Desenvolvido em torno de um fio condutor, que faz enquadrar a obra na vida, pretendeu-se com este texto realizar através de um jogo de autobiografia algumas incursões conceptuais ao universo de Henrique Silva, isto é, aos seus mundos nómadas vividos e que pudessem dar eco de um caminho que, na nossa opinião, é singular e único.

Com efeito, Henrique Silva ocupa um lugar próprio e específico no panorama da arte moderna portuguesa, que urge divulgar. Não só a sua ligação e herança para com a Escola de Paris mas ainda, e principalmente, com a sua matriz identitária configurada mais tarde com os eixos Porto e Cerveira (Casa da Carruagem, e Bienais), o que lhe permitiu construir com mais nitidez as suas convicções pessoais e políticas de intervenção.

Com efeito, o que Henrique Silva nos mostra é a possibilidade de uma tensa mas forte relação entre o que é estético e o que é político. E a emergência da educação artística em Henrique Silva, como um dos grandes objectivos da sua narrativa artística, possibilita operar um futuro claro onde as estratégias pedagógicas, sociais e culturais se inserem numa prática artística de comprometida cidadania.

O catálogo da exposição temporária Relíquias? O projeto reliquiarum, apresenta-nos conceptualmente um projeto: o reliquiarum. Esta foi, por isso, uma exposição de interrogações, de reflexão e da dúvida latente quando se inicia um projeto de investigação.

O que são relíquias e para que servem? E os relicários, contentores ou obras de arte? Porque têm tantas tipologias? O impacto visual da materialidade da relíquia; a importância da documentação e da criação de um portal; o vínculo afetivo e devocional que as relíquias geram nas populações, as festividades, mas também se estas mesmas devoções perduram no futuro, e de que forma…

Catálogo que reúne o trabalho dos artistas que participaram no ciclo "O desenho contemporâneo em diálogo com a obra de Abel Salazar", reúne as imagens e textos das sete exposições do ciclo homónimo. Este ciclo nasceu da vontade de colocar a obra gráfica do cientista, professor e artista Abel Salazar numa relação dialógica com desenhos de outros artistas contemporâneos salientando não só a sua relevância, mas a pertinência destes mesmos desenhos na atualidade.

Foram convidados sete artistas - Rosi Avelar, Mário Vitoria, Mário Bismarck, Sílvia Simões (cumulativamente curadora), Paulo Almeida, Bárbara Fonte e Martinha Maia - aos quais foi pedido para interpretarem, a partir dos exemplares selecionados, estes diálogos gráficos que deram origem a novas propostas artísticas. Pretendeu-se assim potenciar a criação de várias leituras, também elas divergentes, onde se identificaram meios e técnicas do desenho, processos e temas que potenciaram a relação expandida com o campo da prática do desenho.

O projecto reliquiarum, desenhado e em construção no Museu de São Roque, tem os seus objetivos muito claros: estudar e compreender o universo das relíquias nas suas múltiplas ações e linguagens.

Trata-se de um estudo multidisciplinar que visa a pluralidade, tal como indica a palavra reliquiarum (em latim, das relíquias), ultrapassando assim o estudo do elemento físico, da relíquia e do relicário, com o intuito de chegar também ao seu conteúdo imaterial, como as devoções, as memórias e os afetos e outras manifestações e realidades de índole social e cultural.

A partir da coleção de relíquias e relicários do museu vai constituir-se um inquérito alargado e problematizante que permita ter continuidade noutras coleções e noutros espaços nacionais que conservam relíquias e relicários.

Não é por isso de estranhar que, desde a sua primeira hora, se tenham pensado pequenos encontros que possibilitam experienciar, de uma forma interpretativa e dialogante, novas vias de estudo sobre temas que informem e atualizem estas abordagens.

Este caderno é o primeiro de uma coleção, a que outros se seguirão, que dá conta de alguns dos resultados da primeira jornada de trabalho que proporcionou uma reflexão para a importância do estudo das relíquias.

O livro Suor Frio - Cold Sweat — título da 1.ª Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa —, com a coordenação editorial de Cristina Filipe, reúne o catálogo da exposição homónima e os artigos dos colóquios Corpo Medo Proteção e Coroa Preciosa, bem como do Encerramento, que decorreram durante a Bienal.

