

Esta obra colectiva nasce de um projecto que estuda formas de participação cívica e política dos jovens, que ocorrem à margem da política institucional. O conceito «artes da cidadania» abarca esse horizonte fluido e dilatado de participação.

Dança, música, artes plásticas, vídeo, fotografia, performance, activismo digital, entre tantas outras, são formas de expressão usadas de forma criativa pelos jovens para a sua intervenção em prol de múltiplas causas e lutas sociais. De forma a dar conta desta diversidade, o livro trata, em particular, quatro áreas de intervenção - o corpo, o som, a imagem e a tecnologia - e recolhe contributos de cientistas sociais e artistas de vários países de expressão lusófona, explorando novos diálogos e sinergias entre áreas disciplinares.

Mais Que Mil Imagens não é o «museu imaginário» do seu autor. Não se recolhem nele todas as suas imagens preferidas. Recolhem-se, isso sim, imagens que suscitaram, em diversos momentos, o desejo de escrever. O livro deve ser lido como o resultado de impulsos literários desencadeados por estímulos visuais. De Caravaggio a Ingmar Bergman, de Edward Weston a Elvis Presley, de Picasso a Niemeyer, da pintura ao design, da arquitetura ao cinema, da fotografia à autorrepresentação, esses estímulos estão na raiz dos textos que deles se desataram.

Ao todo, são mais, muito mais, do que mil palavras; mas as imagens que aqui se reproduzem, e as que elas pressupõem, são também mais, muito mais, que mil imagens.

Uma forma de olhar; e uma forma de pensar o que se vê.

Fundamentos teóricos equipamentos e técnicas de iluminação.

Que a natureza seja um poder circular que ciclicamente retorna a si mesma poderia ser uma constatação a partir da qual todo o trabalho de Nuno da Luz tem começado. Emerson refere-se ao scholar, mas as suas palavras podem facilmente transferir-se para aquela que é a dinâmica das pesquisas artísticas.

Ecoando na esteira de todos os passos do viajante fronteiriço, um verso do poeta José Tolentino Mendonça: «Não ames viagens que reduzam a estranheza».

Realidades humanas e paisagísticas emudecedoras existentes nos confins dos dois países ibéricos, culturas ancestrais remotas engolidas pelos buracos negros da desolação e abandono numa galáxia rural já nos umbrais do não-retorno, beleza intemporal frágil, marcas predatórias ferozes — eis algumas das faces de uma geografia precária e em fuga encontrada durante uma sentida viagem ao longo da fronteira entre Portugal e Espanha.
Ecoando na esteira de todos os passos do viajante fronteiriço, um verso do poeta José Tolentino Mendonça: «Não ames viagens que reduzam a estranheza».
E estranheza houve. Ou não fosse a linha de fronteira ela própria já uma coisa estranha.

O livro que o leitor tem neste momento entre mãos não foi concebido para uso turístico. Não tem mapas com a indicação de pontos de interesse buscados pelas massas, nem de onde ficar ou comer, nem de contactos locais, nem é adornado com fotografias de postal ilustrado. Também não é nenhum estudo académico de natureza sociológica, etnográfica ou outra; por isso, no final, não está lá nenhuma secção de notas nem a clássica e habitualmente extensa lista bibliográfica.

É, sim, a reprodução de um simples caderno de viagem redigido sem pretensões de convencer quem quer que seja e cujos conteúdos surgiram da interacção do olhar com o coração e da predisposição de um ser humano para ir à procura do genuíno, onde o belo (e o feio) têm sempre algo a dizer. Os registos, por separado e por junto, nada exigem e nada prometem; são a folha caída de uma árvore que não está perto e que o vento trouxe inesperadamente — uns dão por ela, pegam-lhe, olham-na com curiosidade, e vão à procura da árvore, outros não.

Pedro Cabral Santo
José Maçãs de Carvalho
Pedro Cabrita Reis
António Olaio
Pedro Amaral
Costa Pinheiro
João Jacinto
Orlando Franco
Sandro Resende
Christine Henry
Gustavo Jesus
Patrícia Serrão
Miguel Cheta
Edgar Massul

A redescoberta de Santa Rita não termina aqui.
Mas que este livro seja, no presente, um devido contributo.

Ana Bailão, Carlos Silveira, Fernando Cabral Martins, Fernando Rosa Dias, Guilherme Floro de Santa Rita, João Macdonald, João Mendes Rosa, José Leite, Luís de Barreiros Tavares, Luís Leite, Luís Lyster Franco, Marta Soares, Raquel Henriques da Silva, Sofia Marçal.

João Barrento: «No universo de Avelino Sá, enveredamos sempre por caminhos que nos levam para espaços culturais distantes daqueles que nos são mais familiares, mas que são terreno fértil para interrogações e para o autoconhecimento.»

«Imagem em Fuga: Júlio Pomar, Menez e Sónia Almeida» dá seguimento ao programa de exposições do Atelier-Museu que, regularmente, procura cruzar a obra de Júlio Pomar com a de outros artistas, de modo a estabelecer novas relações entre a obra do pintor e a contemporaneidade.

