Para a música popular brasileira hoje não há fronteiras. Fruto de confluências culturais, sua riqueza é marcada por uma pluralidade de ritmos, timbres e acentos em grande parte com raízes nas culturas africanas e afro-brasileiras. E de toda essa diversidade, o samba é a sua marca maior! A síncope contagiante, que parece amalgamar-se com a dança, tornando música e corpo indissociáveis, faz do samba um ritmo cobiçado por músicos de todo o mundo, seja para tocar bossa nova, seja para tocar samba-choro, samba-jazz, samba-funk, entre tantos outros sambas. No entanto, parece haver ainda uma lacuna no ensino da linguagem tradicional desse ritmo, o samba. Foi pensando nesta lacuna que se deu a realização deste livro. Samba de bateria: a linguagem do samba para bateristas e percussionistas é, assim, uma pesquisa sobre os caminhos de adaptação do samba para o kit de bateria (drumset), com base nos elementos rítmicos de escolas e rodas de samba. Acreditando que o estudo técnico de qualquer grande estilo musical deva implicar algum conhecimento do seu contexto social e cultural, Diego Zangado & Fernando Baggio traçam, na primeira parte do livro, um breve panorama das raízes e da evolução do samba, bem como da história da bateria e dos bateristas do gênero no Brasil. Isso para chegar à segunda parte didático-explicativa, em que apresentam uma variedade de ritmos, timbres, acentos e funções tradicionais do samba, originalmente tocados em variados instrumentos de percussão (caixa, surdo, tamborim etc.), e suas adaptações para o kit de bateria, com exemplos conhecidos e muitos outros por eles desenvolvidos. Com um novo olhar pedagógico da bateria no samba, trata-se, enfim, de uma proposta pelo não apagamento das origens e da cultura desse ritmo tão brasileiro e tão cultuado. O livro conta ainda com prefácio do compositor, sambista e estudioso das culturas africanas Nei Lopes.

A TERCEIRA - E ÚLTIMA - PARTE DA TRILOGIA DEFINITIVA DO RUSH. Nesta conclusão de sua trilogia de livros oficiais sobre a banda de rock mais amada e bem-sucedida do Canadá, Martin Popoff nos leva por três décadas de "vida no topo" de Geddy Lee, Alex Lifeson e Neil Peart. Embora esta era comece com Roll the Bones, que vendeu rapidamente e arrebatou multidões de fãs lotando turnês internacionais, também há uma tragédia inimaginável, com Peart perdendo sua filha e sua esposa no espaço de dez meses e, duas décadas depois, sucumbindo ao próprio câncer. No meio, no entanto, há um álbum lindo e comovente de reflexão e luto, bem como uma viagem triunfante ao Brasil, uma introdução ao Hall da Fama do Rock and Roll e - alguns dizem surpreendentemente - o primeiro álbum conceitual completo da banda para encerrar uma imensa carreira marcada pela integridade e idealismo.

A PRIMEIRA PARTE DA TRILOGIA DEFINITIVA DO RUSH. O primeiro dos três volumes de Rush Através das Décadas, Anthem coloca o catálogo da banda, desde sua estreia autointitulada até Hemispheres, de 1978 (o próximo volume é retomado com o lançamento de Permanent Waves) no contexto da cultura pop canadense e geral e apresenta o trio. Lutando contra a complacência, provocando reflexão e, muitas vezes, enfurecendo os críticos, o Rush está em guerra com a indústria da música desde 1974, quando eles foram descartados pela primeira vez. Anthem, como cada volume desta série, celebra a perseverança de Geddy, Alex e Neil: três homens que mantiveram seus valores enquanto operavam a partir de uma base canadense, durante anos magros, tragédias pessoais e o eventual sucesso mundial da banda.

