A coletânea "Artes musicais africanas e afro-latinas na Diáspora – corpos, vozes, ritmos e sonoridades em movimento" apresenta pesquisas e reflexões que aprofundam as relações entre musicalidades e corporeidades negras e afro-indígenas, na perspectiva da transformação das estéticas colonizadoras e do combate ao racismo e ao epistemicídio das matrizes culturais africanas na educação. A obra foi construída a partir do grupo de pesquisa LAB-Koringoma (Pesquis-ação musical e performática das artes musicais africanas e das diásporas afro-latinas), sendo parte do programa de Mestrado PPGEAFIN-UNEB (Estudos Africanos, Povos Indígenas e Culturas Negras) e do CEPAIA-UNEB (Centro de Estudos dos Povos Afro-Indígenas das Américas). O livro está organizado em três partes que se interligam em apresentar vários estudos interdisciplinares e complementares, conectando as Músicas-Danças Africanas e da Diáspora Africana (MUDADA): I. pesquisas e projetos pedagógico-musicais que foram realizados em espaços e tempos educacionais institucionalizados, ou trazem reflexões críticas sobre os mesmos; II. estudos e projetos de pesquis-ação em espaços e tempos educacionais criativos, comunitários, associações socioculturais e educativas, revelando a riqueza de experiências pedagógico-musicais e corporais orgânicos; III. olhares mais abrangentes, trazendo experiências, reflexões e relatos de pessoas que criam, pesquisam, cantam, tocam, dançam e organizam em torno das artes musicais da diáspora africana.

Escrito no formato de uma peça de teatro, teoricamente um drama fantasioso para ser encenado, Macário tem essa mesma estrutura negada por Álvares de Azevedo: em seu texto de introdução, ele esclarece que a forma é muito mais um meio para sua literatura, e que nada daquilo fora moldado, de fato, para um palco. Macário é um personagem perdido que, em certa noite, tem um encontro com um estranho: Satan! Que o carrega, no primeiro episódio, por cenários de pesadelo, expondo sua índole e revelando o horror como figura de denúncia social. A segunda parte leva Macário para a Itália e para a companhia do apaixonado e inocente Penseroso. Aqui, Álvares de Azevedo afia sua licença poética contra os dogmas da arte, da literatura, da cultura que o cerca. O suicídio de Penseroso é a morte, pelas próprias mãos, do romantismo açucarado, é a vitória do cinismo libertário — que se compadece de ter sobrevivido à custa da perda de toda a inocência, mas reserva uma espiada pela janela de uma taverna onde bêbados perdidos discursam seus pecados e amores malditos!

Renato Ortega ousa desvendar o enigma Bertolt Brecht, um ícone da dramaturgia do século XX, em seu livro: "As engrenagens por trás de 'A vida de Galileu': o intelectual em Bertolt Brecht". Ortega cruza fronteiras teóricas, unindo história e ficção para vender o impacto revolucionário de Brecht. Ele explora a capacidade da arte de comunicar verdades profundas que a história muitas vezes não pode capturar. O autor alemão, Brecht, serve como ponto de partida para Ortega, que entrelaça os discursos da história e da política para pintar um panorama da vida do dramaturgo. Focando na peça "A vida de Galileu", Brecht coloca o cientista Galileu no centro das lutas políticas de sua época. Brecht escreveu três versões de sua peça ao longo de décadas tumultuadas, refletindo uma evolução em sua visão sobre o papel do intelectual. O conflito entre o conhecimento científico e o poder político é explorado de forma contundente, culminando na dolorosa reflexão de Galileu sobre a entrega de seu conhecimento nas mãos dos poderosos. Ortega destaca que, ao contrário de um intelectual burguês, Brecht molda um Galileu que antecipou a sociedade em gestação nos debates científicos de sua época. O livro oferece uma análise profunda das complexas relações entre história, política e a busca do intelectual por verdades universais, lançando luz sobre a herança duradoura de Bertolt Brecht como um visionário do teatro e da crítica social.

