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Dictionnaire Archéologique De La Bible

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 Nulle terre n'a été fouillée comme la Terre sainte. En un siècle et demi notre connaissance du monde de la Bible a été considérablement renouvelée à travers l'archéologie. Celle-ci connaît en effet, depuis une trentaine d'années, un développement prodigieux : d'innombrables chantiers ont été ouverts un peu partout au Proche-Orient ; des données autrefois douteuses ou incertaines ont pu être vérifiées sur le terrain ; d'autres ont soulevé des problèmes nouveaux. Il suffit, d'évoquer ici l'immense retentissement de la découverte des manuscrits de la mer Morte ou des fouilles de la forteresse de Masada. La première édition de cet ouvrage, en 1970, dirigée par le professeur Abraham Negev, de l'Université hébraïque de Jérusalem, avait constitué une tentative originale d'approche archéologique de la Bible. La présente édition offre une refonte totale rédigée par plus d'une centaine de spécialistes qui ont participé le plus souvent aux fouilles dont ils présentent les résultats. Plus de 800 entrées alphabétiques accompagnées de plans, de photographies et de tables chronologiques offrent un répertoire de la majorité dés sites archéologiques de la Terre sainte (Israël, Palestine et Jordanie), avec leur identification actuelle. Pour chacun des sites (villes, monuments, forteresses, cours d'eau, plaines, montagnes), un bref descriptif géographique et un relevé des occurrences dans les textes saints sont suivis d'un solide exposé historique mêlant archéologie, ethnographie, économie et religion. Outre les sites bibliques, sont aussi étudiés sur dix millénaires - des temps préhistoriques à la conquête arabe -, les peuples et les tribus, les règnes et les dynasties, les habitudes alimentaires, l'habitat, les techniques et les objets de ces civilisations. L'ouvrage fait ainsi revivre les lieux et les temps prestigieux où se jouèrent quelques-uns des actes les plus importants de l'histoire humaine et où plongent les racines de notre civilisation.
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Les Grands Maitres De La Peinture Europeenne

de Giorgio Bonsanti

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 Une vaste anthologie de la peinture européenne du XIIIe siècle à la fin du XIXe siècle. Reproduit avec un grand soin et de beaux détails, tous les grands créateurs des différentes écoles méridionales et nordiques européennes sont abordés ici à travers leurs principaux chefs d'oeuvre de Giotto et Lorenzetti à Lautrec et Van Gogh.
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Les Primitifs Flamands

de Erwin Panofsky

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 Les Primitifs Flamands, un des ouvrages phares de Panofsky, s'est développé à partir d'une série de conférences. Il conserve de cette origine une remarquable clarté et constitue ce qu'il est convenu d'appeler une somme. Paru en 1953, il a été traduit par Hazan pour sa première édition en français en 1992. L'étude de Panofsky suit le cours chronologique, en remontant très loin en arrière : la question des origines de cet art septentrional qui ne culminera qu'au milieu du XVe siècle occupe une place très importante. Et c'est une passionnante enquête sur des terres mal défrichées : les miniatures franco-flamandes, le style gothique international, l'art de la cour de Bourgogne, les écoles locales du Nord avant la révolution de l'ars nova qui apparaît avec le Maître de Flémalle. Puis viennent les chapitres de l'âge d'or, sur les Van Eyck et Van der Weyden, qui constituent comme autant de monographies. Le livre se termine par une étude sur les héritiers immédiats de cet âge : Petrus Christus, Dirk Bouts, Hugo Van der Goes, Gérard David, juste de Gand, etc. Ici la démarche iconologique de Panofsky s'infléchit pour se faire histoire stylistique et dégager peu à peu l'émergence d'un continent culturel entier. Par-delà la minutie de l'approche, naissent au fil des pages de véritables petites épopées de la pensée, et l'on se demande comment l'auteur parvient à maîtriser son érudition pour savoir la rendre toujours aussi utile et parlante. De l'identification d'un musicien sur un portrait de Van Eyck (et du discours qui s'ensuit sur peinture et musique) à la définition du style anguleux de Van der Weyden, de l'étude presque tactile des Heures des manuscrits enluminés des XIVe et XVe siècles à la caractérisation des difficultés d'un suiveur comme Petrus Christus, le lecteur est amené à relier entre eux les fils innombrables d'une continuité que Panofsky retrace avec son habituelle élégance.
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L'Annonciation Italienne : Une Histoire De Perspective

de Daniel Arasse

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 Le thème de l' «Annonciation » représente un défi pour un peintre. Comment représenter en effet l'irreprésentable, l'invisible - le mystère de l'incarnation: cette venue du Créateur dans la créature ? C'est sur cette question abordée par les artistes italiens entre le XIVè et le XVIè siècles que Daniel Arasse se penche en renouvelant notre perception de l'Annonciation italienne. L'invention progressive de la perspective à partir du XIVè siècle ouvre aux artistes de nouvelles formes de représentation par des moyens mathématiques perceptibles à l'oeil humain. Daniel Arasse montre comment certains d'entre eux utilisent paradoxalement la mesure géométrique de la perspective pour faire voir la venue de l'immensité divine dans le monde fini de l'humain, et l'acte par excellence mystérieux: l'incarnation. Des Siennois, en passant par les Florentins du Quattrocento, cette histoire commune de la perspective et de l'Annonciation connaît de nombreux épisodes avant de produire à Venise, à la fin du XVIè siècle, un ultime avatar: les machines de Véronèse articulées hors de toute allusion théologique à des fins théâtrales. Une passionnante confrontation des aspirations du monde plastique et du monde religieux à la Renaissance qui débouche ici sur l'écriture d'un nouveau chapitre de l'histoire de l'art italien.
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Au Louvre ; Les Arts Face A Face