A narrativa visual de cerca de duzentas e vinte obras contemporâneas de setenta e dois artistas internacionais de diferentes disciplinas — na sua maioria joalharia, mas também fotografia, escultura, design, instalação, filme e performance — apresentadas in situ durante a exposição na Galeria, Igreja e Museu de São Roque e no Museu da Farmácia, em estreito diálogo com as respetivas coleções e com o acervo do Arquivo Histórico da SCML e da Casa Ásia, Coleção Francisco Capelo, culmina num conjunto singular de treze textos académicos de investigadores de várias disciplinas — história de arte e design, filosofia, teologia, gemologia, antropologia — cuja multiplicidade dos discursos convida o leitor a refletir sobre a produção artística contemporânea em torno de questões relacionadas com o período pandémico e pós-pandémico que atravessamos.

A PIN convidou Christoph Zellweger a desenvolver, para este livro, uma edição limitada — seis exemplares numerados — de uma ampola/pendente realizada em exclusivo para a Bienal. A joia Cold Sweat encapsula o espírito da Bienal num único objeto e a sua imagem é a capa deste livro.

DESENHOS EFÉMEROS documenta a actividade performativa do artista visual António Jorge Gonçalves. Entre 2003 e 2017, António Jorge Gonçalves criou e participou numa série de espectáculos e eventos, como autor de desenho digital em tempo real, a solo ou em diálogo com parceiros tão distintos como os pianistas Bernardo Sassetti e Filipe Raposo, a Orquestra Metropolitana de Lisboa e a coreógrafa Amélia Bentes, entre outros.

Profusamente ilustrado com fotografias dos espectáculos, esta obra inclui também textos de Nuno Artur Silva, Carlos Pimenta, Pedro Moura, Rui Eduardo Paes e uma entrevista conduzida por Anabela Mota Ribeiro.

Este projecto inclui também a realização de diversas masterclasses em escolas, bibliotecas e teatros, com o intuito de partilhar o método e a dinâmica performativa do desenho em tempo real.

«Muito Nobre, Leal e sempre Invicta Cidade do Porto»

As 64 lojas selecionadas para o livro correspondem, assim, a critérios previamente traçados em áreas tão diversas como vestuário, restauração, artigos religiosos, barbearia, linhos, chocolates, solas e cabedais, confeitaria, ferragens, ourivesaria, salões de chá, cafés, farmácia, livros antigos, papelaria ou tipografia.

As histórias destas lojas são, também, fios de uma história viva da cidade e dos portuenses. Uma loja com história deve ter histórias para contar, testemunhada como herança de usos e costumes, e deve deixar um testemunho do comércio do seu tempo. Assim, tomei em conta a longevidade reconhecida ou a antiguidade da loja (mais de 50 anos em actividade); a notoriedade e significado histórico do estabelecimento no quadro do património, Arquitectura, das artes e da cultura material e imaterial da cidade; o seu contributo para a história local no enriquecimento do tecido social, económico e cultural locais; a dimensão identitária, forjada nomeadamente na existência e comercialização de produtos ligados a um saber fazer artesanal, quando não em vias de extinção, assim como a eventual existência de oficinas integradas, destinadas a manufaturar produtos. Tomou-se ainda em conta o facto de esses estabelecimentos serem únicos no quadro das atividades prosseguidas, ou de serem os últimos do seu ramo de negócio ou atividade.

Notoriamente tóxico e quimicamente instável, o verde demorou a conquistar o mundo.

Ausente das pinturas no Neolítico e remetido a um papel discreto na Antiguidade, o verde foi durante os séculos seguintes associado a tudo o que é volúvel, desde a juventude e o amor até à sorte e ao destino.

Só na época romântica se tornou definitivamente a cor da natureza, o que lhe permitiu conquistar um lugar privilegiado na paleta de cores do Ocidente.

As edições Orfeu Negro prosseguem a publicação da obra do historiador francês Michel Pastoureau, um dos maiores especialistas na simbólica das cores e em heráldica. Depois de PRETO e AZUL, é a vez da cor verde nos contar a sua (e a nossa) multifacetada história, num tom simultaneamente erudito e pleno de curiosidades.

André Soares foi o maior vulto do rococó português. Autodidata, desenvolveu a sua arte a partir de gravuras de Augsburgo. A sua obra é profundamente emotiva. Desenvolve-se, sobretudo, no domínio da arquitetura e da talha e está espalhada pelo norte de Portugal, de Viana do Castelo a Guimarães, Lamego e vários outros locais, tendo como centro principal a cidade de Braga. Este livro traça o seu percurso biográfico, analisa as razões porque foi convidado a fazer várias obras e estuda o seu singular percurso artístico, entre o tardobarroco e o rococó. Dá a conhecer as suas obras, com especial relevância para as localizadas na área de Braga. Obras como a capela dos Monges, no convento dos Congregados, podem contar-se entre as mais impressionantes do tardobarroco na Europa. Já o Palácio do Raio, a fachada da capela de Santa Maria Madalena da Falperra e a insólita casa de Fresco na mata do Bom Jesus do Monte são obras-primas do rococó europeu, o mesmo se podendo dizer do conjunto da talha do mosteiro de Tibães, nomeadamente a da capela-mor.