Selenita's é o convite para uma especial contação de casos, mergulhando nas histórias e situações de um povo que certamente já habitou seu imaginário e, possivelmente, até fez você pensar ou dizer um dia: "Ciganos são ladrões, malandros, sem caráter. Eu não tenho sangue cigano!". Será? Este livro traz histórias do nosso cotidiano atual, no qual é possível vislumbrar, mesmo que seja por uma lupa ou por um buraco de fechadura, que eles ainda estão "invisivelmente" por aí, por ali e por aqui, carregando suas marcas. Uma narrativa que tem como principal elo condutor o universo feminino, mulheres ciganas, inúmeras selenitas. Embora aborde questões sociais de maneira séria, a narrativa pretende revelar encantamentos, olhares profundos, movimentos musicais, paladares refinados, discursos poéticos, jornadas e paradas ritualísticas. É um universo cultural próprio, por vezes ressignificado por esse mesmo povo. Para além de uma visão romantizada, o objetivo é contribuir para um discurso que facilite a construção de alternativas aos conceitos e estereótipos, buscando dar visibilidade ao invisível e lidar com as incertezas, em vez de buscar certezas. Afinal, muito sempre fica por dizer. Embora a nomenclatura "Roma", atualmente considerada politicamente correta ao se referir aos ciganos, seja compreendida, nesta narrativa, o autor opta por utilizar o termo "Ciganos" para seguir a apropriação do imaginário popular nas abordagens e contações de histórias, permitindo-nos criar realidades e compartilhar visões de mundo.

O Livro apresenta esquetes e peças teatrais escritas e organizadas pelo autor. Uma contribuição para projetos teatrais escolares e comunitários, com temas sobre amizade, educação no trânsito, preservação do meio ambiente, racismo, família, importância dos estudos, entre outros.

A presente obra tem por objetivo elucidar acerca do trabalho criativo do ator partindo de alguns conceitos teóricos produzidos por Jean-Paul Sartre, tais como sua noção ontológica do ser da consciência e do ser das coisas do mundo; os tipos e graus de consciência; a arte como um produto da consciência imaginante; e a liberdade como condição do homem e do artista. A proposta aqui colocada é de que o ator trabalha no plano da espontaneidade, com sua consciência de primeiro grau – pré-reflexiva (irrefletida), sem a presença do Ego –, que o coloca em estado de disponibilidade para a criação. Assim, torna-se possível a criação do psicofísico-poético, que é um ser ficcional irrealizado pelo psicofísico do ator que se disponibiliza nos espaços dos entres do jogo. Para a demonstração dessa proposição, foram descritos dispositivos criativos empregados pelo autor desta obra junto ao Grupo Teatral Phoenix, da Universidade Regional de Blumenau, tanto como treinamento técnico quanto como levantamento de material criativo para a montagem de "Duas famílias rivais", adaptação da obra Romeu e Julieta de William Shakespeare.

Os Homens de Barro, de 1949, foi a terceira peça teatral escrita por Ariano Suassuna, sobrevindo a Uma Mulher Vestida de Sol, de 1947, e Cantam as Harpas de Sião, de 1948. A presente edição traz o texto revisto pelo autor em 2003, com apresentação do professor, crítico e dramaturgo pernambucano Luís Reis. Marcados pelo desamparo e pelo desamor, os personagens da trama se abrigam no fanatismo religioso, elemento estruturante da peça. Trata-se de uma tragédia de viés moderno, na qual o sofrimento dos personagens não é resultado de imponderáveis armadilhas do destino ou inescapáveis desígnios dos deuses, como era comum nas tragédias gregas. A dor e a morte resultam de uma intrincada sobreposição de fatores psicológicos e de fatores socioeconômicos. Sem abdicar do caráter transcendental predominante nas tragédias, o autor não se furta de trazer à cena, ainda que em segundo plano, uma crítica incisiva às injustiças sociais, tão evidentes no sertão nordestino, mostrando como os poderosos agem para desarticular movimentações coletivas potencialmente ameaçadoras ao poder estabelecido.

A obra dramatúrgica de Millôr Fernandes (1923-2012) inclui cerca de cem trabalhos entre textos originais, traduções e musicais. Poucos intelectuais brasileiros dedicaram-se com tal regularidade e paixão ao teatro. Na sua produção encontramos verdadeiros clássicos como "É...", "Um elefante no caos", "Pigmaleoa" e "Liberdade, liberdade" (com Flávio Rangel), até obras-primas de tradução como "Hamlet", "Rei Lear" e "A megera domada", de Shakespeare, cuja qualidade as distingue entre as traduções já existentes, trazendo a marca do grande escritor-tradutor e mantendo, ao mesmo tempo, a magia do bardo. Dono de uma obra múltipla, de criatividade e brilho sem precedentes na cultura brasileira, Millôr Fernandes manifestou-se em todas as formas de expressão ao seu alcance, exercendo até as últimas consequências o ofício de escritor.

