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Memorabilia ; Dada Et Surréalisme 1916-1970

de Georges Sebbag

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 Par la grâce du texte et de l'image, on peut se familiariser avec une collection originale forte de 200 oeuvres réalisées par 90 artistes surréalistes, Dada ou apparentés. Cette collection, qui abonde en aperçus insolites et merveilleux, en visions mémorables et durables, est appelée Memorabilia, en référence à Swedenborg et Nerval. Georges Sebbag s'est attaché à décrire chacun des tableaux, chacune des photographies. En les reliant à un certain nombre d'autres, il a dessiné des figures ou des constellations inaperçues jusqu'à ce jour dans le ciel dada et surréaliste.
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Saga De La Pomme De Terre

de Jean-Pierre Williot e Marc De Ferriere Le Vayer

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 Des comportements sociaux liés à l'emploi de ce tubercule à la perception des pratiques culinaires et jusqu'à ses représentations artistiques variées, sept thèmes permettent d'aborder cette " saga " restituée par marc de ferrière le voyer et jean pierre williot, professeurs d'histoire contemporaine à l'université françois rabelais à tours. Sont ainsi évoqués les lieux et les moments de l'apparition de la pomme de terre dans le monde ; la dimension botanique ; les pénibilités associées à son utilisation ; les industries et l'innovation des modes de consommation ; les discours publicitaires ; les préparations culinaires ; la mémoire affective et olfactive. hier aliment de base, aujourd'hui quatrième produit alimentaire dans le monde, la pomme de terre affirme son rôle de nourriture essentielle à l'heure de l'année mondiale que la fao lui a dédiée en 2008.
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Gérard Schlosser

de Gérard Schlosser e Noel

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 Élève de l'École des arts appliqués de Paris ou il étudie l'orfèvrerie, Gérard Schlosser fait un court passage à L'École des Beaux Arts puis décide de se consacrer à la peinture. Il vit et travaille à Paris et dans la Drôme. Dès ses premières toiles Gérard Schlosser fait le choix de la figuration : fragments de corps peints en aplats cernés de noir. Ces travaux ne sont pas sans rappeler les recherches des artistes du Pop Art. C'est en 1970 qu'il a recours à la photographie. Il systématise par la suite le procédé comme d'autres artistes français associés à la Figuration narrative; Monory, Rancillac, Aillaud, Fromanger. L'usage de l'épiscope qui permet de projeter une image sur la surface de la toile se généralise. Gérald Gassiot-Talabot, critique d'art et concepteur de la Figuration narrative le présente ainsi: «Gérard Schlosser a focalisé sur l'intimisme des gestes quotidiens, de la promiscuité des corps, de la banalité des situations que ponctuent de petites phrases d'évidence, les lieux communs du temps qui passe, des amours un peu languissants, de l'interférence dans la vie que l'on finit par apprivoiser..."Il est le peintre du choix parcellaire. Pour réaliser ses tableaux, il utilise la technique du photomontage, associant par le découpage deux ou trois éléments issus de documents différents. Dès 1967, il encolle systématiquement ses toiles de sable et, ien que travaillant en intérieur, il «repense en les actualisant les thèmes de la peinture impressionniste», comme a pu le noter Jean Clair. Ses toiles s'articulent souvent en séries: corps allongés, paysages, vues nocturnes... Pour Gérard Schlosser "montrer va devenir cacher". Par le découpage plus que le cadrage, par le biais du titre fait de petites phrases banales qui renvoient à un ailleurs supposé mais non représenté, il accentue l'écart entre le visible et le sens. Ce que je vois n'est pas ce que je dis.
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Kijno / Tzara Aragon Ponge