André Soares was the greatest figure of the Portuguese Rococo style. As an autodidact, his art evolved from Augsburg prints he clearly knew well. His work is deeply emotional, and mostly developed in the field of architecture and wood carving, with the town of Braga as its main center, and widespread through the North of Portugal, from Viana do Castelo to Guimarães, Lamego and several other locations.
This book provides his biography, analyzes the reasons for which he was invited to create several major works, and studies his singular artistic path between the late Baroque and Rococo, giving special relevance to those works located in the area of Braga. Works such as the Capela dos Monges, in the Oratorian convent, may be amongst the most impressive in the European late Baroque; yet the Raio Palace, the façade of the chapel of St. Mary Magdalene in Falperra and the unusual Casa de Fresco (a pillared portico over a fountain) in the Bom Jesus do Monte park are masterpieces of the European Rococo, and the same can be affirmed about the wood carving ensemble of the Tibães Monastery, and in particular about the one in the main chapel.

Esta série compila os mais importantes movimentos dos finais do século XIX e do século XX. Cada volume trata um tema específico, de forma sintética e apelativa, mas privilegiando nomes ou obras mais representativas, e situando-as transversalmente na teia de influências que os motivaram ou inspiraram, perspectivando-o no fluxo e refluxo das diferentes marés sociais, políticas e culturais. Ao mesmo tempo, estabelece-se sempre uma ligação entre cada movimento e os seus antecedentes, aqueles que se desenvolveram em simultâneo e mesmo com outros domínios da arte, como a música e a literatura como reacção, descoberta, ou ainda, como ruptura radical e fundadora de algo que veio a questionar e transcender o próprio conceito de arte.
Do Pós-Impressionismo ao Dadaísmo e ao Surrealismo, incluindo o Cubismo, a Pop-art, a Arte Abstracta, o Realismo ou o Minimalismo, a exploração fascinante da cor e da forma por nomes tão conhecidos como Cézanne, Van Gogh, Dali, Picasso, Magritte, Braque, Sonia Delauney, Brancusi, Rauschenberg, Malevich, Mondrian, Pollock, Hopper, Andy Warhol, Joseph Beuys, entre outros, ilustrada nas mais destacadas obras, que podem ser fruídas e compreendidas pelo leitor em excelentes reproduções das obras de arte dos melhores artistas. A presente colecção «Movimentos de Arte Contemporânea» é editada conjuntamente com a Tate Gallery, um dos mais famosos museus de arte contemporânea do mundo.

Sob coordenação de Maria João Ferreira, a obra colectiva Os Têxteis e a Casa de Bragança - Entre a Utilidade e o Deleite, tem como objectivo debater a dimensão plural que subjaz à utilização e conceptualização dos têxteis e, em simultâneo, como tais aspectos influíram na sua afirmação como instrumentos de autoridade e poder ao serviço desta importante casa aristocrática, entretanto elevada a dinastia reinante.

Reúne um conjunto de dez textos da autoria de Celina Bastos, Jessica Hallett, Joana Sequeira, Manuela Santana, Maria de Jesus Monge, Maria João Ferreira, Maria José Tavares, Miguel Metelo de Seixas, Nunziatella Alessandrini e Paula Tomás cujas abordagens se desenvolvem no quadro das artes decorativas, das formas de encenação e relação com o espaço e a arquitectura, do cerimonial, da devoção, da diplomacia, do comércio, do coleccionismo, da economia e da política.

Orientadas para novos campos exploratórios, segundo metodologias e enfoques mais ou menos ampliados, as reflexões contemplam não só os objectos e as suas particularidades intrínsecas, mas ainda a sua história, os seus significados, interacções e implicações em tantas vertentes quanto aquelas relacionadas com as problemáticas inerentes às formas e meios de produção, circulação, aquisição e comunicação.

O conceito de "arte" é, tradicionalmente, muito difícil de classificar. Ao longo de séculos de reflexão sobre a grande variedade de matérias que habitualmente designamos através desse termo, a sua compreensão foi sofrendo oscilações muito significativas. Tal foi motivado, desde logo, pela própria mutação do fenómeno artístico, impulsionado frequentemente pelo desejo de se emancipar das etiquetas que lhe eram filosoficamente atribuídas. A tal ponto que, se não fosse por auto­contradição, poderia defender-se que a prática artística é sempre, por definição, contrária à sua própria definição.