Esta coletânea contempla os textos de egressos e discentes do Programa de Pós-Graduação em Música do IA-UNESP indicados pelos docentes, em comemoração aos XX anos de implantação do Programa. Os artigos selecionados de 2018 a 2023 não resumem as teses e dissertações dos discentes e egressos, são uma extensão de suas pesquisas. Constam da publicação, além dos textos inéditos, o resumo curricular dos autores, a atividade profissional que desempenham, o impacto de suas pesquisas para a área, além do nome dos docentes que orientaram as teses e dissertações, todas elas alinhadas às linhas de pesquisa que norteiam o PPG. No intuito de contemplar todos os textos indicados pelos orientadores, foi necessário dividir a produção intelectual dos discentes e egressos em três volumes.

Seis deliciosas conversas que inflamam a paixão e o prazer de escutar música. Toda a gente sabe que Haruki Murakami gosta tanto de música moderna e de jazz como de música clássica. Esta paixão não só o levou a ser dono de um clube de jazz em Tóquio, o famoso Peter Cat, como a impregnar de referências e vivências musicais a maioria dos seus romances e contos.

Neste livro, o escritor japonês mais famoso do mundo partilha com os leitores os seus gostos, as suas opiniões e, sobretudo, o desejo de saber tudo e mais alguma coisa sobre a arte da música, elemento de união entre milhões de pessoas espalhadas pelo mundo.

Ao longo de dois anos, Murakami e o seu amigo Seiji Ozawa, antigo diretor da Orquestra Sinfónica de Boston, mantiveram estas conversas, deliciosas a todos os títulos, sobre conhecidas peças de Brahms e Beethoven, Bartók e Mahler, sobre diretores de orquestra como Leonard Bernstein e solistas fora de série como Glenn Gould, sobre peças de música de câmara e sobre ópera.

Enquanto os dois ouvem discos e comentam diferentes interpretações, os leitores assistem a sumarentas curiosidades e confidências que por certo os contagiarão e despertarão neles o entusiasmo e o prazer infindável de desfrutar da música com novos ouvidos.

Prefácio de Martim Sousa Tavares.

Esta obra de Eduard Hanslick, célebre e polémico crítico musical na Viena do século XIX, é um clássico da estética musical, mas também da estética em geral e da filosofia, além de um contributo valioso para uma nova percepção da arte dos sons.

Esta obra trata-se de um trabalho de investigação dedicado ao Fado Tradicional: De "Adelino" a "Zé Negro". O autor revela que cada letra é meramente uma estória e cada letra indica a melodia com a qual deve ser cantada, existindo ainda a possibilidade de ser adaptada a outra. Em direto, presencialmente ou através das plataformas. Neste conjunto de letras o autor revela os seus diversos estados de espírito, e, bastas vezes relata os dos seus amigos ou vivências destes em particular. A melancolia, a saudade, a tristeza, mas também a alegria e a esperança estão presentes nas letras deste autor. Nesta obra o autor apresenta poemas de valia. As contrapartidas/ recompensas para o leitor são de fato existentes dependendo do hábito e da predisposição do publico em geral e do fadista em particular, que ao utilizar o seu sentimento e olhar mágico, poderá transformar cada trecho, cada melodia, numa obra única para seu desejo pessoal ou oferecer ao amante do fado. 

«Há na música uma dupla complicação, geradora de problemas metafísicos e de problemas morais, que alimenta continuamente a nossa perplexidade. Por um lado, a música é simultaneamente expressiva e inexpressiva, séria e frívola, profunda e superficial. Tem sentido e não tem sentido. Será a música um divertimento sem importância? Ou antes uma linguagem cifrada, como o hieróglifo de um mistério? Ou talvez ambas as coisas? Mas esse equívoco essencial tem também um aspeto moral: há um contraste desconcertante, uma desproporção irónica e escandalosa entre o poder encantatório da música e a profunda inevidência da beleza musical.»

Este livro é editado no momento em que se completam 70 anos sobre a primeira actuação de Josephine Baker em Portugal, muito embora a larga fama por si alcançada em Paris a partir de 1925, ainda apenas como bailarina, tenha precedido em vários anos a sua primeira visita ao país. Com efeito, publicações como a revista ABC vinham desde esta mesma década dedicando artigos e comentários à "vedeta negra", ela que nos anos 20 e 30 foi o ícone do Jazz, um símbolo da libertação sexual e um rosto da emancipação das mulheres, causando nas diversas capitais e cidades europeias por onde passou um misto de escândalo e sensação com as suas ousadas e desnudadas danças. Por isso mesmo, não raras vezes os seus espectáculos foram alvo de tentativas de boicote pelos poderes políticos e públicos de uma Europa que caminhava a largos passos para os nacionalismos e totalitarismos xenófobos.

