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Mandrágora

de Nicolau Maquiavel

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 «(…) Jamais se viu peça tão irreligiosa, descrente e agnóstica, defensora de um pragmatismo alheio a qualquer crença, a-utópica, por assim dizer. Os apelos à teologia e ao bem público, à moral comum, mascaram os contornos reais dos procedimentos, justificam-nos legitimando-os pelos supostos princípios que contêm, como sucede com a tese do frade acerca de que o que peca é a vontade, o espírito e não o corpo. Este microcosmo da Mandrágora é o retrato de um mundo contaminado pelo dinheiro, o credo, em todos os seus interstícios. Paradigma desse poder do poder de comprar é a cena de Frade Timóteo com uma mulher rica que lhe paga umas missas pela alma do seu defunto marido que, pelos vistos, a sodomizava. Nunca um padre foi tão negociante e contabilista, tão faminto de dinheiro. Mandrágora — a peça — que gozou do ambiente de liberdade que havia na Itália em que foi representada, nos anos vinte de 1500, será, uns anos depois, metida pela inquisição e pelas censuras das épocas ulteriores, no índex. Será só no século XX e muito depois da guerra, a segunda, que encontrará, levada à cena, o reconhecimento do seu valor real e actualidade inultrapassada.» Fernando Mora Ramos

(1)
A Dança da Morte

de August Strindberg

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 Uma peça sobre o casamento burguês, de afirmação emergente de um espaço de poder do feminino numa época ainda patriarcal. Que nos fala, portanto, de relações de força, revelando a vida íntima de um casal, as suas desavenças recíprocas, quando este, perto das bodas de prata e em plena crise de sentido, chega a uma fase de introspecção retrospectiva e análise dos papéis e comportamentos de cada um na biografia comum, dos momentos marcantes dessa vida, num balanço infernal e violento, sem lugar a compaixão. Um texto sobre a monstruosidade de relações engendradas ao longo de 25 anos de vida em comum, relações que tocam a pulsão homicida, a violência sexista, a própria traição. Um texto sobre o combate de sexos. Uma peça que nos fala da morte, do fantasma presente da morte na vida quotidiana de Edgar e Alice. Uma peça sobre o individualismo, mas também sobre a criatura dual, o casal, quando este se comporta de modo uno, indissociado, mesmo que essa cristalização seja potencialmente explosiva. Uma peça sobre a instrumentalização, sobre o uso instrumental de terceiros, sobre a manipulação e sedução psíquica e sexual. Um psicodrama pelo modo como fazendo um impiedoso balanço biográfico, pleno de acusações entre ambos, termina condenando o casal a um inferno relacional que apenas a morte pode libertar. Uma peça sobre a vida numa morte aparente, sobre a cristalização de uma relação previsível nas reacções entre ambos, sobre a auto-exclusão social, sobre o isolamento social, sobre as falsas aparências, sobre a miséria dourada, a fome, sobre a vida enquanto pequeno inferno, a casa.
Tang Ping - Um western moderno sobre não ser ninguém

de Ana Vitorino, Carlos Costa e Gemma Rodríguez

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 Uma estação de rádio prepara um programa comemorativo de A Guerra dos Mundos, uma obra de ficção científica em que o planeta Terra é invadido por extraterrestres. Mas, ao longo do processo de produção do programa - que pretende reflectir sobre o poder dos média - os promotores e a equipa contratada não parecem estar sintonizados quanto aos objectivos da iniciativa. Tang Ping, um western moderno sobre não ser ninguém é a quinta parceria editorial entre o Visões Úteis e a Companhia das Ilhas.
O Grande Museu da Consciência de Elon Musk

de Carlos Costa, Jorge Palinhos e Miguel Mira

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 Quando Elon Musk - fundador da Tesla e da SpaceX - entra em estado de coma, a preservação da sua consciência torna-se urgente, de modo que esta possa ser visitada num museu a inaugurar na órbita da Terra. Um grupo de pessoas é então seleccionado para um mergulho experimental na mente do milionário. O Grande Museu da Consciência de Elon Musk é a quarta parceria editorial entre o Visões Úteis e a Companhia das Ilhas.
Ajax, Regresso(s)