A SEGUNDA PARTE DA TRILOGIA DEFINITIVA DO RUSH. Parte dois da biografia definitiva dos reis do rock 'n' roll do Norte - abrangendo os álbuns mais icônicos e populares do Rush, Moving Pictures e Power Windows. Na sequência de Anthem, Martin Popoff reúne análise de cânone, contexto cultural e extensas entrevistas em primeira mão para celebrar Geddy Lee, Alex Lifeson e Neil Peart no auge de seu poder de persuasão. Rush foi uma das bandas de hard rock mais célebres dos anos 80, e o segundo livro da incrivelmente abrangente série de três partes de Popoff leva os leitores de Permanent Waves a Presto, enquanto traz uma nova visão para Moving Pictures, sua maior glória. Limelight: Rush nos anos 80 é uma celebração da fama, da reação contra essa fama, das fortunas feitas ― e gastas… Limelight registra um período vertiginoso na carreira da banda, construído de empolgação explosiva, mas também exaustão, um estado que levaria, no alvorecer dos anos 90, à banda questionando tudo o que acreditava anteriormente, e cada membro encarando a década que se aproximava com apreensão e desconfiança.

ÁLBUM A ÁLBUM. MÚSICA A MÚSICA. A BIOGRAFIA DEFINITIVA DO RUSH. Com extensas reflexões em primeira mão de Geddy Lee, Alex Lifeson e Neil Peart, bem como de familiares, amigos e outros músicos, este livro abrange a carreira do Rush nos anos 70, 80 e 90. Em mais de 1200 páginas, o jornalista Martin Popoff acompanha álbum a álbum, música a música, a extraordinária trajetória de uma das bandas de hard rock mais aclamadas do mundo. A trilogia reunida neste volume acompanha a carreira de três homens que mantiveram seus valores frente à indústria da música, passando por anos difíceis, tragédias pessoais e o incontestável sucesso mundial da banda. Importante: a edição em inglês foi lançada em 3 volumes separados (Anthem, Limelight e Driven), mas no Brasil chegará ao mercado em um único livro com todo o conteúdo.

Johnny Def, General D, Black Company, da Weasel, Mind da Gap, Djamal, Boss AC, Dealema, Sam The Kid, Valete, Força Suprema, Chullage, Regula, Allen Halloween, Nerve, Capicua, DJ Ride, Plutonio, Dillaz, Slow J, T-Rex. Estes são apenas alguns nomes dos protagonistas que marcaram a história do rap em Portugal ao longo dos últimos 40 anos.

Muitos já desapareceram, outros persistiram, novos surgem todos os anos e o Hip Hop Tuga está cada vez mais vivo. Amadureceu, diversificou-se, passou de um pequeno movimento de nicho para uma cultura influente que também ajudou a transformar a sociedade.

Em Hip Hop Tuga - Quatro décadas de Rap em Portugal, o autor, Ricardo Farinha, fez um trabalho de arqueologia, em busca dos precursores do estilo mas também das histórias dos novos valores, e o resultado é uma quase enciclopédia com biografias e imagens inéditas partilhadas pelos artistas e por quem, por amor, deu palco e voz a um dos géneros de música mais revolucionários do mundo.

Este livro dá voz àqueles que, apesar de reclusos nos guetos e prisioneiros nos campos de concentração, resistiram à violência nazista. Através do imenso repertório analisado pela autora, fica evidente que - em situações de crises emocional e física - a música emergiu como instrumento de enfrentamento, alimentando sonhos de liberdade e de uma vida regada com amor. Enquanto prisioneiros condenados à morte por sua raça, ideologia e/ou religião, milhares de judeus foram obrigados a cavar fundo em suas almas em busca de inspiração para conseguir criar e interpretar em meio a uma catástrofe. O alto potencial terapêutico da música interferiu, certamente, no comportamento dos prisioneiros condenados ao extermínio. As músicas, lembradas e/ou cantadas, alimentaram as memórias de situações passadas e, ao deixarem seus registros, garantiram a construção de novas memórias. Alguns conseguiram transformar o pulsar de seus corações machucados em armas de protesto mantendo uma espécie de baixo continuum. Tentando dizer o que não poderia ser dito, marcaram o ritmo de suas canções nas pautas do absurdo inspirando-se na realidade nua e crua de um genocídio.