de Adrien Goetz e Erich Lessing

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 Château, palais royal puis musée à partir de la Révolution, le Louvre a toujours été un lieu destiné à l'art, celui des collections royales puis celui des collections nationales. Le projet muséal à partir de 1791 a l'ambition de couvrir toute la création des civilisations du monde ancien de l'Egypte à la Mésopotamie, aux formes les plus récentes, à travers différents départements, peinture, sculpture, objets d'art, arts graphiques, départements des Antiquités Egyptiennes, des Antiquités Orientales, des Antiquités Grecques, Etrusques et Romanes, jusqu'à réunir entre ces murs plus de 300 000 oeuvres. A lui seul, ce palais résume au sens créatif l'histoire de l'Humanité depuis la naissance de l'écriture. L'originalité du présent volume consiste à nous proposer une visite du musée en traversant l'Histoire. Plutôt que de diviser le propos par grandes périodes chronologiques ou par ère géoculturelle, L'Art au Louvre nous invite à découvrir à travers le temps, de 3 000 ans avant Jésus Christ à 1830, les grands thèmes éternels de l'art, que le sujet relève de la vie intime, du domaine public ou religieux. Ce parti saisissant permet de suivre la manière dont on représentait l'enfance à la fois à travers un relief de Ramsès II de la 19e dynastie, des poupées grecques, et des visages peints aussi bien par le maître de Moulins (Xve siècle), Pierre de Cortone (XVIIe siècle), Chardin (XVIIIe siècle) ou Girodet. L'image intime de la famille apparaît sous la main successive de Donatello, Raphaël, Rubens, Ingres et Lawrence. Le Corps souverain est célébré à la fois sur une stèle représentant le roi-serpent Abydos (Egypte vers 3100 av. J.C), un buste colossal d'Aménophys IV, une armure d'Henri II de Valois et un gisant du même par Germain Pilon. Les fantassins de toutes les guerres défilent sous nos yeux dans La Frise des archers de Darius (vers 500 av. J.C), dans La Bataille de San Romano d'Uccello et aux côtés de Louis XIV devant Maastricht par Van der Meulen. Le soldat sait depuis toujours mourir en héros comme en témoignent sous les Romains Le Gaulois mourant, sous Napoléon Léonidas aux Thermopyles de David sous la Restauration et Le Cuirassier blessé de Géricault. Au total, cet ouvrage nous entraîne dans une traversée magnifique de l'histoire des hommes et des arts qui s'impose comme un hommage particulièrement émouvant du génie créatif de l'homme.
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Les Orientalistes

de Christine Peltre

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 Christine Peltre est professeur d'histoire de l'art contemporain à l'université des Sciences humaines de Strasbourg. Agrégée de lettres classiques, elle a étudié le périple grec des artistes du XIXe siècle (Retour en Arcadie,1997). Spécialiste de l'orientalisme, elle a publié sur ce sujet de nombreux travaux dont L'Atelier du voyage (1995). L'Orient est une préoccupation générale qui agite l'Europe du XIXe siècle ; la production picturale reflète très précisément l'histoire de cet intérêt né avec la campagne d'Egypte de 1798 et lié aux évolutions de la "question d'Orient", dont l'insurrection grecque à partir de 1821 ou la prise d'Alger en 1830 marquent entre autres les étapes. À la lumière de recherches récentes, la synthèse de Christine Peltre retrace les vibrations artistiques de cette préoccupation au sein des écoles européennes où se détache l'adhésion massive des Français et des Britanniques. La "haute poésie" de l'Orient romantique est souvent inspirée par Byron ou Hugoet recherche l'effet dramatique, comme en témoignent les compositions de David Roberts, de Decamps ou Delacroix. Ces interprétations se distinguent du regard "ethnographique" du milieu du siècle, illustré par de grands voyageurs comme Lewis, Fromentin ou Gérôme, tandis qu'avec Ingres ou Monticelli se poursuivent les rêves d'atelier. Ces oeuvres de terrain ou de laboratoire préludent à la modernité du "troisième style", fusion de l'Europe et de l'Orient pressentie par August Macke comme parWassily Kandinsky. Témoins d'une histoire qu'ils contribuent à illustrer, les peintres de l'orientalisme écrivent donc aussi la leur : celle d'une quête spirituelle et plastique qui cherche à l'"Est" l'idéal de pureté "primitive".
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Leonard De Vinci