de Jean-Pierre Sarrazac

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 Quantos regresso(s)? O de Ajax. O de Ulisses fica claro. O cão que espera Ajax remete para Argos, o de Ulisses, o único ser vivo que o reconhece imediatamente no regresso a Ítaca, para logo morrer. Outros regressos? O de Agamemnon é outra tragédia. Mas não haverá outros, outras vias realizáveis? Talvez o regresso da Jovem Mulher à vida vivível feita a travessia lutuosa que o texto propõe após o massacre, os corpos traumatizados pelas violações em série. É outro, este regresso: no final de Ajax Regresso(s) um regresso ganha de facto protagonismo, o regresso à vida depois da mortandade está na sugestão da adopção da criança órfã e na construção de uma nova família como horizonte — o princípio esperança aí reside. Ajax é pós catástrofe, teatro da catástrofe. O que devém narrativa é fora do drama, não há o momento de purga emocional por via de um clímax que a resolva em choque, o mar de sangue já foi. Sabemos logo que os últimos combatentes atravessaram a aldeia. É o caso de Ajax — cujo nome nunca é pronunciado pela sua alegada mulher que, não o nomeando, se recusa a ver nele o outro que ele diz ter sido —, o último a largar as armas, o guerreiro que combateu até ao último morto. A peça explora, obsessivamente, entre tantos regressos, um regresso que no presente dos acontecimentos narrados a Ajax se veda, o regresso à sua vida anterior, o regresso da sua vida anterior. É o seu projecto actual, o desejo que o toma, o sentido do caminho que cumpriu até à terra natal, agora desfigurada, como ele próprio. Tudo virou sombra, as ruínas são a mesma terra devastada por toda a parte, dessa destruição não emergem singularidades de arquitectura e rostos que sejam memória identificável, nada é o que foi. A tentativa de recoser a vida a partir de uma vivificação dos anos de amor e paz, memória incerta, necessita de confirmação no acolhimento da alegada esposa e esbarra na respota negativa da Jovem Mulher: «não te conheço, não sei quem és» — Ajax não é o herói da tragédia, mas um serial killer que de matar já nem sabe quem mata. Esse regresso a si mesmo, no tempo, como futuro, é-lhe impedido, a violência espalhou-se como uma metástase, generalizando-se em função do antagonismo para com o outro que, a certa altura, são os nossos chamados outros.
Caminhos | Coragem Hoje, Abraços Amanhã

de Joana Brandão

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 Coragem Hoje, Abraços Amanhã - Texto escrito a partir de testemunhos, cartas e memórias de mulheres que estiveram presas pela PIDE durante o Estado Novo. Mulheres que sofreram a tortura do sono, da estátua, mas acima de tudo, a tortura de serem privadas da sua liberdade. Mulheres que eram avós, mães, filhas, esposas, namoradas, amantes, companheiras, camaradas. Mulheres que não são figuras históricas dentro de um livro empoeirado, mas que existiram mesmo - e algumas delas ainda se cruzam connosco na rua e guardam duras memórias no coração. O espectáculo com o mesmo nome estreou no Avanteatro, Festa do Avante!, em 7 de Setembro 2013. Prémio para Melhor Texto Escrito para Teatro, em 2014 (Prémio Sociedade Portuguesa de Autores).
Teatro (In)Completo - Volume 2

de Carlos J. Pessoa

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 Teatro (In)Completo - Volume II, de Carlos J. Pessoa, reúne cinco peças escritas pelo autor e levadas à cena entre 1994 e 1998: A Gesta Marítima, A Nossa Aldeia, Os Piratas, Esboço Sobre a Ansiedade e História de um Tropeçar. Aborda temas como a expansão ultramarina portuguesa, o Portugal contemporâneo, a complexidade das relações humanas ou a dificuldade em arranjar um trabalho.
O que Acontece Quando Não se Passa Nada no Teatro Art’Imagem