O rock não foge às contradições do mundo. Desde o seu surgimento em meados do século passado, ostenta altos e baixos que variam entre horizontes culturais contra hegemônicos até vieses aderentes à ideologia burguesa, esvaindo-se da crítica e encarnando uma equivocada neutralidade muitas vezes evocada por muitos de seus adesistas. Nesse campo de contradições, diferentes estilos foram cooptados pelo mercado e inseridos nas práticas capitalistas sob diferentes medidas. Francamente, o referido constructo reverbera em seus aspectos espaciais, na sua distribuição geográfica, em sua rarefação e em sua densidade de ocorrência, fatores estes relacionados, majoritariamente, a aspectos econômicos, urbanos e culturais. O corte geográfico, portanto, dá a tônica do presente livro, que se dispõe a interpretar e discutir o rock no Brasil a partir dos olhares da Geografia, explorando e debatendo suas contradições enquanto importante elemento da cultura contemporânea. Voltado tanto para geógrafos como para qualquer pessoa que mantenha interesse e\ou relação com o rock, a obra se debruça sobre alguns aspectos históricos que marcaram a evolução do estilo no Brasil e sobre sua dimensão geográfica, colocando ponto focal na sua distribuição espacial e na discussão de suas causas.

Este livro descoloniza o Brasil sonoro por dentro, informando o que há para além do Sul Rio-São Paulo. Lembra a metodologia utilizada por Andre Gunder Frank, se este gênio das ciências sociais tivesse porventura sensibilidade à música: o desenvolvimento desigual dos músicos trabalhadores.

A vivência digital possibilita acesso ilimitado a conteúdos de ensino de música, voltados sobretudo para o domínio de instrumentos. O que ainda parece faltar é a reflexão sobre os caminhos da formação, que nunca se dá por encerrada na vida de um músico profissional. Pensando nisso, os irmãos Baldini apresentam aqui uma abordagem que complementa o estudo do violino, com reflexões sobre técnica, análise e performance, que se estendem e se aplicam ao ensino e aprendizagem de qualquer outro instrumento. Em uma conversa descontraída, os autores abordam desde questões mais amplas, como organização do tempo dedicado ao estudo, escuta e leitura musical, até questões específicas do violino, como escalas, cordas duplas, agilidade, mudança de posição, arco e mão esquerda. Como afirma Emmanuele, "a intenção nunca foi aquela de oferecer um método completo e abrangente, mas sim algumas reflexões para repensar a técnica do violino e nosso papel como estudantes e professores (muito embora essas definições sejam sempre complicadas e nunca completamente satisfatórias)". O livro é resultado de várias reuniões on-line, realizadas nos meses de julho e agosto de 2022, entre Trieste, onde mora Giovanni, e São Paulo, onde Emmanuele Baldini vive e trabalha desde 2005, atuando como spalla da Osesp.

A estada do compositor austríaco Sigismund Neukomm no Brasil entre 1816 e 1820 é um dos capítulos mais singulares da Historia da Música no Brasil. Esse conterrâneo de Mozart, contemporâneo de Beethoven, e como este, aluno e amigo íntimo de Joseph Haydn – de quem foi o executor testamentário- chega no Brasil com uma bagagem musical quintessencialmente vienense, no extremo oposto da tradição operística italiana -notadamente a da escola napolitana então dominante no mundo luso-brasileiro -, cujo representante máximo em Portugal era a figura do compositor Marcos Portugal. O ambiente musical que Neukomm encontra no Rio era marcado pela presença de duas grandes figuras : por um lado, o compositor Marcos Portugal, favorito dos portugueses, e por outro a figura modesta do Padre José Mauricio Nunes Garcia, cuja grandeza Neukomm percebeu de imediato e se empenhou em valorizar. O livro de Rosana Lanzelotte traz importantes luzes não só sobre o período brasileiro de Neukomm como sobre a sua personalidade multifacetada: ao situar o relato na primeira pessoa, em tom de reminiscências, o narrador é ao mesmo tempo o personagem que observou o Brasil e aqui viveu experiências intensas. O plano do livro é um achado: percorrendo o catálogo de Neukomm elaborado por José Maria Neves, Rosana Lanzelotte constatou que as setenta obras nele listadas que correspondem ao período compreendido entre a chegada de Neukomm e sua partida do Brasil, constitui uma crônica dessa estada, pontuada pelas ocasiões às quais essas musicas se referem, e pelos personagens aos quais aludem. Rosana utiliza esta crônica subliminar para ordenar e dar conteúdo a cada um dos capítulos desse livro. Esse livro é não somente o primeiro livro brasileiro dedicado ao compositor, como um dos poucos até agora focalizando esse personagem cujo único handicap foi o de ser um contemporâneo de gigantes, na cena austríaca, como Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert. Ele traz, sem qualquer perda de conteúdo acadêmico (mas sem ser sobrecarregado por ele) uma contribuição notável para o conhecimento de Neukomm, de sua estada no Brasil, e do Brasil no qual viveu e amou intensamente. por Manoel Correa do Lago