E é neste tônus de liberdade, jogo e brincadeira, que o grupo de pesquisa e extensão Motim – Mito, Rito e Cartografias Feministas nas Artes (CNPq), fundado e por mim liderado desde 2015, lança ao mundo sua segunda produção bibliográfica coletiva intitulada Motim – Outros Ensaios, congregando capítulos que se traduzem enquanto textos ensaísticos, muitos deles, livres e performativos, sobre as investigações de seus/suas mais novos/novas integrantes advindos dos cursos de pós-graduação em artes e artes cênicas (mestrado e doutorado) e graduação (iniciação científica) de três diferentes universidades: UERJ, Udesc e Ufrn.

Nas décadas de 1950 e 1960, a cantora brasileira Leny Eversong se tornou um fenômeno: foram mais de 700 shows entre cidades como Los Angeles, Nova York, Las Vegas, Paris e grandes capitais das Américas Central e do Sul. Na TV dos EUA, chegou a dividir uma noite do programa Ed Sullivan Show com o, então, jovem astro Elvis Presley. Aqui no Brasil, com mais de 15 discos lançados, atuou em filmes, festivais, novela, teatro e rádio – chegando a ter um programa próprio de televisão (Quadra de Sete, na TV Record, em 1966). E, apesar desse alcance de sua música, é previsível a resposta para a pergunta: quem, hoje, já ouviu ao menos falar de Leny Eversong? O livro de Rodrigo Faour dá conta de apresentar esse completo e surpreendente apagamento da cantora nascida na cidade de Santos (SP) da memória do país. À medida em que apresenta sua trajetória por gravadoras, emissoras e palcos, Faour busca hipóteses a esse total esquecimento de Leny Eversong. Para ele, Leny, que mantinha repertório com músicas predominantemente em inglês, francês e espanhol, foi alvo de um sentimento nacionalista do período, que marcava o gosto e a crítica musical. Por outro lado, e como maior linha de força do livro, Faour aponta que Leny Eversong nunca se enquadrou nos padrões de beleza e sensualidade imposto a artistas do sexo feminino. Era uma mulher gorda e de voz que alcançava escalas que iam de mezzo soprano até a voz masculina de barítono. Além de inúmeras entrevistas com artistas contemporâneos de Leny, o livro reúne vasto material fotográfico e fac-símiles de matérias publicadas na imprensa da época. Grande parte do acervo pertencia à própria Leny Eversong e foi doado ao autor pelo filho da cantora, um dos entrevistados no livro. A obra traz ainda, na parte final, entrevistas com cantoras que sofreram resistências em suas carreiras por parecerem, igualmente, fora dos padrões de beleza, como Fafá de Belém e MC Carol. Bem resumido: um livro sobre a trajetória da cantora Leny Eversong e o modo como sua recente e rica história, de modo inacreditável, terminou apagada.
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Se você nunca ouviu falar de Leny Eversong, meus pêsames. E, ao mesmo tempo, meus parabéns. Pelas próximas 284 páginas, você será apresentado à biografia de uma tremenda cantora brasileira – uma das poucas que, nos anos 1950 e 1960, estouraram de verdade no mercado mais duro do mundo: o americano – e mergulhará numa história artística e humana que o fará rir e chorar. A paulista Leny Eversong, capaz de cantar em todos os gêneros musicais, estilos e línguas, foi um fenômeno internacional. Foi também vítima de um nacionalismo hipócrita (por cantar sobretudo em inglês) e de uma massacrante gordofobia. Leny venceu tudo e todos – mas perdeu para o preconceito contra os artistas do mercado, aqueles que se consagram pelo rádio e pela TV. Rodrigo Faour, autor deste A incrível história de Leny Eversong ou A cantora que o Brasil esqueceu, é o maior pesquisador da música realmente popular brasileira. Seu universo é o dos cantores que, como Cauby Peixoto e Angela Maria (dois de seus outros biografados) – e agora Leny Eversong –, foram ignorados pelos esnobes e tiveram de se contentar com o amor e a admiração de todo um povo. RUY CASTRO

Cantora, compositora e instrumentista, Joyce Moreno reúne nesta coletânea cerca de trinta textos inéditos de Hermínio Bello de Carvalho, o qual celebra, com esta publicação, seus setenta anos de atividade como escritor, poeta e agitador cultural. São crônicas, memórias e perfis de grandes expoentes de nossa cultura, em especial da música, como Pixinguinha, Heitor Villa-Lobos, Mário de Andrade, Elis Regina, João Gilberto, Clementina de Jesus, Cartola, Paulinho da Viola e Chico Buarque, entre outros. Com orelha de Ruy Castro, posfácio de Alexandre Pavan e caricaturas do ilustrador Baptistão, as crônicas e perfis de Hermínio trazem o ponto de vista privilegiado de quem recolheu histórias e conviveu com a maioria dos artistas sobre quem escreve.