de Bernard Vasseur

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 Ce livre a pour sous-titre : Soixante-dix variations psychanalytiques sur le portrait de Tristan Tzara. La première fois que Kijno vit Tristan Tzara, il le trouva franchement fascinant ! C'était à Antibes, entre le début de 1956 et la fin de 1958. Rencontre furtive, mais mémorable : « Il laissa en moi une profonde cicatrice, comme un idéogramme, un tatouage en forme d'oiseau de nuit. Tzara, Tzara, je n'en sortais pas, rapporte le peintre, et je ne cessais de dessiner sa tête d'oiseau de nuit avec ou sans monocle ». Sept portraits de Tzara au début, puis dix, vingt et enfin soixante-dix. Kijno a composé ses variations « Tzara » comme un poème dada : encre, ciseau, colle, froissage. Une écriture automatique créant ses champs magnétiques. Ladislas Kijno a généreusement offert les soixante-dix variations sur le portrait de Tristan Tzara à l'association « Centre de Recherche et de Création Elsa Triolet - Louis Aragon » à la maison des deux écrivains à Saint-Arnoult-en-Yvelines. Elles y seront montrées en permanence au public. Ce livre vous les présente dans leur version finale.
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Mexique-Europe ; Allers-Retours ; 1910-1960

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 Le propos sera de faire découvrir l'art mexicain au travers de sa diversité mais aussi de ses nombreux échanges d'influence avec les arts européens ou encore nord-américains. Seront présentés les grands noms de l'art mexicain (Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros), ainsi que de l'art européen (Modigliani, Mondrian) et nord-américain (Pollock, Weston). Les mouvements artistiques majeurs tels que muralisme et surréalisme seront bien sûr abordés. Plus de 200 reproductions de peintures, sculptures, quelques fresques murales, dessins préparatoires, gravures, photographies et photogrammes de films illustreront les nombreuses contributions de spécialistes. Une importante anthologie littéraire a été sélectionnée par Serge Fauchereau et une chronologie conclut l'ouvrage.
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Zwobada ; Dessins

de Bernard Vasseur e Jacques Zwobada

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 C'est avant tout comme sculpteur que Jacques Zwobada (1900-1967) a laissé son nom dans l'histoire de l'art au XXe siècle. Mais toute sa vie, il s'est également livré à une autre passion, aussi dévorante et essentielle à ses yeux, le dessin. C'est à cette « face cachée », à ce visage moins connu ... le Zwobada dessinateur ...qu'est consacré ce livre.
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Grau Garriga

de Gilbert Lascault

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 ... Grau-Garriga choisit sa palette de différences, d'antinomies, d'oppositions, de paradoxes. Il tisse l'intime et l'éclatant, le sensible et le réfléchi, la tendresse et l'intensité, le grave et l'humour, l'histoire du monde (celle, en particulier, de la Catalogne) et les souvenirs de son enfance, la rigueur et les passions, la jubilation et l'inquiétude, l'amour de la vie et le tragique, le monumental et le poétique. Intuitif, imaginatif, subtil, il avance par des associations arborescentes. Sa pensée trouve des tours et des détours, des méandres, des zigzags. Il explore toujours de nouvelles voies. Il refuse le " déjà vu ", le " déjà fait ", les stéréotypes, le figé, le conventionnel, le répétitif, le redondant. Il préfère la surprise, l'inattendu, l'imprévu. Dans le monde des formes et des techniques, il devient un chercheur décidé, un aventurier vigilant, un explorateur appliqué, un découvreur diligent. Les jeux graves de son art, une stratégie joyeuse, le ludique entrecroisent des élans mystiques, l'éros, une liberté désirée, le refus de toute entrave, la haine de toute oppression. Ces jeux sont contestataires et inventifs... " Gilbert Lascault
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Taillandier