A NOVA E EXPLOSIVA BIOGRAFIA DO GÊNIO MAIS ULTRAJANTE E TRÁGICO DO ROCK! Eleito livro do ano pelo New York Times Book Review e Publishers Weekly. Mais de cinquenta anos após sua morte, Jimi Hendrix (1942-1970) é celebrado como o maior guitarrista de rock de todos os tempos. Mas antes de incendiar as guitarras e o mundo, James Marshall Hendrix era um garoto tímido em Seattle, dedilhando um ukulele quebrado e com medo de um pai que iria bater nele por tocar com a mão esquerda. Trazendo a história de Jimi para a vida vívida no cenário do rock de meados do século, e com uma riqueza de novas informações, o aclamado biógrafo musical Philip Norman oferece um retrato cativante e definitivo de uma lenda musical. Com base no acesso sem precedentes ao irmão de Jimi, Leon Hendrix, que fornece detalhes perturbadores sobre sua infância, bem como Kathy Etchingham e Linda Keith, as duas mulheres que desempenharam papéis vitais na ascensão de Jimi ao estrelato, Norman traça a vida de Jimi tocando em clubes como o segregado Chitlin' Circuit, onde ele encontrou racismo diário, mal sobrevivendo no Greenwich Village de Nova York, onde foi assumido pelo baixista do Animals, Chas Chandler, em 1966, e exportado para o Swinging London e o estrelato internacional. Por quatro anos impressionantes, de 1966 a 1970, Jimi reescreveu totalmente as regras do estrelato do rock, principalmente em Monterey e Woodstock (onde ele tocou sua versão infundida de protesto de "Star-Spangled Banner"), enquanto se tornava o músico mais bem pago da década. Mas tudo terminou abruptamente no porão de um hotel de Londres com a morte prematura de Jimi. Com detalhes notáveis, este livro finalmente revela a verdade por trás dessa tragédia há muito encoberta. A pesquisa exaustiva de Norman revela um jovem que era tão tímido e educado em particular quanto ultrajante em público, cuja insegurança sobre sua voz nunca poderia ser aplacada por seu gênio instrumental e cujos esforços inúteis para agradar seu pai o deixaram em busca do família que ele sentiu que nunca teve de verdade. Repleto de insights sobre os maiores momentos da história do rock. Um relato fascinante das figuras mais duradouras e cativantes da música.

Este trabalho é resultado de uma longa pesquisa na qual analisei o Maracatu Pé de Elefante, tido e havido como único maracatu nação da Paraíba na atualidade, buscando entender sua relação com a espiritualidade e as religiões afro-brasileiras, problematizando a questão das próprias categorias dos maracatus de baque virado, i.e., "maracatus nação" e "batuques ou maracatus laicos", além da linha que separa essas categorias, observando as conexões político-sociais-religiosas do Pé de Elefante e sua constante reinvenção e ressignificação no conjunto dos maracatus na Paraíba. Busquei considerar as origens do Maracatu enquanto manifestação religiosa oriunda dos terreiros a partir da diáspora africana e sua propagação como manifestação cultural e linguagem musical que transborda para fora dos terreiros. Posteriormente, analisei o Maracatu Pé de Elefante, situado no campo dos maracatus de baque virado, sendo consagrado no então terreiro Ilê Axé Xangô Ogodô e Tenda do Caboclo Sete Flechas. Nesse aspecto, fez-se necessário compreender a história e o lugar do referido terreiro, bem como a trajetória de sua liderança religiosa, Pai Beto de Xangô. Com base nesse percurso, foi possível analisar a reinvenção e a ressignificação da tradição por meio do Pé de Elefante, traçando um paralelo com os demais baques virados presentes no estado da Paraíba na época, na perspectiva de dimensionar a zona fronteiriça entre esses, dentro de um contexto no qual a hibridação cultural ancora e redimensiona estruturas, práticas culturais, sociais e políticas no arcabouço do ethos comunitário e religioso.