"Duas tábuas e uma paixão" é uma profunda reflexão sobre a história brasileira na segunda metade do século XX. Abordando diretamente o marcante atentado do Riocentro – quando, em 1o de maio de 1981, em plena ditadura, militares tentaram um ataque frustrado contra civis –, Millôr elabora sua ficção criando fatos que bem poderiam ter acontecido e, se não aconteceram como está nesta peça, de qualquer forma mudaram o destino da história política brasileira. Este livro é o trabalho de um profundo conhecedor da natureza humana e, mais do que isso, de um escritor que consegue transpor para o teatro, para o palco, as contradições, a emoção, a angústia de personagens que representam um pouco de cada um de nós. É um retrato candente de um período da nossa história cheio de dúvidas, inseguranças, violência e intolerância. Ecos de um passado que ainda reverberam nos dias de hoje.

O estudo parte do diálogo entre corpo e espaço, sob a ótica da adaptação de um processo criativo em dança realizado do espaço de uma cidade para o espaço de uma casa. Nesse sentido, o trabalho relaciona esse processo aos conceitos de Mindfulness (referente à habilidade de, em qualquer situação, se envolver no "aqui e agora" de forma aberta, curiosa e autêntica, antes de qualquer julgamento) e Arteterapia, tendo a linguagem da dança como uma ferramenta para estar no presente. O trabalho encontra aporte teórico-metodológico, além da pesquisa bibliográfica, nos estudos e experiências etnográficos, autoetnográficos e autobiográficos.

É com imensa alegria que compartilhamos com vocês leitores o livro O Ensino do Teatro nos Quilombos: Memórias e identidades Kalunga em cena. Apresentamos nele algumas diretrizes de pesquisa que teve como objetivo sistematizar uma metodologia de ensino do teatro, visando à apreensão corpórea, à (re)significação de conceitos, ao fortalecimento e à (re)apropriação da cultura local pelos jovens quilombolas da comunidade Kalunga, do município de Cavalcante (GO). Além da pedagogia do teatro, o escopo teórico-metodológico desta pesquisa baseou-se em estudos da História Oral e da Antropologia Visual para o levantamento e a análise de materiais pela e na própria comunidade, como: danças, cantigas e relatos de cultura local. Tentamos propiciar, por meio das técnicas teatrais, o estabelecimento de relações de aproximação e de distanciamento entre os sujeitos envolvidos e suas performances culturais. Tais ações possibilitaram o contato dos jovens com uma nova linguagem, aproximando-os dos costumes e das tradições de sua comunidade e possibilitando, assim, a valorização do conhecimento legado pelos mais velhos aos mais novos. Dessa forma, um dos aspectos marcantes nesse processo de ensino e aprendizagem é o modo pelo qual a memória desses jovens foi acionada e (res)significada por eles.

Dança Desobediente: a formação em dança sob os estudos das relações étnico-raciais brasileiras retrata a potência da arte como um traço epistemológico orientado para a prática antirracista. A dança, nesta obra, aponta o Ògọ de Èṣù para os caminhos possíveis de enfrentamentos às práticas ocidentais de construção de corpos dóceis e vulneráveis às ideias coloniais, a partir de uma resposta firme e contundente: as epistemologias exunianas/decoloniais como um aparato de modificação político-epistemológico, para uma nova configuração do currículo formativo na Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia (Ufba). Do modo como vê o autor, as saídas estão nas novas formas de expressar e comunicar o corpo negro que dança. Assim, desvelar as amarras coloniais por meio de sua dança-denúncia, construir redes cognitivas e de afeto, além de desobedecer aos ordenamentos de raça, gênero, sexualidades e classe instituídos, são atravessamentos vistos neste texto que nos instigam a atravessar as encruzilhadas da memória em direção às ancestralidades contidas em nossos corpos que dançam e comunicam sobre quem somos, diante das incapacidades que estão nos muros de nossas escolas coloniais. Estar implicado na escrita-denúncia faz da obra de Jadiel Ferreira dos Santos um manifesto contra as ações racistas que imperam nos círculos acadêmicos desde as suas mais tenras memórias. Este é um livro que nos possibilita enfrentar o racismo a partir de projetos de modificação de mentalidades e assim negar a ordem hegemônica estabelecida. Importa ainda ressaltar que nossas corporalidades estão sendo alvejadas e elas detêm toda potência de fazer o mundo melhor. Honremos nossos Orí (cabeça) e daquelas tantas pessoas que vieram antes de nós. Adúpẹ Ó Òrìṣà Gbogbo!!!