de Daniel Arasse

54,02€ + 10% EM CARTÃO

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 La figure de Léonard, hautaine et mystérieuse, sa longue trajectoire hors du parcours habituel aux artistes de son temps, l'éclat de son oeuvre scientifique, d'urbaniste, d'écrivain, d'ingénieur, de dessinateur, de sculpteur, de peintre enfin, tout contribue à faire de lui un sujet qui intimide. Et de fait, si les études partielles abondent - qu'elles portent sur les Carnets, les machines, les dessins, les peintures... - rares sont ceux qui ont cherché à saisir et restituer Léonard dans sa totalité. Daniel Arasse a relevé cette gageure. Dans la première partie de son livre (L'Universel inachevé), il trace un « portrait de l'artiste en philosophe », analysant la culture de Léonard - culture d'autodidacte, culture d'atelier - , son mode de pensée, sa vision du monde. Il décrit ensuite comment, tout en établissant un rapport nouveau, moderne, entre artiste et commanditaire (« la fin de l'humilité »), Léonard a fait oeuvre d'artiste de cour, dans ses projets d'urbanisme, ses machines, ses installations éphémères pour les fêtes et le théâtre. La seconde partie est consacrée aux dessins, à la peinture, de L'Adoration des Mages à La Cène, en passant par les célèbres portraits. - Nouvelle édition brochée de l'ouvrage paru chez Hazan en version reliée et sous coffret en 1997 au prix de 895 F (136,44 euro) puis sans coffret au prix de 59 euro ; - L'ouvrage a reçu en 1997 le prix André Malraux du livre d'art ; - L'ouvrage dans cette version paraît à l'occasion de l'exposition « Léonard de Vinci. Dessins et manuscrits » qui se tiendra au musée du Louvre du 9 mai au 14 juillet 2003.
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L'Art A Milan

de Enrica Ballare

17,64€ + 10% EM CARTÃO

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 Capitale moderne de l'industrie et métropole internationale de la mode et du design, Milan n'en est pas moins une des villes d'art les plus prestigieuses de la péninsule italienne Les traditions de l'Antiquité et de l'empire carolingien y superposent leurs vestiges. Sa puissance s'impose comme commune libre au Moyen Age et se manifeste avec éclats aux temps de la seigneurie ducale des Visconti et des Sforza. Le présent ouvrage concentre l'essentiel de ses pages au centre artistique et culturel que représente alors Milan sous la Renaissance, capable d'attirer des artistes de premier plan comme l'architecte Bramante ou un génie comme Léonard de Vinci. Dans une dernière partie, l'auteur aborde les étapes suivantes de la vie artistique milanaise, dont la période néo-classique, fortement marquée par l'aventure napoléonienne.
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J.M.W. Turner ; Les Paysages Absolus

de Frederic Ogee

29,76€ + 10% EM CARTÃO

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 Trop souvent présentés en France avant tout comme les précurseurs de l'impressionnisme, Turner et son oeuvre sont ici replacés dans le riche contexte historique au sein duquel ils sont apparus. Les trois grandes parties de l'ouvrage font ressortir l'importance des idées scientifiques et philosophiques qui, en Grande-Bretagne, ont présidé à l'émergence d'une école nationale de peinture dont Turner est le fer de lance et son oeuvre l'apogée. L'auteur souligne la façon dont l'artiste a mis en oeuvre une approche empirique de la nature, notamment par une recherche constante sur les effets de lumière et de couleur, pour imposer le genre pictural du paysage comme nouvelle peinture d'histoire donnant à comprendre les grands enjeux de l'existence humaine.

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Comment Regarder L'Architecture

22,05€ + 10% EM CARTÃO

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 L'architecture peut-être comparée à une langue, composée d'éléments, de matériaux et techniques qui se combinent en « syntaxe-édifice ». ces composantes - façades, fenêtres, escaliers, chapiteaux... - sont présentées dans ces pages. elles concernent des bâtiments civils ou militaires, résidentiels ou religieux, édifiés sur une période couvrant quelque 2 000 ans. leur analyse aidera le lecteur à mieux appréhender significations symboliques de l'architecture. par certains aspects, l'architecture n'a que faiblement évolué au cours du temps. ainsi, construire répond toujours à une nécessité - s'abriter, se protéger. cette entreprise doit respecter les règles statiques et mécaniques : le bâtisseur dépend, en tout temps et tout lieu, des lois de la nature. il est aussi tributaire des données technologiques et scientifiques de son époque, des commanditaires et des finances allouées à son projet. son oeuvre est indissociable d'un contexte historique. de plus, la figure de l'architecte, porteur d'une représentation et d'une interprétation du monde qui lui sont propres, confère son caractère unique à l'ouvrage achevé. à partir de la phase préliminaire du projet, l'architecte doit trouver des solutions concrètes : dessins, plans, voire conception par ordinateur, marquent ce travail de création, précédant la phase de réalisation, où l'ornementation joue un rôle important. les entrées de ce guide, classées par thèmes (sans nécessairement suivre l'ordre chronologique), sont autant de fragments permettant de reconstituer les fondements du langage architectural. elles sont accompagnées d'exemples commentés, le plus souvent empruntés à l'occident. en fin d'ouvrage, on trouvera des édifices tenus pour des archétypes de l'histoire de l'architecture depuis la grèce antique jusqu'à des exemples du proche-orient ou du japon. l'ouvrage est complété par un index général et un index des artistes et des lieux. mots clés : voûte, arc, modèle, projet, plan, ogives, croisée, chapiteau, clef.
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L'Image Byzantine Ou La Transfiguration Du Réel