Sem letras para fado, é um livro que aborda de forma clara e objetiva diversos temas que o fadista, quer seja profissional ou amador, possa cantar, despertando no publico sentimentos. Uma escolha de letras originais deste autor, essencialmente para fado, onde o leitor em conjunto com o mesmo pode interagir ao vivo, por WhatsApp, por telemóvel, ou outras tecnologias colaborativas, no sentido de se criar rapidamente harmonia entre o texto, o instrumental escolhido pelo fadista, e o número de sílabas que o necessita de forma a expressar, sem alterar, a sua mensagem, com o objetivo de que o produto final seja do agrado de todos. Sendo assim, o fadista escolhe a letra e o instrumental; e presencialmente o autor adpata-a rapidamente, o fadista canta à capela, e são acrescentadas ou tiradas silabas conforme seja preciso. Os fadistas entendem isso. O autor, que se define como poeta popular, pretende assim iniciar-se nesta forma de expressão artística, argumentando: "O fado, é o conjunto inseparável da expressão de sentimento por parte de quem o canta e o trinar da guitarra". "Sou da família do fado, e por ele enamorado, inseparável talvez", a expressão que mais gosta de ouvir por parte do objetivo final, o público. Queremos com esta escolha de cem letras, citando o autor, "Mais do que vender, quero que quem compre, sonhe.". Um ebook e um livrinho de bolso. Conceito: escolher e adaptar ao instrumental em direto.

Esta obra trata-se de um trabalho de investigação dedicado ao Fado Tradicional: De "Adelino" a "Zé Negro". O autor revela que cada letra é meramente uma estória e cada letra indica a melodia com a qual deve ser cantada, existindo ainda a possibilidade de ser adaptada a outra. Em direto, presencialmente ou através das plataformas. Neste conjunto de letras o autor revela os seus diversos estados de espírito, e, bastas vezes relata os dos seus amigos ou vivências destes em particular. A melancolia, a saudade, a tristeza, mas também a alegria e a esperança estão presentes nas letras deste autor. Nesta obra o autor apresenta poemas de valia. As contrapartidas/ recompensas para o leitor são de fato existentes dependendo do hábito e da predisposição do publico em geral e do fadista em particular, que ao utilizar o seu sentimento e olhar mágico, poderá transformar cada trecho, cada melodia, numa obra única para seu desejo pessoal ou oferecer ao amante do fado. 

Quem passeia presentemente pelas ruas de Lisboa não imagina as muitas histórias, memórias e vivências jazzísticas que guardam os seus velhos prédios, as suas históricas lojas e também as salas de espetáculo, onde tantos músicos, portugueses e estrangeiros (desde Sidney Bechet a Count Basie) atuaram ao longo dos últimos 90 anos, maravilhando ou escandalizando plateias, repórteres e até os intelectuais da época.

«A música de Mozart revela o dom de unir as pessoas: crianças e adultos apreciam os seus concertos e sinfonias; católicos e protestantes comovem-se com as

Este livro é editado no momento em que se completam 70 anos sobre a primeira actuação de Josephine Baker em Portugal, muito embora a larga fama por si alcançada em Paris a partir de 1925, ainda apenas como bailarina, tenha precedido em vários anos a sua primeira visita ao país. Com efeito, publicações como a revista ABC vinham desde esta mesma década dedicando artigos e comentários à "vedeta negra", ela que nos anos 20 e 30 foi o ícone do Jazz, um símbolo da libertação sexual e um rosto da emancipação das mulheres, causando nas diversas capitais e cidades europeias por onde passou um misto de escândalo e sensação com as suas ousadas e desnudadas danças. Por isso mesmo, não raras vezes os seus espectáculos foram alvo de tentativas de boicote pelos poderes políticos e públicos de uma Europa que caminhava a largos passos para os nacionalismos e totalitarismos xenófobos.