Como contar a história da música brasileira? A série Álbum propõe partir destas criações que atravessam o tempo e marcam a experiência de diferentes gerações: os discos. Iniciando em 1950 e chegando até hoje, o jornalista e crítico musical Pedro Alexandre Sanches reconta esta história visitando a trajetória de um formato específico de circulação musical: o "long play", ou o popular LP. Este volume 2 de "Álbum: a história da música brasileira por seus discos" traz como título Samba, rebelião sexual e segundo levante negro e cobre o período entre 1972 e 1978. Destacando a censura que se instalara com o Golpe civil-militar de 1964 (e que se entranharia no Brasil com o AI-5, em 1968), o autor observa que foi este mesmo governo quem, paradoxalmente, incentivou a música brasileira com abatimento de impostos para as empresas produtoras de discos. "Um retrato perfeito do dinamismo e da expansão das gravadoras foi o selo 'Disco é cultura', inserido nas contracapas dos LPs como sinalização não assumida de que havia investimento do governo federal naqueles produtos de artistas brasileiros. [...] Hoje parece paradoxal que a ditadura de direita investisse na música brasileira que ela própria censuraria a seguir. No entanto, as complexas motivações para o crescimento do bolo fonográfico na década de 1970 têm como ponto de partida o estímulo ao consumo (e ao consumismo) forjado naquilo que os militares batizaram de 'milagre econômico brasileiro'". Neste Álbum 2, Pedro Alexandre Sanches escreve sobre mais de 90 obras do período. Entre os discos que o autor dedica texto neste volume (sempre acompanhado das imagens das capas) estão: Tim Maia Racional, de Tim Maia; Clube da esquina, de Milton Nascimento e Lô Borges; Calabar e Meus caros amigos, de Chico Buarque; Carimbó e sirimbó no embaldo do Pinduca, de Pinduca; Desbunde total, de Johnny Alf; A dança da solidão, de Paulinho da Viola; Canta, canta, minha gente, de Martinho da Vila; Minas e Geraes, de Milton Nascimento; Estrada da vida, Milionário e José Rico; A tábua de esmeralda, de Jorge Ben; Índia, de Gal Costa; Novos Baianos F. C. (1973); Quem tem carinho me leva, de Geovana; Ogum Xangô, de Gilberto Gil e Jorge Ben; Di Melo (1975); Novo aeon e Há 10 mil anos atrás, de Raul Seixas; Fruto proibido, de Rita Lee & Tutti Frutti; Alucinação, de Belchior; Falso brilhante, de Elis Regina; Urubu, de Antonio Carlos Jobim; Cheiro de mato, de Rosinha Valença; O filho de José e Maria, de Odair José; Maria fumaça, Banda Black Rio; A rainha da Ciranda, de Lia de Itamaracá; De pé no chão, de Beth Carvalho; Cheio de razão, de Bebeto; Loki?, de Arnaldo Baptista; Cartola (1974); Secos & Molhados (1973); Claridade, de Clara Nunes; A voz do samba, de Alcione; Na rua, na chuva, na fazenda..., de Hyldon; Eu quero é botar meu bloco na rua..., de Sérgio Sampaio; João Gilberto (1973), entre outros.

Em Surrender, Bono escreve na primeira pessoa sobre a sua vida notável e sobre aqueles com quem a partilhou. Com uma voz única, Bono leva-nos até aos seus dias de juventude em Dublin, ao momento em que perdeu a mãe subitamente, aos14 anos, à improvável viagem dos U2 antes de se tornarem uma das bandas mais influentes de sempre, aos seus mais de 20 anos de ativismo, dedicados à luta contra a SIDA e a pobreza extrema. Num exercício de franca autoanálise e com uma dose saudável de humor, Bono abre a porta para a sua vida, a sua família e amigos e para a fé em que se apoiou, que o desafiou e que o moldou.