de Tania Velmans

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 Après avoir rayonné mille cinq cent ans (VIe-XVIIIe siècles), l'art byzantin est devenu aujourd'hui un symbole de spiritualité, utilisé sans distinction par les orthodoxes et les catholiques (icônes, couvertures de livres, pochettes de disques, etc.). Pourquoi ? On connaît les caractéristiques de l'art byzantin, mais quelles sont ses valeurs philosophiques et théologiques, voire l'émotion et la piété des hommes qui le sous-tendent ? Tania Velmans répond à ces questions, par un examen pluridisciplinaire de certains facteurs déterminant pour les arts visuels byzantins et révélateurs pour la mentalité de l'époque. Il s'agit en premier lieu de la sacralisation de l'image, impliquant un rapport mystique entre la représentation et le représenté. Lui sont liées l'exigence de l'authenticité à l'égard des visages du Christ et des saints, en vertu de la doctrine des prototypes. La forme donnée à l'espace, réduit à la surface, et le fond d'or, symbole de lumière divine, en dépendent également. L'abolition de l'espace entraîne aussi l'abolition du temps, accentué par la quasi-immobilité des personnages. Un ordre synthétique réunit parfois, en une seule composition, plusieurs épisodes qui se succèdent dans le récit biblique ; des personnages de l'Ancien testament apparaissent dans des scènes évangéliques qui incluent également des allusions à la fin des temps et situent donc sur le même plan passé, présent et futur. C'est le temps liturgique (succession des prières et des lectures pendant l'office) qui définit l'ordonnance du décor. Un chapitre particulièrement long et dense traite des craintes des Byzantins face à la mort, de leurs monuments funéraires, du portrait et des compositions à thématique funèbre, le tout comparé aux même catégories d'oeuvres en Occident. Afin d'expliquer les différences significatives qui les opposent, un second volet de cette enquête est consacré à la comparaison entre certaines interprétations théologiques, exigences morales, conceptions de la rédemption, du péché, du mal, du corps, de la femme et du jugement dernier dans les deux parties de l'Europe. Il en résulte, malgré des dogmes identiques, une distinction fondamentale entre le pessimisme occidental et l'optimisme orthodoxe. Enfin, une dernière étude examine l'influence considérable des doctrines mystiques sur l'iconographie et le style des arts visuels byzantins.
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Munich 1900, La Sécession ; Kandinsky Et Le Blaue Raiter ; Art, Vie Et Culture

27,56€ + 10% EM CARTÃO

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 Au tournant du xxe siècle, munich est à l'apogée de son développement culturel. capitale de province dans l'ombre de la métropole berlinoise, elle a progressivement acquis une importance que ni sa taille ni sa capacité politique n'auraient permis de justifier. la contribution particulière de munich à une histoire culturelle de la modernité réside dans son entêtement et dans son autonomie. ce qui se passe ici est un peu plus déroutant qu'ailleurs : les provocations sont bruyantes, les dénonciations de blasphèmes, catholiques, et les invocations à l'harmonie des mondes, ésotériques. sous des noms tels que « jugendstil », « simplicissimus » ou « le cavalier bleu », des associations ou groupements d'écrivains et d'artistes sont propulsés sous les feux de la rampe internationale. kandinsky, venu de russie, y invente l'abstraction. paul klee y développe ses premiers poèmes plastiques consacrés aux miracles organiques. des « princes artistes » tels que franz von lenbach, franz von stuck ou adolf von hildebrand vivent à munich. schwabing, le quartier artistique de la ville, cultive son attractivité. karl valentin sonde son terrain. thomas mann reste près de quarante ans, giorgio de chirico, trois. marcel duchamp se sert de son expérience munichoise comme d'un tremplin vers une carrière internationale. sur près de 400 pages comportant plus de 500 illustrations, le critique d'art rainer metzger et l'iconographe christian brandstätter esquissent le portrait kaléidoscopique d'une quasi-métropole rayonnante, dans l'histoire culturelle de l'europe des avants-garde.
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Le Beau Xvi Siècle ; Chefs D'Oeuvre De La Sculpture En Champagne

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 Troyes accueillera du 18 avril au 25 octobre 2009, une exposition-événement sur la sculpture champenoise du xvie siècle : un patrimoine exceptionnel qui distingue entre toutes cette région de france. un rendez-vous culturel, incontournable par la richesse de la collection présentée. l'exposition rassemble en un lieu historique les chefs-d'oeuvre d'une production plurielle, habituellement dispersée dans les églises de champagne et dans les plus grands musées du monde. le musée de vauluisant, dont une partie de la collection permanente est composée de sculptures champenoises du xvi ème siècle, a bénéficié d'un renforcement identitaire et scientifique grâce au recensement de l'ensemble des collections mobilières conservées dans les églises du département de l'aube. en 2005, le conseil général dans le cadre du contrat de plan etat-région 2000-2006, a ainsi pu dégager un corpus de quelque 2800 sculptures pour le seul xvi ème siècle. la base de données, aujourd'hui versée sur palissy et accessible sur le site intranet du conseil général, a permis non seulement de redécouvrir les chefs d'oeuvre de la sculpture champenoise, mais également de soutenir un intérêt grandissant pour les oeuvres conservées au musée. ce recensement a permis aux conservateurs du musée de compléter leurs connaissances et d'envisager, dans le cadre d'une exposition temporaire, le rapprochement des collections endogènes et exogènes pour offrir aux visiteurs une lecture complète de la sculpture champenoise gothique et maniériste. des chefs-d'oeuvre aujourd'hui disparus se verront ainsi reconstitués dans l'exposition temporaire. par exemple, le jubé de la collégiale saint-etienne, oeuvre de dominique florentin, retrouvera sa splendeur grâce à la réalité virtuelle. mais, surtout les reliefs, rachetés en 1791 par la fabrique de l'église saint-etienne de bar-sur-seine et intégrés dans le bras sud du transept de l'église saint-pierre, la foi et la charité conservées à l'église saint pantaléon de troyes, et la vierge et saint jean conservés au musée de vauluisant seront à nouveau réunis à des fins scientifiques et pédagogiques.
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Comment Regarder... La Mode ; Histoire De La Silhouette