de Yvon Taillandier

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 ECRIRE : Du monde de l'image à celui des mots après avoir exposé pour la première fois à l'âge de seize ans, Yvon Taillandier sera critique d'art à Connaissance des arts pendant quinze ans, jusqu'en mai 1968 et auteur de nombreuses monographies sur Cézanne, Giotto, Monet, Miro, Corot. Ecrire encore, une fois redevenu peintre, puisque les mots entrent dans ses oeuvres picturales, pour entendre un sens plus vaste que ce que les yeux voient. II réintroduit la narration donc la notion de durée, dans l'oeuvre à deux dimensions. " Je suis un écrivain qui fait de la peinture ", déclarait-il en 1973, mais nous pourrions dire qu'il est également un peintre qui écrit. TEMPS : Les personnages de son pays imaginaire, le Taillandier-land, possèdent une certaine intemporalité : ni jeunes, ni vieux, ni malades, leurs corps ne portent aucun stigmate des jours passés. Dans le Taillandier-land, le temps ne passe pas physiquement, il passe seulement l'espace d'une narration particulière à chaque tableau, mais aussi générale à l'ensemble des tableaux. PEINDRE : Yvon Taillandier peint comme l'on écrit, c'est-à-dire de façon linéaire. Le cerne donne à ses formes une très forte intensité visuelle et une grande présence dans l'espace du tableau, souvent surchargé. Yvon Taillandier parle " d'une manière de peindre la réalité telle qu'elle apparaît dans la vie mentale ". TAILLANDIER-LAND : Aucune forme n'est stable dans le Taillandier-land, toutes sont susceptibles de modifications par un phénomène de croissance et d'amélioration. Dans l'univers de Taillandier, une forme donne naissance à une autre, se ramifie avec elle dans le but de s'améliorer. L'homme est couplé à une machine, la machine est humanisée, chacun possédant ainsi les facultés supplémentaires de l'autre. Ce jeu d'associations révèle le sens de l'humour et le goût de l'absurde de son auteur qui s'amuse autant qu'il nous amuse de ses fantaisies picturales. Mais pour aller plus loin, ses machineries sont des rêves visuellement exprimés et puisque toute image est un leurre - et donc proche du rêve - il joue sur ce registre de l'imaginaire sans contraintes. DOMINIQUE STAL.
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Corneille

de Pierre Restany

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 En 2002, Corneille porte sur le phénomène Cobra, dont il a été l'un des fondateurs, un regard objectif et serein. Il se souvient, bien sûr, des dates extrêmes du mouvement, de sa fondation le 8 novembre 1948 au café Notre-Dame à Paris, l'exposition d'Amsterdam et ses scandales en 1949 et l'exposition de Liège, au Palais des Beaux-Arts en octobre-novembre 1951, qui en fut le chant du cygne. Si l'on regarde ses travaux les plus récents, le retour triomphal d'icônes familières étonne par une extrême liberté, comme un hommage aux primitifs. De phase en phase, l'oeuvre s'est enrichie sans jamais renier son pouvoir ludique. L'essentiel est toujours simple. L' oeuvre de Corneille, que l'on croit à tort bien connaître, est l'une des plus séduisantes et des plus paradoxales de notre temps : plus neuve chaque jour des échos du passé. Cet ouvrage nouveau montrera même aux connaisseurs une partie moins connue de l'oeuvre protéiforme de Corneille : le champ immense de l'estampe dont l'artiste a utilisé, avec une égale boulimie, toutes les techniques.
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Pedersen

de Jean-Clarence Lambert

80,67€ + 10% EM CARTÃO

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 Né en 1913 à Copenhague dans une famille d'ouvriers, Carl-Henning Pedersen est danois. Mais comment peut-on être danois, comme Andersen, Kierkegaard, Dreyer,Asger Jorn ou Karen Blixen ? Inspiré par le surréalisme, Pedersen sera, avec son ami Asger Jorn, à l'origine du spontanéisme qui allait donner naissance au groupe COBRA, en se conjuguant avec les Hollandais d'Amsterdam, Appel, Constant, Corneille et les Belges Dotremont, Alechinsky (1948-51). Dédié corps et âme à son oeuvre qui compte plusieurs milliers de peintures, aquarelles, sculptures, dessins, gravures, lithographies, ainsi que des décorations monumentales, Carl-Henning Pedersen a créé un univers original, tant par ses motifs plastiques (masques, visages, êtres fantastiques mi-animaux, mi-humains, paysages oniriques) que par son chromatisme d'un lyrisme vertigineux.
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Josep Grau-Garriga