O subtítulo de Surrender, 40 canções, uma história é um piscar de olho aos 40 capítulos que compõem o livro, cada um evocando uma música dos U2. Bono criou ainda 40 desenhos originais para este livro e um vídeo, narrado por si, baseado nas suas ilustrações e divulgado hoje nas plataformas digitais dos U2, a partir do excerto de um dos capítulos do livro, Out of Control, no qual Bono narra o episódio da composição do primeiro single dos U2 a 10 de maio de 1978 - dia do seu 18.º aniversário.

Em Irmandades Negras: Educação, Música e Resistência nas Minas Gerais do século XVIII trata-se de um ambiente de resistência e mobilidade social dos escravos negros. As Irmandades Negras estabeleceram uma conexão muito intensa entre religiosidade, música e sua forma de entender a natureza e, oportunizando uma mobilidade social inimaginável em uma sociedade escravocrata. Essa conexão foi uma forma de resistir a colonização e ao aculturamento imposto pelo homem branco. Esta obra nos mostra um Brasil colonial diferente dos livros de História. Uma organização de resistência que não encontrou oposição do Estado nem da Igreja. A autora consegue, com desenvoltura, emergir um tema que ainda há muito que se aprofundar, num esforço de resgatar parte de nossa história construída por muitas mãos, credos e cores.

A música de Cartola, a música de Paulinho da Viola, a música de John Coltrane, a música de Baden Powell, mas também a música do escritor Julio Cortázar, a música do cineasta Rogério Sganzerla, a música do poeta Manuel Bandeira... A invenção musical é o grande tema deste conjunto de artigos de Eliete Negreiros reunido agora em livro. Mestre e doutora em Filosofia, Eliete alia em sua apreciação da criação musical o conhecimento técnico de longa carreira como cantora. Ao lado de nomes como Itamar Assumpção e Arrigo Barnabé, foi uma das responsáveis pelos movimentos da vanguarda paulista, nos anos 1980. Nesta série de textos publicados originalmente nas revistas Piauí e Caros Amigos, entre 2012 e 2014, Eliete Negreiros elege um tema para cada artigo – seja a trajetória de compositores, cantores, instrumentistas, discos ou a presença da canção em autores alheios (ou quase) à criação musical, como Cortázar ou Sganzerla. São escolhas que, como aparecem bem marcadas nos textos, partem de uma escuta pessoal. John Coltrane, por exemplo, é assunto de um texto saboroso por seu disco A Love Supreme, de 1965, considerado a masterpiece do músico. Mas "Trane" também é tema por ter sido descoberto ainda na juventude da autora, em passagem pela Califórnia, no final dos anos 1970. "Aquele som, o sax de Coltrane, dizia, sem dizer, da minha procura, da busca pelo sentido da vida. Eu tinha acabado de me formar em filosofia, cantava e não sabia direito que caminho seguir, pensava que tinha que fazer uma escolha, ou isto ou aquilo, e não isto e aquilo. Só depois fui entendendo que era possível e muito bom conciliar os dois caminhos, a música e a filosofia", escreve no artigo que abre a seleção. No elenco de perfilados reunido nesta "declaração de amor" à musica entram os nomes que dão subtítulo à obra (Cartola, Paulinho da Viola, Cortázar, Nara Leão, Rogério Sganzerla) mais Pixinguinha, Omara Portuondo, Ernesto Nazareth, Tom Jobim, Chiquinha Gonzaga, Luiz Melodia, Orestes Barbosa, Caetano Veloso, Noel Rosa, Vinicius de Moraes, Ismael Silva, Luiz Gonzaga, Assis Valente, Candeia, Orlando Silva, Nelson Cavaquinho, Dorival Caymmi, Ataulfo Alves, Capinan, Isaurinha Garcia, Baden Powell, Lamartine Babo, Manuel Bandeira, Dolores Duran, Passoca, Elton Medeiros, Paulo Moura, Elisete Cardoso, Dominguinhos, Alaíde Costa, Johnny Alf... "Eliete Negreiros, cantora e filósofa, pessoa de muita sensibilidade, demonstrada em dois ensaios publicados na década de 2010, reveladores de intenções e construções encontradas no meu trabalho de músico/compositor e que muito me honraram." (Paulinho da Viola) "Quem leu Paulinho da Viola e o elogio do amor certamente vai admirar este livro. Com uma linguagem clara e precisa, Eliete Negreiros recorre à filosofia e à poesia para compor os belíssimos artigos deste Amor à música." (Milton Hatoum) "Amor à música é um diário íntimo e filosófico. Nele, a música, a literatura e a filosofia encenam, com delicadeza e pudor, os apaixonados e os enigmas poéticos, o sofrimento e a serenidade, Isaurinha Garcia e Johnny Alf. Nele, o canto e as cantigas, Capinan e Chiquinha Gonzaga, compõem uma 'comédia humana', uma 'divina comédia' que, como um acalanto, nos enleva na 'dor e na delícia de ser o que é'." (Olgária Matos)

Pela primeira vez, a edição completa de uma das mais icónicas obras de Miguel Esteves Cardoso, com dois livros num só: Escrítica Pop e O Ovo e o Novo. 