Nas décadas de 1950 e 1960, a cantora brasileira Leny Eversong se tornou um fenômeno: foram mais de 700 shows entre cidades como Los Angeles, Nova York, Las Vegas, Paris e grandes capitais das Américas Central e do Sul. Na TV dos EUA, chegou a dividir uma noite do programa Ed Sullivan Show com o, então, jovem astro Elvis Presley. Aqui no Brasil, com mais de 15 discos lançados, atuou em filmes, festivais, novela, teatro e rádio – chegando a ter um programa próprio de televisão (Quadra de Sete, na TV Record, em 1966). E, apesar desse alcance de sua música, é previsível a resposta para a pergunta: quem, hoje, já ouviu ao menos falar de Leny Eversong? O livro de Rodrigo Faour dá conta de apresentar esse completo e surpreendente apagamento da cantora nascida na cidade de Santos (SP) da memória do país. À medida em que apresenta sua trajetória por gravadoras, emissoras e palcos, Faour busca hipóteses a esse total esquecimento de Leny Eversong. Para ele, Leny, que mantinha repertório com músicas predominantemente em inglês, francês e espanhol, foi alvo de um sentimento nacionalista do período, que marcava o gosto e a crítica musical. Por outro lado, e como maior linha de força do livro, Faour aponta que Leny Eversong nunca se enquadrou nos padrões de beleza e sensualidade imposto a artistas do sexo feminino. Era uma mulher gorda e de voz que alcançava escalas que iam de mezzo soprano até a voz masculina de barítono. Além de inúmeras entrevistas com artistas contemporâneos de Leny, o livro reúne vasto material fotográfico e fac-símiles de matérias publicadas na imprensa da época. Grande parte do acervo pertencia à própria Leny Eversong e foi doado ao autor pelo filho da cantora, um dos entrevistados no livro. A obra traz ainda, na parte final, entrevistas com cantoras que sofreram resistências em suas carreiras por parecerem, igualmente, fora dos padrões de beleza, como Fafá de Belém e MC Carol. Bem resumido: um livro sobre a trajetória da cantora Leny Eversong e o modo como sua recente e rica história, de modo inacreditável, terminou apagada.

Elton John é o cantor-compositor de sucesso com a carreira mais longa de todos os tempos. São sete décadas - até agora - de uma vida extraordinária pautada por constantes altos e baixos. Agora, na primeira pessoa e com a habitual frontalidade e bom humor, Elton John partilha a sua história – todos os momentos, dos mais hilariantes aos mais comoventes.
Christened Reginald Dwight era um miúdo tímido, de Pinner, nos subúrbios de Londres, com uma relação conturbada com os pais, que adorava música e sonhava ser uma estrela pop. Tinha 23 anos quando deu o primeiro concerto nos EUA: com umas jardineiras amarelas, uma T-shirt às estrelas e botas com asas deixou uma imensa plateia absolutamente deslumbrada. Elton John tinha chegado e o mundo da música nunca mais seria o mesmo.
À imagem da vida de Elton, não falta drama nesta autobiografia: desde as rejeições iniciais das editoras a ser considerado o artista pop mais famoso do mundo; das amizades com Jonh Lenon, Freddie Mercury e George Michael às noites loucas no Studio 54; das tentativas de suicídio à dependência que escondeu até de si próprio durante anos e que quase o destruiu.
Elton descreve de forma emocionada o processo de reabilitação, a criação da Elton John AIDS Foundation, como encontrou o verdadeiro amor ao lado de David Furnish, as férias com Versace e a participação no funeral da princesa Diana. E ficamos também a saber como e quando percebeu que querias ser pais e como isso acabou por mudar novamente toda a sua vida.
Excentricamente divertido mas também profundamente emocionante, Eu, Elton John levá-lo-á numa viagem inesquecível pela intimidade de uma lenda viva.