de Catherine Ormen-Corpet

30,86€ + 10% EM CARTÃO

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 Cet ouvrage offre une approche chronologique de la mode féminine, masculine et enfantine du début du XIXe siècle à nos jours. L'ambition est de donner au lecteur des repères visuels pour l'aider à dater tous types de documents sur lesquels figurent des personnages en costume civil... La colonne vertébrale de l'ouvrage est formée par une succession de silhouettes. ce sont des figures synthétiques, en ombres chinoises, qui se placent sur une grille temporelle et qui, à elles seules, résument les modes de leur temps. Ces silhouettes forment des têtes de chapitre. Pour permettre une lecture rapide, chaque silhouette est rapidement décrite. Suit un court texte de présentation qui situe la silhouette dans son contexte historique tandis que dans une colonne parallèle, figurent des données essentielles se rapportant à l'évolution du système de la mode. Les pages suivantes déclinent la silhouette de référence « sous toutes ses coutures » au moyen d'une iconographie la plus variée possible : gravures de mode, illustrations, caricatures, publicités, photographies de mode, de croquis de créateurs, ou même clichés plus anonymes. Les images ainsi rassemblées, dûment légendées et présentées chronologiquement, sont assorties de brefs commentaires. Ceux-ci soulignent et expliquent ce qui dans les vêtement et les sous-vêtements, le maquillage et la coiffure, les accessoires ou la gestuelle, est propre à une certaine esthétique et contribue à définir le style d'une époque. mots clés : Dior, Chanel, Worth, Poiret, Doucet.
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Cent Énigmes De La Peinture

de Gérard-Julien Salvy

44,10€ + 10% EM CARTÃO

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 La contemplation d'un tableau ne se résume pas à une simple expérience visuelle. depuis des siècles, le langage muet de la peinture est riche en équivoques et attisant sans cesse notre curiosité, à la suite de celle des collectionneurs et des historiens de l'art. ce livre recense et explore cent des plus célèbres de ces énigmes de la peinture : cent cas fameux qui ont rempli des livres entiers d'érudition, la plupart du temps en vain, sans livrer toujours la clef de leur mystère. l'ouvrage nous raconte les péripéties et les rebondissements infinis de ces enquêtes non sans proposer çà et là quelques pistes susceptibles de percer les secrets de ces oeuvres. il y a d'abord le mystère de la main à laquelle est due un oeuvre. il y a aussi le mystère du modèle : quel est le personnage représenté ? puis viennent toutes les incertitudes entretenues par les artistes quant à l'identité du sujet, pour en multiplier le sens, évoquer une vérité profonde ou nous égarer dans l'étrangeté ou la dérision : par exemple, pour quelle mystérieuse raison hans holbein le jeune a-t-il intégré, au premier plan de son célèbre tableau les ambassadeurs, une image déformée d'un crâne au moyen d'une vertigineuse anamorphose ? il n'est pas rare qu'entre aussi dans ce plaisir des yeux une certaine fascination vis-vis du tour de force illusionniste de l'artiste, voire quelque incertitude quant au mystère lié au phénomène de la représentation. entrer dans une image revient souvent à perdre de vue notre réalité bien tangible pour pénétrer dans un monde fait de leurres autant que de vérités, à la merci des dispositifs plus ou moins honnêtes et des stratagèmes plus ou moins trompeurs de l'artiste même le mieux intentionné. qui observe qui dans les ménines de vélasquez dont le jeu de regards démultipliés par l'artiste, représenté lui-même en train de peindre sa toile, incluent jusqu'au couple royal invisible, hormis dans le reflet d'un miroir ? et aussi, combien y a-t-il de tableaux dans ce tableau ? mots clés : indices, allégories, modèles, signature, tradition.
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Happenings De Jean-Jacques Lebel ; Ou L'Insoumission Radicale

de A Michael

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 Jean-jacques lebel est une figure emblématique et incontournable pour comprendre l'art des années soixante. il organise le premier happening européen en 1960 à venise « l'enterrement de la chose », où l'on enterre une sculpture de tinguely après une cérémonie funéraire rituelle. ce happening, qui répond au désir profond de rendre hommage à l'assassinat d'une amie proche et protester contre une société asphyxiante, s'inscrit principalement, comme tous ses happenings par la suite (il en produit une vingtaine de 1960 à 1967), dans un courant de contestation contre des formes artistiques établies, contre le colonialisme et la violence. associant l'art et la vie, ces happenings, se trouvent dans le prolongement des actions dadaïstes et du théâtre de la cruauté d'antonin artaud. jean-jacques lebel, ami très proche de l'artistes américain allan kaprow, inventeur des premiers happenings outre-atlantique, joue le rôle d'un passeur, d'un fédérateur d'énergies entre l'europe et les etats-unis. privilégiant l'action collective, le mixage et l'hybridation de toutes les formes, il ose mélanger les genres et fait exploser les limites entre les différents domaines. il fait rencontrer duchamp et les poètes de la beat generation, la poésie et l'action, la musique et la projection des filmes. des happenings, art éphémère s'il en est, il ne reste que quelques documents d'archives, des photographies et de très rares enregistrements vidéos. cet ouvrage, enrichi d'un ensemble photographique exceptionnel, majoritairement inédit, permettra de rendre compte du déroulement complexe de chaque happening. associant chronique et analyse des documents d'archives, il permettra de mieux circonscrire cet art qui a pris des formes chaque fois différentes en fonction du lieu de son émergence. cette recherche montrera la spécificité des happenings de lebel qui ont une dimension politique et érotique plus forte qui le distinguent de ceux de kaprow plus liés aux domaine des arts plastiques. mots clés : kaprow, erro, duchamp, man ray, artaud, tinguely, rauschenberg.
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Masques De Carpeaux À Picasso