de Christian Delacampagne e Grau-Garriga

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 " [...] Vis-à-vis de l'art de ces dernières décennies [...] il faudrait pratiquer une discrimination beaucoup plus rigoureuse que celle qui a cours, actuellement, dans les musées. Seuls quelques artistes survivraient à un tel chambardement : ceux qui, tout en allant de l'avant et en montrant la voie, sauraient ne pas rompre complètement les liens qui les rattachent au passé de leur art. Ceux qui, en d'autres termes, sauraient jouer de l'ambiguïté, et se mouvoir sur la limite Ces marginaux resteraient peu nombreux, sans doute. Mais Grau-Garriga, j'en suis certain, serait du nombre. " Ch. D.
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Fermin Aguayo

de Collectif

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 Fermin Aguayo, né en 1926 dans un petit village de Castille, a passé la moitié de sa vie en France, à Paris où il a peint plus des trois quarts de son oeuvre et où il est mort prématurément d'un cancer en 1977. Sa vie et son oeuvre, qui se confondent, illustrent à la fois ce que peut être la force irrésistible d'une vocation, dans des circonstances souvent dramatiques, et l'héritage de la tradition picturale espagnole, aussi économe en couleurs que vigoureuse et riche en contrastes, chez un artiste qui choisit délibérément Paris, sa lumière et son environnement intellectuel pour y trouver ce qu'il cherchait en peinture. Il s'installe dans cette ville en 1952 ; il réussira à ne pas y mourir de faim, et surtout à trouver à la galerie Jeanne-Bucher le minimum nécessaire pour peindre comme il l'entend en revenant à une forme d'expression figurative, dût-il pour cela sacrifier tout le reste. C'est cette passion très exclusive que ce livre sur Aguayo se propose d'expliquer. D'abord en resituant dans le Montparnasse de l'après-guerre, puis dans son atelier de la Butte aux Cailles, le peintre lui-même, ainsi que Marguerite, son modèle et sa femme. Mais surtout en déroulant sous les yeux de l'amateur l'essentiel d'une oeuvre qui peut avoir la dureté d'un coup de poing, mais aussi la tendresse d'un corps familier, ou l'intimité des fleurs, des chats et des pigeons du jardin. À cette lecture ont collaboré quelques uns de ceux ou de celles qui, en France et en Espagne, ont depuis longtemps fréquenté et analysé la peinture d'Aguayo.
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Colette Deble

de Jean-Luc Chalumeau

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 De fait, depuis l'Antiquité jusqu'il y a peu, ce sont les hommes qui ont peint, sculpté, dessiné les femmes. Colette Deblé affronte aujourd'hui l'histoire de l'art dans une démarche iconoclaste. "Je tente de reprendre les diverses représentations de la femme depuis la préhistoire jusqu'à nos jours afin de réaliser une analyse visuelle des diverses postures, situations, mises en scène." La figuration, chez Colette Deblé ne part pas du sujet en soi, mais de l'interprétation qui en est déjà faite dans l'?uvre historique, donc chargée de connotations culturelles, allégoriques, symboliques. Pour Colette Deblé, "la citation picturale ne saurait être une citation littérale comme est la citation littéraire, parce qu'elle passe par la main et la manière du citateur. D'où un léger tremblé doublement allusif entre l'?uvre citée et le citateur. Mon projet explore ce tremblé parce qu'il suppose un exercice extrêmement long de la citation vers son usure et sa fatigue." Pas moins de deux mille dessins et lavis donnent à chaque femme regardée une personnalité, une vérité et une réalité charnelle qui, indirectement, provoquent l'interrogation sur un ordre depuis longtemps établi.
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Quand L'Image Performe : Comment Imager La Danse Et Comment Faire Danser L'Image ?

de Christian Gattinoni

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Ouazo, Drole D'Oiseau

de Caroline Flamant

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Projections

de Le Scribe e Pierre Umil

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Comment L'Amérique Veut Changer De Pape

de Nicolas Senèze

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Guide Non Officiel Apex Legends - Pour Devenir Le Champion De L'Arene

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Baby Comet Face

de Yann Gerstberger

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Der Weltrevolutionäre Prozess Seit Karl Marx Und Friedrich Engels Bis In Die Gegenwart

de Heinz Peter Knes

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Rosetta

de Elena Reygadas

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Poésies Morales

de Massimo Del Zio

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Erwan Bouroullec ; 101

de Collectif

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Coco

de Olivier Georges Fatton

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