Este breve ensaio sobre o papel das mulheres artistas ao longo da História, mais focado em Portugal, confronta entre outras questões, o seu apagamento/visibilidade em determinados períodos, estabelecendo em simultâneos espelhos pontuais com o panorama internacional.

Incide em particular sobre o século XX, tendo como fronteira/limite artistas nascidas entre as décadas de 60 e 70, contemporâneas da minha própria geração. Ao longo do texto há um enfoque em historiadoras seminais da arte feminista, como Nochlin, Pollock, Lippard, Chadwick, relembrando o seu papel major no desenvolvimento e projeção do trabalho das artistas, bem como a recepção destas ideias no nosso país em particular no pós-revolução de 1974.

Júlio Pomar: «A arte não é outra coisa senão um poderoso e apaixonado meio de conhecimento, uma forma superior de comunicação, um instrumento que o homem tem ao seu alcance na luta contra a alienação.»

A exposição «Júlio Pomar: Ver, Sentir, Etc. — Obras do Acervo do Atelier-Museu Júlio Pomar», no espaço museológico do Centro Interpretativo do Tapete de Arraiolos [24-X-2019 a 16-II-2020, com curadoria de Sara Antónia Matos e Pedro Faro], mostrando obras de várias épocas e apropriando-se do título de um texto escrito pelo artista em 1951, chama à atenção para a importância da familiarização com a obra de arte, da participação da experiência estética na formação do conhecimento e dos actos perceptivos — particularmente ver e sentir — nesse processo.[Sara Antónia Matos]

Para terminar, gostaria de saber se tens uma ideia do que seria a tua vida sem o desenho?
Seria certamente uma existência sem assombro, como a de uma criança a quem tudo se dá e de tudo se protege, mas em quem a fantasia, que de tudo livra e com a qual ela tudo pode e tudo produz, não daria sinais de vida.

Durante uma década, Pedro A.H. Paixão criou um amplo corpo de desenho em que usou apenas a cor escarlate. Esse trabalho foi a base deste livro, que percorre algumas das etapas desse período e toca, retrospectivamente, em matérias complementares do seu percurso, tal como as tarefas do estudante, estudioso, docente, videógrafo e editor.

Desenvolvida entre Junho de 2015 e Outubro de 2016, esta entrevista em forma de conversa, conduzida por Cristina Robalo, gira em torno do desenho e de questões que atravessam não apenas as inquietações e interesses do artista, mas aspectos fundamentais da sua teoria e prática.

No caso desta exposição, em vez de escolher as obras à partida, desafiei as artistas a produzirem um corpo de trabalho novo para apresentar no Atelier-Museu, tendo a convicção de que as suas obras trabalhariam bem em conjunto e estabeleceriam boas relações com as de Pomar.

Este livro foi publicado pela ocasião da exposição Chama, com obras de Júlio Pomar, Rita Ferreira e Sara Bichão, e com curadoria de Sara Antónia Matos, realizada no Atelier-Museu Júlio Pomar, entre 15 de Fevereiro de 2018 e 29 de Abril de 2018.

O livro O Pincel é uma arma resulta, essencialmente, do projecto de investigação da tese de doutoramento em Museologia apresentada e defendida recentemente na Faculdade de Letras da Universidade do Porto, "Paleta Contemporânea - Museu de Causas. Bases de um projecto museológico solidário: Eu e os outros".
Este trabalho defende a criação de um verdadeiro museu de causas, político, que preserve e conserve duas colecções constituídas por mais de 6500 obras de pintura, desenho, escultura, fotografia e objectos e promova a inclusão social.
Pretendendo ser uma instituição museológica que se afirme como um verdadeiro polo cultural e se transforme num polo catalizador de arte contemporânea em Portugal, protagonizando ao desenvolvimento do processo criativo e das suas potencialidades de intervenção social.
Os temas centrais de análise, discussão e exposição são, indiscutivelmente, a mulher, a literatura e a intervenção social.
A componente social será, a que mais apela aos problemas do mundo contemporâneo, como as injustiças, a guerra, a fome, o desemprego, a degradação dos direitos dos trabalhadores, a corrupção, a fraude fiscal, a sobreposição do poder económico sobre os mais importantes valores da condição humana.
Enfim, um sem número de dramas que formam o cerne da produção artística de Agostinho Santos, que neste projecto se transforma numa espécie de laboratório de ideias promotor de debate, reflexão e questionamento.
É, deste modo, que se aspira à criação de um autêntico Museu de Causas, um museu politico que, a partir das suas colecções, convoque a comunidade artística a abordar plasticamente as questões que tão drasticamente continuam a inquietar e a afectar a sociedade contemporânea e se faça voz pelos sofredores, dos que acreditam numa sociedade civil, política, económica e cultural mais justa e acessível a todos.

Manuel Rodrigues: «O desenho é mais um modo de ler, talvez por isso o sinto próximo da escrita, mais do que da pintura, por exemplo.»