de Collectif

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 Objet de métamorphoses destinées à dissimuler le visage à des fins cosmogoniques, religieuses ou théâtrales dans les sociétés anciennes, le masque connut en europe, notamment en france, un renouveau et un succès considérable à la fin du xixe siècle et au début du xxe siècle, et ceci dans la sculpture comme dans les arts décoratifs. étape de travail dans la réalisation d'un portrait, réduction de ce dernier à l'essentiel, élément décoratif ou architectonique, il reste l'un des genres de la sculpture parmi les plus familiers mais également les moins étudiés pour eux-mêmes. indissociable de l'oeuvre de rodin et de carriès, le masque demeure néanmoins un accessoire doté d'une « inquiétante étrangeté », qui entre en résonance avec tous les arts visuels, la peinture (ensor, munch), l'estampe (valloton) et la photographie (steichen). reflet de l'exposition du musée d'orsay, cet ouvrage, qui compte une centaine de masques réalisés entre les années 1860 et 1930, des peintures, des photographies, se propose de donner à voir et d'analyser la foisonnante mise en oeuvre d'une grammaire visuelle qui pousse l'obsession illusionniste ou le symbolisme jusqu'à l'étrange et parfois l'excentricité jusqu'aux années 1930 (wildt), mais aussi l'expérimentation continuelle des matériaux de la sculpture (grès émaillé, pâte de verre, bois...). à la fin du xixe siècle, la fortune du masque, aussi bien comme genre à part entière de la sculpture que comme réponse au cadrage du portrait, était difficilement dissociable des origines mêmes de la technique créant « l'objet » masque : le moulage sur nature. présence coutumière dans les ateliers, les masques étaient parfois véritablement accumulés. par ailleurs, c'est à cette période que le masque mortuaire acquit une incontestable autonomie à travers une diffusion grandissante des épreuves : napoléon, géricault, beethoven... en plus de cette fonction dévotionnelle laïque, les masques servaient fréquemment de documents fiables pour la réalisation de portraits. dans un siècle qui multiplia ces derniers, le pouvoir suggestif du masque, raccourci saisissant de l'individu, a nourri l'imaginaire de nombreux sculpteurs, souvent pensé sur un mode hallucinatoire. ce contexte culturel eut davantage de conséquences que les origines plus populaires du masque, en particuliers celles du carnaval, même si un artiste comme daumier y recourut spontanément pour ses caricatures politiques. le sens usuel du terme masque depuis la renaissance - la duplicité - perdura, tout en opérant une translation, et le loup, à proprement parler un demi-masque, porté depuis la renaissance, ne fut jamais oublié, particulièrement comme accessoire dans le registre du travestissement, de la galanterie ou de la sexualité (rops). le masque de théâtre antique et ses codes, la figure de la gorgone / méduse continuèrent d'inspirer les artistes tout au long du xixe siècle. à ces sources vernaculaires ou historicisantes s'ajouta à partir des années 1870 l'engouement pour le japonisme, qui suscita le développement de collections de masques de théâtre nô, authentiques ou produits pour l'occident. la fragmentation fut la voie décisive du renouvellement de la sculpture. élément isolé par l'artiste, le masque, depuis longtemps utilisé en mascaron dans le décor architectural, devint, avec ou sans le cou, une forme d'expression privilégiée du symbolisme et de l'art nouveau tant en sculpture que dans les arts décoratifs, ne perdant jamais son rôle d'accessoire, ornant ainsi en chute l'armoire que conçut carabin ou les poteries de gauguin. au début du xxe siècle, prétexte de tentatives plastiques radicales, la vogue des masques dits primitifs, africains ou océaniens, perpétua dans une voie bien différente ce dialogue des arts avec le masque. l'exposition est l'occasion de réunir pour la première fois des oeuvres majeures de rodin, carriès, böcklin, knopff, klinger, gauguin, picasso et d'artistes moins célèbres mais dont la production de masques se révèle souvent très surprenante, dressant ainsi une galerie de portraits, réelle et imaginaire, séduisante ou menaçante, qui résume bien les audaces expérimentales de la fin du xixe siècle et du début du xxe siècle.
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Zen ; Fondements, Courants, Pratiques