Os capítulos deste livro comentam uma parte importante do trabalho que se faz em universidades brasileiras, lado a lado com estudantes de graduação e pós-graduação em Música. Delineiam um modo de pesquisar, aprender e ensinar, em que a observação e descrição do que se faz em música (essa "organização humana dos sons") se combina à interlocução — com praticantes e com a literatura — sobre as técnicas, os valores em jogo, os meios e relações de produzir, em determinadas situações e práticas. Esse modo de estudar e compreender música, em sua variedade de manifestações e suas implicações sociais, tem base na tradição etnográfica, e entra na composição de meu trabalho docente há cerca de duas décadas. Analisando experiências em práticas de música com estudantes e colegas, tenho lecionado, orientado pesquisas, produzido artigos e comunicados orais para encontros acadêmicos no Brasil e noutros países. Neste volume, reuni cinco desses comunicados, traduzindo os que haviam sido apresentados em inglês, ampliando e revisando os cinco textos. No conjunto, se entrelaçam pontos que acredito serem relevantes para a formação universitária, e se levantam questões para planejar próximas atividades de pesquisa, ensino e extensão.

No livro "1979 – O ano que ressignificou a MPB", 100 LPs da época ganham histórias escritas por artistas e jornalistas, e resgatam a memória de um ano em que a música popular brasileira falou por si só. Em forma de prosa, resenha, reportagem ou entrevista, cada autor dá o seu estilo ao seu capítulo (veja a lista de autores e discos no final). Com esse conteúdo organizado pelo jornalista Célio Albuquerque, "1979 – O ano que ressignificou a MPB" é um livro grande, que traz para leitores e leitoras momentos especiais sobre álbuns especiais.

Pela primeira vez, a edição completa de uma das mais icónicas obras de Miguel Esteves Cardoso, com dois livros num só: Escrítica Pop e O Ovo e o Novo. 

«Aconselho os leitores a lerem um dos textos do livro: "Como Ser Um Crítico de Rock - Um Guia Prático", publicado em 1981 na revista Música & Som.  É delicioso, ainda agora, lê-lo e imaginar a cara de muitos dos que na época escreviam sobre música e pensar, até, como o que lá está escrito se mantém ainda hoje tão verdadeiro, não apenas na música, mas também em muitas outras coisas. Outro texto incontornável, antes de sermos arrastados nas páginas seguintes para a voragem dos anos 80, é "O Livro Negro da Música Pop: Os Piores de ‘70". 

Por falar nos anos 70, esta nova edição da Escrítica Pop redescobre um texto pouco conhecido de Miguel Esteves Cardoso, que é verdadeiramente um dos melhores guias musicais que conheço: "O Ovo e O Novo - (Uma) Discografia Duma Década de Rock, 1970-1980".» Do prefácio de Manuel Falcão

Quando Selvagem? foi concebido, Os Paralamas do Sucesso precisavam atender a expectativas do público e da gravadora, ambos impactados pelo sucesso de O passo do Lui (1984) — que tinha emplacado uma série de sucessos no rádio — e pela apresentação no Rock in Rio, em 1985, uma das mais aclamadas do festival e transmitida país afora. Selvagem? representou um divisor de águas na trajetória da banda: as canções românticas do disco anterior deram lugar às letras politizadas de "Alagados" e "Selvagem", refletindo sobre o momento politicamente turbulento do país. Com misturas inovadoras de rock com sonoridades brasileiras e ritmos caribenhos e africanos, consolidaram o aceno ao reggae como uma de suas marcas registradas. O disco trouxe sucessos como a irreverente "Melô do marinheiro" e estabeleceu o encontro com outras gerações com "A novidade", parceria com Gilberto Gil, e "Você", regravação da música de Tim Maia. Neste volume da coleção O Livro do Disco, o autor Mario Luis Grangeia traz os bastidores da criação de Selvagem? ao traçar paralelos com a recepção na imprensa, o contexto político da redemocratização e depoimentos da banda, mostrando como esse disco, que vendeu mais de 700 mil cópias, firmou-se como um álbum icônico da discografia brasileira.