«Aconselho os leitores a lerem um dos textos do livro: "Como Ser Um Crítico de Rock - Um Guia Prático", publicado em 1981 na revista Música & Som.  É delicioso, ainda agora, lê-lo e imaginar a cara de muitos dos que na época escreviam sobre música e pensar, até, como o que lá está escrito se mantém ainda hoje tão verdadeiro, não apenas na música, mas também em muitas outras coisas. Outro texto incontornável, antes de sermos arrastados nas páginas seguintes para a voragem dos anos 80, é "O Livro Negro da Música Pop: Os Piores de ‘70". 

Por falar nos anos 70, esta nova edição da Escrítica Pop redescobre um texto pouco conhecido de Miguel Esteves Cardoso, que é verdadeiramente um dos melhores guias musicais que conheço: "O Ovo e O Novo - (Uma) Discografia Duma Década de Rock, 1970-1980".» Do prefácio de Manuel Falcão

Este livro apresenta a história do funk, gênero musical de imenso sucesso popular no Brasil e no exterior, que gera recursos financeiros e a inclusão de sujeitos sociais marginalizados. Comumente associados à criminalidade, à violência e ao mau gosto, os frequentadores dos bailes são alvo constante de repressão policial e legislação proibitiva. Ao mesmo tempo, o ritmo é sinônimo de alegria, sensualidade, sucesso, glamour e ostentação – de brasilidade. No estudo que deu origem à obra, Danilo Cymrot traz a diversidade de estilos, valores e comportamentos nos bailes de São Paulo e do Rio de Janeiro. Também demonstra como a criminalização do funk, assim como um dia ocorreu com o samba e a capoeira, vai muito além do rechaço a uma manifestação cultural, revelando muito mais sobre a sociedade brasileira do que se pode imaginar.

O Orpheon Carlos Gomes foi uma sociedade musical e coral que funcionou em Santa Teresa, no Rio de Janeiro, entre 1897 e 1900. A instituição realizava concertos em suas sedes e em espaços da cidade, apresentando músicos profissionais e amadores, além de seu coro, que foi dirigido por Alberto Nepomuceno e Barrozo Netto, entre outros. O repertório do coro era constituído por obras do século XIX a cappella, principalmente europeia, mas também participou de alguns concertos corais-sinfônicos com obras de vulto. Sua história é contada a partir dos periódicos da época, disponíveis na Hemeroteca Digital Brasileira da Biblioteca Nacional, e da bibliografia existente sobre o Rio de Janeiro da primeira década da República, destacando aspectos sociais, culturais, econômicos, políticos e administrativos.