de Manuel Jorge Marmelo

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 «Este livro é um exercício de memória — uma alembrança. Procura resgatar recordações que, em alguns casos, remontam há três décadas e que, pelas péssimas razões impostas pela natural degenerescência dos tecidos cerebrais, são agora vagas sombras que miseravelmente se agitam nas regiões profundas, quase líquidas, do córtex e do hipocampo. (…) a memória, seja como for, é uma arte imperfeita. (…) Fiz o que pude, mas fiquei com a nítida impressão de que não sou ainda suficientemente velho para recompor as histórias mais antigas, lembrando-me muito melhor daquelas que sucederam há menos anos. O texto que a seguir se apresenta resulta, pois, de um desafio que me foi lançado pelo José Leitão, dinossauro excelentíssimo do teatro do Porto, que tem sido a força motriz do Art’Imagem e o seu cimento. Destina-se a integrar o programa comemorativo do quadragésimo aniversário da trupe e constitui o relato possível do meu convívio — pessoal e artístico — com as pessoas que construíram a história da indómita trupe do Porto e da modestíssima participação que me coube nesse enredo, ao qual se seguem os textos das duas peças que, com quase duas décadas de intervalo, escrevi para a companhia. (…)» Manuel Jorge Marmelo
Na Cama com Ofélia

de Henrique Manuel Bento Fialho

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 «(…) Peça no feminino para um corpo feminino, Na Cama com Ofélia tem o arrojo de nos libertar deste Portugal dos pequeninos em que andamos sempre mono-centrados, pois não só retrata, por reflexo, um Fernando [Pessoa] menos conhecido — não está em causa o génio, mas nesta peça não tem espaço de manobra, mesmo sendo citado (mais valia excitado) — como traz à nossa actualidade um olhar novo sobre Ofélia, tão sempre apenas Ophelinha nas coisas portuguesas. Um dia destes, convocada pela sua própria capacidade vidente e rejuvenescida de novo, perde definitivamente os três.» Fernando Mora Ramos
Skarin - Farsa Musical em 10 Actos

de Gisela Cañamero

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 Skarin é uma obra dramática, construída numa linha brechtiana de teatro musical, que constitui um ensaio sobre a ascensão e consolidação do poder totalitário. Uma ficção baseada em factos verídicos e sustentada pelas informações que a História nos legou sobre um dos maiores ditadores da História recente.
Planeta Vinil

de Cecília Ferreira

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 «O texto da Cecília Ferreira são actos de imaginação baseados numa ameaça real — o inimigo não nos é estranho e apesar das diferenças poucas culturas humanas respeitam a natureza — os índios, sabemo-lo, chamam mãe à terra, ao solo. A peça vive de um acontecimento, a catástrofe iminente, ameaça difícil de discernir como inimigo principal, mas em relação à qual é necessário empregar meios mais vastos que aqueles que os grandes poderes gastam no negócio armamentista, essa a situação real que a peça ficciona. Se a paz for um conseguimento — e o fim deste sistema destruidor que rege as relações entre humanos reduzindo-as à mercadificação, ao consumo desenfreado e ao lucro — poderemos tentar evitar o fim da vida no planeta — o planeta, sem vida, lá seguirá um rumo. À água e ao ar não fazemos falta. Planeta Vinil, é esse mundo que gira, ameaçado de vida e que faz som - há quem imagine a paisagem sonora planetária como um concerto, o som dos oceanos um continuum e ventos e chuvas, silêncios desérticos e cascatas, vozes dos animais, etc., melodias sobrepostas, mundo sonoro planetário como harmonia globalizada. Planeta Vinil é uma fuga em vários tempos e etapas. Estamos e continuamos na linguagem musical desde o título.» Fernando Mora Ramos, encenador, da Apresentação.
O Lavrador da Boémia