de Rossella Marangoni

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 Le zen est une école bouddhiste qui s'est organisée en chine sous le nom de chan, terme signifiant « méditation », laquelle est précisément la pratique qui la caractérise. l'enseignement du chan fut transmis en corée, où il prit le nom de son, et au japon, où il devint le zen et acquit des formes particulières. la première partie présente les origines de la doctrine, en suivant son parcours historique et géographique ; un chapitre est consacré aux sutras de référence de cette école, qui refuse toutefois de faire reposer ses enseignements sur des textes sacrés. les principaux courants sont l'objet de la deuxième partie, suivie de l'analyse des divinités, dominées par la figure du bouddha historique, shakyamuni, seul digne d'être vénéré. la quatrième partie traite des pratiques et des réalités quotidiennes du zen, qui ne se réduisent pas à la seule méditation. l'ouvrage se clôt par les arts pratiqués dans les monastères, ou patronnés par eux, qui ont laissé une forte empreinte dans la civilisation japonaise. outre des index et une carte situant les principaux monastères, les annexes répertorient des musées conservant des chefs-d'oeuvre des maîtres zen, ainsi que des temples et des jardins.
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Ux ; La Culture En Clandestins

de Lazar Kunstmann

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 En septembre 2004, des sources policières révèlent l'existence d'une salle de cinéma clandestine sous le Palais de Chaillot. Equipé notamment d'un bar et d'un sophistiqué dispositif anti-intrusion, l'étrange repère serait le fait d'un groupe jusque là totalement inconnu des autorités et du public : « La Mexicaine De Perforation ». L'histoire est largement relatée dans les médias, même et surtout dans les médias étrangers. Trois ans plus tard, un article du Monde annonce que CMN (Centre des Monuments Nationaux) - porte plainte contre un groupe surnommé « Les Untergunther ». Ces derniers auraient restauré à leur frais l'horloge monumentale du Panthéon.. Clandestinement. Ces événements et quelques autres bizarreries de la vie de la capitale ont un point commun : l'UX, une agrégation de groupes clandestins, qui évolue depuis plus de vingt ans dans une sorte de « Paris parallèle », une « autre ville » imbriquée dans celle que tout le monde connaît. ou croit connaître. Monuments, édifices techniques, reliquats du passé industriel parisien, souterrains et toutes zones non-accessibles au public, tissent un gigantesque réseau, un monde invisible. C'est là que ces formations aux surnoms improbables s'activent quotidiennement à des taches complémentaires entre elles. Pendant que l'une tente de sauver des parties délaissées du patrimoine, l'autre y organise des manifestations artistiques, une autre encore actualise sans cesse les moyens d'accès et de communications entre ces angles morts du tissu urbain. Une culture totalement indépendante, mais qui n'est ni tentée par l'illusion de la rébellion, ni par l'appauvrissement artistique qui correspond parfois aux expressions comme underground ou alternatif. Car ce monde clandestin ne s'extasie pas devant sa clandestinité, il ne recherche pas l'interdit, il supprime juste la notion d'autorisation, si souvent fatale à toute démarche novatrice et créative.En remontant le quart de siècle d'existence de l'UX, cet ouvrage, écrit par son porte-parole, dévoile pour la première fois les étapes de la formation de ces groupes clandestins en montrant aussi bien leur réussites que leurs échecs. A travers les situations vécues par une dizaine de personnages, il fait apparaître les concours de circonstances complexes qui ont mené à évoluer ensemble et dans l'ombre, des individus aussi différents par leurs aspirations et leurs méthodes. Untergunther se présente comme un groupe clandestin d'exploration urbaine de 7 membres (et divers sympathisants), avec à leur tête Lazar Kunstmann, dont le souhait est de restaurer les « parties invisibles du patrimoine » que l'administration n'entretient pas faute de crédits. Il intervient de préférence dans la capitale et ses nombreux monuments, le quartier latin plus particulièrement.
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Monet, L'Oeil Impressionniste

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 depuis longtemps on étudie les sources historiques, culturelles, sociales, religieuses et, avec l'art moderne, la subjectivité individuelle, qui guident le regard des peintres. l'oeil, et la vision au sens physique, ne forment qu'un filtre, aussi complexe soit-il ; mais quand ce filtre défaille, cela affecte à la fois le regard et le geste de l'artiste en altérant la traduction de facteurs « objectifs » comme « subjectifs » dans ses options esthétiques et leurs instruments techniques. des cas célèbres déjà connus, mais le plus souvent superficiellement, voire en forme de clichés, comme l'astigmatisme d'el greco ou la cataracte de claude monet, ont laissé entrevoir comment un peintre peut vivre et s'adapter à un handicap, le contourner, voire en bénéficier fût-ce sans intention. les ophtalmologues se sont depuis longtemps intéressés à cette problématique. bien sûr, en médecine - comme en psychologie - la définition du « normal » ne se conçoit le plus souvent qu'en creux : c'est ce qui ne dysfonctionne pas. claude monet cherchait à fixer sur la toile des instants précis dans ses conditions de vision. en sorte qu'on peut contempler ses oeuvres en cherchant, pour chacune, l'aspect des processus visuels privilégiés. construction des contours, perception des formes, représentation du mouvement, sensation chromatique. la possibilité nous est aussi offerte, de voir comment cet artiste confronté à une perte de capacités dans des facultés directement indispensables à l'exercice de son art s'en est accommodé. au sommet de son art, dont il avait porté la maîtrise à hauteur de son désir, monet a été forcé de revoir son approche devant le fait incontournable d'un handicap visuel plus ou moins invalidant. cela a marqué des limites à son expression ; comme tout jeu de contraintes, cela a pu aussi le mener à de nouvelles voies, inattendues. quelle part des nymphéas de monet est due à l'aboutissement d'une démarche entamée une soixantaine d'années plus tôt au havre ? certainement la plus grande ; mais quelle autre part peut relever de la bataille dans laquelle il était engagé face à sa cataracte, à ses effets anxiogènes, alors qu'il était enfin reconnu et libre dans son désir de laisser à l'éternité un témoignage magistral et irréfragable de sa relation particulière au monde ? cette exposition essayera avec l'appui des connaissances scientifiques les plus avancées sur la vision, de nous faire appréhender plus précisément ce qui résume le mieux l'oeuvre et l'originalité d'un peintre : son regard. l'exposition et le catalogue présenteront une soixantaine d'oeuvres en provenance d'institutions diverses et des collections du musée marmottan.
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L'Atelier Des Combles ; Photographies De Michel Sima