Em junho de 1992, um show no vão do Masp parou a avenida Paulista em pleno meio-dia. Dada a tamanha concentração de pessoas e a vibração da música no lugar, a produção do evento foi alertada que havia grave risco da laje do museu desabar. Com quarenta minutos de show, a cantora, ainda pouco conhecida do grande público, teria a apresentação interrompida pela Secretaria Municipal de Cultura e pela Polícia Militar. Tudo assim: em sequência acelerada e surpreendente, como a cena musical batizada de "axé music" que aquela cantora iria consolidar. O show do Masp é o ponto de partida do livro do jornalista Luciano Matos para contar a história de Daniela Mercury e do álbum O canto da cidade, de 1992. Como a história é sempre maior, e muito mais que 12 faixas de um disco, Luciano Matos volta às origens do que seria absorvido (e aproveitado) por esta nascente axé music: os blocos afro. No livro, o autor reconta a trajetória de seus maiores representantes na capital baiana: Ilê Aiyê, Olodum, Malê Debalê, Muzenza e Ara Ketu. Volta igualmente à origem da batida de Neguinho do Samba, Mestre Jackson, Ramiro Musotto… que somou aos timbaus e repiques da levada do reggae uma poderosa batida grave de surdos: estava nascido assim o samba-reggae. O resultado desse encontro da cantora com os blocos e com o samba-reggae aparece já no primeiro disco: "Swing da cor", música de trabalho do álbum, foi descoberta em um festival do bloco Muzenza e gravada com a percussão do Olodum e Neguinho do Samba. "A gente estava descendo a ladeira de São Bento [no trio], quando Marcionílio perguntou se eu já tinha ouvido a música nova do Olodum. Eu não conhecia ainda. Então ele cantou um trecho de 'Faraó' e o povo respondeu. Aquilo foi incrível. Fiquei enlouquecida. Era um samba novo, uma síntese nova. Uma estrutura louca, uma música longa e interessante. Era muito diferente", lembra Daniela ao autor. Além dela, entre os entrevistados para o livro estão figuras centrais tanto da música baiana quanto do álbum: Vovô do Ilê; João Jorge, presidente do Olodum; Marcos Kilzer, vice-presidente artístico da Sony à época; Margareth Menezes; Herbert Vianna; Armandinho; Letieres Leite; Liminha; Jorge Xaréu, do grupo Muzenza; Carlinhos Brown; Durval Lelys e os compositores Tote Gira ("Prefixo de verão" e "O canto da cidade") e Luciano Gomes ("Faraó – Divindade do Egito" e "Swing da cor"), entre outros. Como escreve Matos: "A enorme visibilidade alcançada por Daniela serviu para escancarar de vez o que já era realidade na Bahia. A música pop baiana, que ganhou o apelido de axé music, virava uma realidade nacional, sem que os artistas precisassem sair de lá, como antes acontecera com quase toda a música surgida fora de Rio de Janeiro e São Paulo. Desde o baião de Luiz Gonzaga, Dorival Caymmi, a bossa nova de João Gilberto, a tropicália de Caetano, Gil, Gal e Tom Zé". O livro é parte da coleção Discos da Música Brasileira, organizada pelo crítico musical Lauro Lisboa Garcia.

Como contar a história da música brasileira? A série Álbum propõe partir destas criações que atravessam o tempo e marcam a experiência de diferentes gerações: os discos. Iniciando em 1950 e chegando até hoje, o jornalista e crítico musical Pedro Alexandre Sanches reconta esta história visitando a trajetória de um formato específico de circulação musical: o "long play", ou o popular LP. Sanches propõe um recorte que cobre álbuns de fundamental importância, mas também espécimes esquecidos (apesar da relevância que tiveram em seus tempos). A ordem estritamente cronológica permite que o leitor acompanhe, por intermédio de considerações sobre os álbuns, os artistas e as canções, a evolução não só da música brasileira, mas do próprio Brasil, em termos sociopolíticos, comportamentais e culturais. Este volume 1 de Álbum: a história da música brasileira por seus discos ("1950 a 1972") contempla o início da história dos discos de longa duração, depois de um domínio no mundo de mais de meio século dos discos compactos. Pouco a pouco, os "bolachões" iam deixando de ser compilações de sucessos lançados primeiramente em compacto e começavam a contar histórias próprias, com começo, meio e fim. Compositores e cantores passavam a trabalhar pensando em como inserir suas músicas em álbuns, e não mais apenas na lógica de ter sucessos avulsos tocando nas principais rádios do país. Entre estes artistas da primeira fase dos LPs estão: Aracy de Almeida, Dorival Caymmi, Luiz Gonzaga, Elizeth Cardoso, Jackson do Pandeiro, João Gilberto, Tom Jobim, Celly Campello, Elza Soares, Jorge Ben, Maria Bethânia, Wilson Simonal, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes, Geraldo Vandré, Pixinguinha, Ronnie Von, Teixeirinha, Inezita Barroso, Roberto Carlos, Tim Maia, Noriel Vilela, Clara Nunes, Elis Regina, Chico Buarque... Como escreve o autor na introdução: "Este livro faz um apanhado impressionista da história da música enquanto gravada em álbuns de canções. É um recorte possível entre incontáveis outros. Tenta abranger alguns discos inquestionáveis, ditos clássicos (muitos deles extremamente populares em seus tempos e/ou no decorrer da história), mas não se esquece daquilo que virou garimpo de diamantes entre os mais fanáticos dos admiradores do formato. Preza o 'sucesso' de alguns e o 'insucesso' de outros porque sabe que a história, tal qual os velhos discos de vinil, não existe sem o lado B – neste caso, nem sem os lados C, D etc., nem sem toda a matéria-prima que constitui o interior de uma esfera. Não é possível conter o universo dentro de um livro sobre álbuns, mas tentamos aqui compor um mostruário robusto, que a um só tempo contemple a história da música brasileira contada a partir de seus discos e os afetos pessoais e intransferíveis do colecionador apaixonado de álbuns".