de Johannes Von Saaz

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 Em O Lavrador da Boémia temos combate que identifica o amor perdido com tudo o que na natureza possa simbolizá-lo, as coisas boas, a Primavera e o Verão, as flores, tudo o que vive, a própria perfeição do corpo humano, os seus sentidos, a vista, o ouvido, o tacto, o cheiro e o paladar, tão perfeitos — como pode o Deus que tal criatura fez, o humano, ser o mesmo que inventou a figura da Morte como poder celeste instalado, fronteira obrigatória. Quem concebeu esta perfeição não poderá ser a mesma criatura que a impede de viver o que será o seu ciclo natural. É contra isso que o Lavrador guerreia e dirige as suas armas argumentativas. O que Saaz realiza no Lavrador é, não só a denúncia de uma morte injusta, portanto, sem o fazer directamente, de um erro divino, mas também, pela qualidade da criação poética, fazer permanecer para além dos tempos uma notícia que ganha a dimensão perene de um texto clássico — a vida do texto ganha corpo, de facto, na tenção psíquica, real e não apenas retórica, de um confronto entre duas vozes cénicas, o Lavrador Saaz, e a Morte, instrumento de Deus munido de ciência teológica.
Little B | Diziam que do Outro Lado Havia um Caminho que Cortava o Tempo da Demanda em Dois - Visões Úteis

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 Este livro junta os textos originais de duas das mais recentes criações do Visões Úteis: Little B (2019) e Diziam que do Outro Lado Havia um Caminho que Cortava o Tempo da Demanda em Dois (2020). Duas peças que sublinham o que são marcas da dramaturgia que a companhia tem gerado: a escrita a várias mãos, desenvolvida a par do trabalho de encenação e ensaios, e assinada pelos directores (também intérpretes) dos espectáculos - com Little B a marcar o alargamento da autoria e direcção a criadores convidados; neste caso, Mário Moutinho e Sara Barros Leitão, e o particular processo de investigação (pré-criação) que antecede a escrita. Em Little B, o colectivo mergulhou na biografia pessoal e profissional de Mário Moutinho, não para a documentar, mas para ter nela o ponto de partida para a descoberta do modo como nos encontramos nas vidas uns dos outros, e como tantas vezes o que mais nos aproxima não é o que fizemos, mas o que sonhámos (e falhámos) fazer. Diziam que do Outro Lado Havia um Caminho que Cortava o Tempo da Demanda em Dois nasce do desafio de três demandas pessoais que os três autores empreenderam durante 2019, e questiona - num quase reverso da medalha de Little B - o próprio sentido da demanda colectiva: Estaremos mesmo num caminho comum? Ainda recordamos o que nos fez partir? Ainda nos reconhecemos uns aos outros? e porque é que, apesar de todos os percalços e paragens na viagem, continuamos sempre?
Weisman e Cara Vermelha - Um western judeu

de George Tabori

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 Neste western judeu, do que realmente se trata é da vida miserável de um pai de família subitamente viúvo, pai de uma rapariga — já grandinha — deficiente, e do seu encontro acidental com um falso índio que, sujeito em crise de identidade como os filhos do mundo globalizado são, é finalmente, também ele, resultado de um cruzamento de origens entre as quais se encontra presente um cromossoma judeu. De algum modo somos todos filhos da mesma mãe. Edição em parceria com o Teatro da Rainha Prefácio de Fernando Mora Ramos.
Este Título Não que é Muito Longo - Textos para teatro (2011-2018)

de Rui Pina Coelho

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 Edição em parceria com o TEP-Teatro Experimental do Porto Prefácio de Magda Bizarro
Três Textos Excêntricos

de Carlos J. Pessoa

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 Em Três Textos Excêntricos cada uma das obras propõe um universo textual e cénico com características próprias que decorrem de um processo de investigação artística desenvolvido entre autor e actores, postulando um conjunto de possibilidades formais e semiológicas que se desviam da estrutura do texto dramático, procurando novos centros, originais, mas que, ao mesmo tempo, se relacionam intimamente com a mecânica da cena e com os movimentos de transformação que observamos no Mundo: a comunicação, os meios de comunicação e de exposição, as fronteiras, a família, a memória e o tempo. Assim, os três textos que escolhemos, Raide, Ela Diz e Display, configuram na sua estrutura e temas os conceitos de: narrativa e percurso (num Portugal recente); sujeito, discurso e repetição, (nas relações de filiação); exposição (de factos relacionados com o fazer teatral em dispositivos alternativos que permitam novos pontos de vista). Neste sentido o volume é também um discurso/manifesto, como um mecanismo de uma locomotiva que garante a possibilidade de uma deslocação regular, num sentido determinado [excêntrico é também o órgão montado sobre o veio, que numa máquina, transforma movimento de rotação em movimento de vaivém].
Um Rapaz Chamado Rupert Partiu-te o Nariz com um Pau?