Esta Coleção privilegia a edição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espetáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

Esta Coleção privilegia a edição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espetáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

Este livro é editado no momento em que se completam 70 anos sobre a primeira actuação de Josephine Baker em Portugal, muito embora a larga fama por si alcançada em Paris a partir de 1925, ainda apenas como bailarina, tenha precedido em vários anos a sua primeira visita ao país. Com efeito, publicações como a revista ABC vinham desde esta mesma década dedicando artigos e comentários à "vedeta negra", ela que nos anos 20 e 30 foi o ícone do Jazz, um símbolo da libertação sexual e um rosto da emancipação das mulheres, causando nas diversas capitais e cidades europeias por onde passou um misto de escândalo e sensação com as suas ousadas e desnudadas danças. Por isso mesmo, não raras vezes os seus espectáculos foram alvo de tentativas de boicote pelos poderes políticos e públicos de uma Europa que caminhava a largos passos para os nacionalismos e totalitarismos xenófobos.

Esta Coleção privilegia anedição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espetáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

Revista da Associação Portuguesa de Críticos de Teatro, em colaboração com o Centro de Estudos deTeatro da Universidade de Lisboa.
Um espaço de documentação, debate, análise e avaliação do que no campo do teatro - e de outras artes performaticas - se vem praticando em Portugal e no resto do mundo.

Esta Colecção priviligia a edição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espectáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

Esta Coleção privilegia a edição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espetáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

Esta Coleção privilegia a edição de textos originais e novas traduções encomendadas para a encenação de espetáculos produzidos pelo Teatro Nacional São João ou integrados na sua programação.

«A Noite, a primeira obra dramática de Saramago que o escritor dedica a Luzia Maria Martins, a pessoa que o "achou capaz de escrever uma peça". Seria mesmo. A noite de que se fala nesta peça ficou para a história: de 24 para 25 de abril de 1974. A ação passa-se na redação de um jornal em Lisboa e o autor avisa: "Qualquer semelhança com personagens da vida real e seus ditos e feitos é pura coincidência. Evidentemente."» (Diário de Notícias, 9 de outubro de 1998)

Drama representado pela primeira vez em 1843, publicado em 1844, é considerado a obra-prima do teatro romântico e uma das obras-primas da literatura portuguesa.

O enredo, inspirado na vida do escritor seiscentista Frei Luís de Sousa, de seu nome secular D. Manuel de Sousa Coutinho, tem como pano de fundo a resistência à dominação filipina.

Na célebre memória "Ao Conservatório Real" que acompanha a peça, Garrett critica o modo como na sua época se pretende fazer o drama, com um excesso de violência e de imoralidade, e alega ter desejado "excitar fortemente o terror e a piedade", usando de contenção e simplicidade.

Comédia escrita por Almeida Garrett em 1845 e publicada em 1846, oferece como ambiente a cidade de Lisboa em pleno século XIX, onde se digladiam os interesses de duas famílias burguesas e seus criados. Num jogo entre amores e ambições, onde a mentira tropeça na verdade, o refinado sentido de humor do reconhecido autor português abre caminho à reflexão crítica sobre a sociedade da época. Peça teatral muito divertida, é constituída apenas por um ato, formado por dezassete cenas, e a sua temática reveste-se de uma enorme atualidade.

Partindo da ópera de Mozart Don Giovanni ou O Dissoluto Punido em que Don Giovanni é condenado aos infernos por ter seduzido 2065 mulheres, José Saramago, em Don Giovanni ou O Dissoluto Absolvido reanalisa o mito: será Don Giovanni culpado? E o Comendador, e Dona Ana, e Dona Elvira, e Don Octávio? Serão um modelo de virtudes? Onde está a culpa? Onde está a virtude? Onde está a hipocrisia?

Caligrafia da capa por ALEXANDRE DELGADO