Among the long string of historical albums he created, África Brasil, from 1976, is a milestone in Jorge Ben's career. It is the record in which he definitely swaps the acoustic for the electric guitar. Narrating Jorge Ben's journey, album by album, to África Brasil, the 14th studio LP of his career, the journalist Kamille Viola interviews musicians, producers, researchers and even soccer stars like Zico (honored in the track "Camisa 10 da Gávea" to review the artist's life story and the background details of the album's production. Considered to be the high point in the career of the author of "Umbabarauma", África Brasil comprises alongside A tábua de esmeralda (1974) and Solta o pavão (1975) Ben's inspired "musical alchemy" trilogy. As Jorge Ben recalls in an interview to author of the book: "This guitar was amazing because I was still playing on the Ovation [guitar], and one day one of my musicians, the bass player Dadi, showed up with it and I liked the guitar, I found it beautiful, and I said: 'Dadi, do you want to swap that guitar or sell it or something?' He said 'No, no'. I said: 'Dadi, you're a bass player and I have a Fender bass guitar. We could swap'. And he agreed immediately. So I got the guitar and that was it, we started to 'electrify' (laughs)". Among artists like Gilberto Gil, Marcelo D2, Lúcio Maia, Jorge Du Peixe, Dadi, Gustavo Schroeter and BNegão, interviewed by the author for the book, Mano Brown, leader of the group Racionais MC's and an outspoken admirer, summarizes Jorge Ben's importance: "He's like James Brown, Marvin Gaye, these great artists with a large body of work, from time to time they come to you. The music comes back. I listened to Jorge Ben at several moments of my life, several moments of his career. I recall many phases. [...] In samba sessions, we would sing Jorge Ben. Whoever could sing Jorge Ben in a samba rhythm was doing ok (laughs)." Kamille Viola, a journalist with over 10 years' research on Ben's work, stresses in the book: "Gilberto Gil, Mano Brown, Chico Science and Nação Zumbi: Jorge Ben was a beacon to all of them. Tropicalism, Brazilian rap and manguebeat, three of the most important musical expressions in Brazil, looked to the alchemist for inspiration. If it were not for Jorge Lima Menezes, the Babulina of Rio Comprido, the history of Brazilian music would certainly be different." The Brazilian Music Records series, published in Portuguese and English, is edited by the music critic Lauro Lisboa Garcia.

Entre a verdadeira fieira de discos históricos que criou, África Brasil, de 1976, representa um marco na carreira de Jorge Ben. É o álbum em que ele definitivamente trocou o violão acústico pela guitarra elétrica. Contando a travessia de Jorge Ben, disco por disco, até África Brasil, 14º LP de estúdio da carreira, a jornalista Kamille Viola entrevista músicos, produtores, pesquisadores e até craques de futebol como Zico (homenageado na faixa "Camisa 10 da Gávea") para reconstruir a história do artista e os bastidores da produção do álbum. Considerado ponto alto da trajetória do autor de "Umbabarauma", África Brasil compõe com A tábua de esmeralda (1974) e Solta o pavão (1975) a inspirada trilogia de 'alquimia musical' de Ben. Como lembra Jorge Ben em entrevista à autora para o livro: "Essa guitarra foi incrível porque eu ainda tocava com o [violão] Ovation e, um dia, um músico que tocava comigo, o Dadi, que é baixista, apareceu com ela e eu gostei da guitarra, achei linda, e falei: 'Dadi, quer trocar essa guitarra, quer vender, quer fazer o quê?'. E ele: 'Não, não'. Falei: 'Dadi, você é baixista e eu tenho um baixo Fender. A gente pode fazer uma troca'. E ele topou na hora. Aí eu fiquei com a guitarra e pronto, começamos a guitarrar (risos)". Entre os artistas como Gilberto Gil, Marcelo D2, Lúcio Maia, Jorge Du Peixe, Dadi, Gustavo Schroeter, BNegão, entrevistados pela autora para o livro, Mano Brown, líder do grupo Racionais MC's e fã confesso, resume a importância de Jorge Ben: "É um cara que, igual ao James Brown, Marvin Gaye, e esses artistas muito grandes com uma obra muito grande, de tempos em tempos eles vêm em você. A música volta. Eu ouvi o Jorge Ben em várias épocas da minha vida, várias épocas da carreira dele. Eu lembro de muitas fases. [...] Nas rodas de samba, a gente cantava Jorge Ben. Quem soubesse cantar Jorge Ben num ritmo de samba ia bem (risos)". Kamille Viola, jornalista que vem pesquisando a obra de Ben há mais de uma década, pontua no livro: "Gilberto Gil, Mano Brown, Chico Science e Nação Zumbi: todos tiveram Jorge Ben como farol. O tropicalismo, o rap nacional e o mangue beat, três das mais importantes expressões musicais do nosso país, beberam na fonte do alquimista. Se não fosse Jorge Lima Menezes, o Babulina do Rio Comprido, a história da música brasileira certamente seria outra". A coleção Discos da Música Brasileira, publicada em português e em inglês, tem organização do crítico musical Lauro Lisboa Garcia.