de Guilherme Pelote

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 Sentado no aeroporto e ansiando por chegar a Londres para a antestreia de um filme, um escritor desenvolve um alter ego na sua mais recente peça, apoiando-se em memórias do passado, tais como o dia em que um rapaz chamado Rupert lhe partiu o nariz com um pau.
Yuck Factor + Romance da Última Cruzada

de Ana Vitorino e Carlos Costa

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 Em Yuck Factor uma equipa de quatro elementos movimenta-se pela cozinha e pelos diferentes eventos; um conjunto de regras, comentários e informações q.b. são enunciados. o texto (espectáculo) é uma viagem pelo paradoxo omnívoro: um assunto muito individual, do foro privado, complexo, e que mexe com as pessoas de uma forma imprevisível, constantemente bombardeadas com informações alarmantes, contraditórias, acerca do que devemos ou não comer. no quotidiano, é-nos servido constantemente um enigma dentro de um puzzle envolto numa adivinha: compara-se a perigosidade da ingestão de enchidos com o acto de fumar, estabelecem-se limites de doses diárias para nos podermos sentir seguros, difundem o alerta vermelho da relação da cor da carne com o cancro para, logo de seguida, nos dizerem que o nosso consumo de peixe é altamente prejudicial, e apontado como um problema ambiental. Acabou-se a garfada sem culpa. Com Romance da Última Cruzada, aborda-se a memória individual e colectiva, e como esta é condicionada pelas histórias biográficas. o ponto de partida e de convergência é uma fotografia: «a de um soldado caído em circunstâncias desconhecidas, um homem que parece lançar um apelo dramático a quem pousar nele o olhar.» Quem é aquele homem? o que tem para partilhar? Durante este Romance... os três intérpretes procuram desvendar a verdade, histórica ou não, recorrendo a uma viagem-narrativa envolta em caminhos sinuosos e desconhecidos, com longos saltos temporais, terras distantes, momentos verosímeis e ficcionais, com soldados, Deuses, Reis, tudo em modo compressão e sem redenção. Uma experiência única, portanto. Ana Vitorino e Carlos Costa, "escritores de palco", são directores artísticos do Visões Úteis. Este projecto de artes performativas de origem teatral, criado em 1994 e com sede no Porto, tem características únicas na criação artística no nosso país e é um caso raro de longevidade e vitalidade no panorama teatral português.
Três Actos para um Blue

de Marcela Costa

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 Três Actos para um Blue reúne três peças da trilogia do jazz, de Marcela Costa: Stormy Weather, Summertime e September Song, todas baseadas nas próprias composições que evocam, mas cada qual inserida no seu universo particular. A última (September Song - a Canção de Setembro) foi recentemente levada à cena pelo Teatro dos Aloés.
Câmara - Inferno Interlúdio - Livro de Bolso

de Renata Portas

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 Dois pequenos textos teatrais que apostam no limite de situações dramáticas e na linguagem que as suporta. Nesta escrita, despojada mas ao mesmo tempo de uma grande intensidade, são reconhecíveis a actriz-encenadora que Renata Portas também é: formada no Balleteatro - Escola Profissional e na Escola Superior de Teatro e Cinema, Renata Portas encenou peças e textos de autores como Valère Novarina, Heiner Muller, Eurípides, Jean-Luc Lagarce, Pedro Eiras, Juan Mayorga, Franz Kafka, Luis Maffei, Peter Handke Jean Anouilh, entre outros; dos seus textos dramáticos destacam-se Interlúdio e Câmara-Inferno, Finisterra (edições TNSJ) e A Boca de Telémaco é a Fortuna da Casa (por editar).
Um Vórtice - Livro de Bolso