The second book of the Brazilian Music Records series features Acabou chorare, a mix of Jimi Hendrix's distorted rock and João Gilberto's bossa nova beat, with Novos Baianos at their best. In the book, the journalist Marcio Gaspar interviews musicians and other artists linked to the large Novos Baianos community to review the history of the album that blended rock, samba, bossa nova, experimentalism... and had an unprecedented impact on social behavior. As Paulinho Boca states in the book: "We were perhaps the first opinion leaders of Brazilian youth. Leaving the buildings for the squares, a new race". The Brazilian Music Records series, published in Portuguese and English, is edited by the music critic Lauro Lisboa Garcia.

Corria o ano de 1972, corria a barca, e a Bahia mais uma vez dava a régua e o compasso da modernidade para o Brasil e o mundo. Em seu segundo LP, os Novos Baianos criavam no Rio (entre o apartamento da Conde de Irajá, em Botafogo, e o Sítio do Vovô, em Jacarepaguá) um disco que viraria uma espécie de referência do desbunde da época. Imagem brasileira da vida em comunidade que se espalhou com a contracultura, "Acabou Chorare" se revelou um álbum que o tempo se encarregaria de transformar de moderno em eterno. Para contar a história do disco, e do grupo, que misturou o rock de Hendrix com a bossa de João Gilberto, o samba com o experimentalismo, o jornalista Marcio Gaspar reencontrou produtores, músicos e outros artistas que formaram a grande comunidade dos Novos Baianos. Como diz Paulinho Boca ao autor: "Fomos talvez os primeiros formadores de opinião da juventude brasileira... Saindo dos prédios para as praças, uma nova raça". Lançado em 1972, mais de 50 anos depois o disco segue, deliciosamente, inevitável em todas as listas de melhores álbuns já produzidos pela música brasileira. O livro é parte da coleção Discos da Música Brasileira, das Edições Sesc SP, e tem organização do crítico musical Lauro Lisboa Garcia. A versão digital de "Acabou Chorare: o rock'n'roll encontra a batida de João Gilberto" conta também com edição em inglês.

Em "Este é o Brasil caboclo, este é o meu sertão..." promove leituras e interpretações do cancioneiro caboclo, analisando a constituição de sujeitos e representações do sertão. Percorreu o contexto e a cultura a partir do cenário em que Tonico e Tinoco conceberam as letras de suas canções. A base teórica passa pelas obras e reflexões de Michel de Certeau, Michel Foucault, com alguma ancoragem em Sigmund Freud. Também adentramos a história do mercado fonográfico, do rádio e da televisão, que consideramos como espaços aproveitados pelos compositores para falar dos sonhos de melhores condições de vida e do êxodo rural ocorridos no Brasil da segunda metade do século XX.

Beethoven está completando 250 anos mais vivo do que nunca. Suas composições, executadas por solistas, conjuntos e orquestras do mundo todo, emocionam multidões. Beethoven: as muitas faces de um gênio traz dois livros em um. Beethoven e sua música do maestro João Maurício Galindo apresenta um olhar contemporâneo sobre o compositor, fala de seu papel no desenvolvimento da música, na utilização dos instrumentos, no diálogo com a plateia e ainda nos fornece um roteiro detalhado sobre o que e como ouvir para usufruir sua obra. Vida de Beethoven de Romain Rolland, grande romancista Prêmio Nobel de Literatura, é um clássico (em nova tradução do francês) que mostra a trajetória do compositor e as paixões que foi capaz de despertar. Ao final, um texto do próprio Beethoven, o famoso Testamento de Heiligenstadt, escrito quando tomou a decisão de romper com os cânones musicais e criar sua grande obra.