de Nelson Boggio

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 Em Um Vórtice, temos duas Figuras, ELE e ELA. ELE é um encenador e escritor, inválido, paralisado da cintura para baixo. ELA, sua mulher, é actriz e também escritora. Todo o texto é uma fina rede onde se entretecem pedaços da realidade e da ficção teatral, em subtis jogos de indefinição, com grande tensão verbal e física. O leitor/espectador é obrigado a manter-se em permanente dúvida e na expectativa do desenlace… O texto já foi objecto de montagem, em 2010, na Casa Conveniente, em Lisboa, com encenação do próprio Nelson Boggio, assistido por Mónica Garnel, constituindo também estes o elenco do espectáculo.
Antigotriz

de Anne Carson

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 Décimo primeiro título da colecção de teatro que a Companhia das Ilhas tem vindo a concretizar em parceria com o Teatro da Rainha. Dela, diz o encenador Fernando Mora Ramos: «Será a peça de Carson um resumo da peça de Sófocles? Não, seria disparate dizê-lo. E por que razão? Porque, tratando-se da revisitação de um clássico, não se reduz à síntese mas, pelo contrário, incute-lhe uma actualidade, uma vivacidade, particularmente na linguagem entremeada de tradução directa do grego e coloquialidades próximas, de tal forma que nessa sobreposição dos dois tempos, nesse trânsito, estamos de repente a ver próximo, nosso — também na densidade psíquica das figuras —, um material com cerca de dois mil e quinhentos anos. Esse efeito de actualidade através da linguagem e da substância das figuras tecida nas relações, de exemplificações que pertencem a um tempo histórico que não é o da peça original — Carson socorre-se das peças de Žižek, Brecht, Anouilh para reelaborar a sua, aplicando uma bibliografia textual na trama — acaba por trazer o clássico ao nosso presente.» Tradução de Isabel Lopes (professora da ESEC)
Jogo do Fim

de Samuel Beckett

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 «Endgame é o nome inglês para a peça escrita antes em francês, por isso Jogo do fim. O que tem dois sentidos: o de fim da natureza e o fim no teatro, repetição, regresso do mesmo a cada espectáculo, todos os dias começo e fim, jogo. A cena é um refúgio, o nome que sobra na situação pós-apocalíptica instalada, para se dizer home e que em Beckett significa dispositivo cénico, armadilha a que os corpos estão confinados. O fim, entretanto, está no princípio, na história sem história que se desenrola, tudo aconteceu antes e é sinalizado pelos corpos amputados, em perda, condenados a uma imobilidade a que apenas escapa Clov, o servo que anda por todos mantendo a mecânica da rotina do que repetem à espera do fim que parece não vir. A catástrofe anterior determina obviamente o que deixou de ser acontecimento, factos, possibilidade de vida nova na vida hoje. Habitam um tempo zero, a observar dos dois janelos, direita e esquerda de cena, a natureza extinta, o deserto que progride e a confirmação disso mesmo — o fim é o horizonte de expectativa e o facto de não surgir converte o jogo num prolongamento absurdo de inacção, pura inércia, propício a um cinismo sarcástico como ar que se respira.» (Fernando Mora Ramos, encenador)
A Árvore que Sangra

de Angus Cerini

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 Mãe e filhas tiranizadas por um pai abusador e violento, sempre violento, decidem matá-lo. Reféns na sua própria casa são diariamente abusadas, abusadas no sentido literal. Violentadas. Violadas. O pai abusador exibe diante das três oprimidas o seu sexo como um animal que impõe a sua lei sexual. Pete, bêbado e inútil, é um falocrata militante. Uma besta. Um assassino cruel. Mata por prazer e revanche, como acontece com uma ninhada de cães. É um ser associal no meio de uma comunidade que o vai tolerando. Um tirano. Escraviza mãe e filhas. Estamos diante de um quadro de terror, um campo de concentração familiar em que o capataz é o pai.
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