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 Durant l'été et l'automne 1946, michel sima réalise des photographies en noir et blanc de picasso, dans son atelier au château grimaldi à antibes, et l'hiver suivant 1947-1948 à vallauris, alors qu'il travaille la céramique à l'atelier madoura. le photographe, ami de picasso, de son vrai nom michel smajewski, sculpteur et photographe d'origine polonaise, élève à l'académie de la grande chaumière et assistant d'ossip zadkine en 1934, avait fait la connaissance de picasso à paris. l'été 1946, alors qu'il habite à cannes chez romuald dor de la souchère, après son retour de trois années de déportation à auschwitz, sima arrange une entrevue entre le conservateur du musée grimaldi et l'artiste, sur une plage à golfe-juan. a picasso qui exprime sa déception de n'avoir jamais reçu de l'état de grandes surfaces à décorer, dor de la souchère offre alors une pièce du château pour y travailler, de l'après-midi jusque tard dans la soirée. certains clichés de sima jouent du contraste de la lumière créé par les deux projecteurs de cinéma qui avaient été loués au studio de la victorine, à nice, pour picasso. l'artiste se prête au jeu et pose régulièrement devant ses oeuvres, seul, ou en compagnie de françoise gilot ou de ses amis eluard, fixant l'objectif, assis sur un matelas ou debout devant ses pots de peinture, ou encore concentré sur son travail posé à même le sol. ces prises de vue sont un témoignage unique permettant de saisir non seulement l'atmosphère de l'atelier, mais aussi de mieux comprendre l'avancement du travail de picasso, les étapes de création et les modifications opérées sur les oeuvres avant leur état définitif. cet ouvrage regroupe pour la première fois la quasi-totalité des clichés de michel sima consacrés à ces deux séjours à antibes et vallauris.
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Bacon ; Face Et Profil

de Michel Leiris

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 Après une enfance maladive et une formation d'autodidacte à l'école de la bohème, entre paris et berlin, bacon s'impose à partir de 1945, au lendemain de la guerre, avec une peinture de l'horreur : corps crucifiés, chairs exsangues torturées par sa palette et un style à la fois sauvage, expressionniste et raffiné. leiris traque dans cet art la hantise de la part de l'animalité en l'homme, dans ses différentes phases qui vont amener l'artiste à « peindre le cri plutôt que l'horreur » : à violenter sa peinture plutôt que l'image de l'humanité.
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Quantara ; Patrimoine Méditerranéen ; Traversées D'Orient Et D'Occident

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 Exposition à l'automne 2009, organisée par l'insitut du monde arabe.
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Le Cabinet De Pierre-Adrien Pâris ; Architecte, Dessinateur Des Menus-Plaisirs

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 La ville de besançon abrite au sein de son musée des beaux-arts et de sa bibliothèque municipale la collection complète des oeuvres d'art et de l'esprit de l'architecte pierre-adrien pâris. la présente exposition et l'ouvrage qui l'accompagne veulent faire connaître une collection de premier plan, intacte, reflet du goût d'un homme et celui d'une époque : la fin de l'ancien régime et les débuts du néo-classicisme triomphant. né à besançon en octobre 1745, le jeune pierre-adrien pâris réussit en 1771 à intégrer l'académie de france à rome où il se lie d'amitié avec son directeur, le peintre natoire, ses camarades pensionnaires comme berthélémy, suvée, houel, vincent et avec fragonard, artiste qu'il va collectionner et qu'il découvre à l'occasion du voyage de ce dernier à rome en compagnie du financier bergeret de grancourt : milieu qui l'amène à collaborer, à retour en france en 1774, avec l'abbé de saint-non. protégé du duc d'aumont pour l'hôtel duquel il exécute les décors intérieurs, place louis xv (actuel hôtel crillon), il obtient en 1778 la place de dessinateur du cabinet du roi, puis celle de dessinateur et architecte des menus-plaisirs, administration en charge des cérémonies publiques de la couronne. il va d'ailleurs connaître auprès du nouveau couple royal une faveur croissante qui lui vaudra d'organiser des fêtes de la cour données à versailles ou à marly où l'on prise beaucoup ses décors de théâtre. il fréquente dans sa charge ses amis hubert robert, dessinateur des jardins royaux et durameau, garde de la galerie de peintures du roi, devient un intime de l'abbé de raynal. il cumule ensuite la charge d'architecte des economat et de nombreuses commandes privées et publiques (hôtel de ville de neufchâtel). a la révolution il conçoit la salle des etats généraux puis rompt avec le régime naissant et interrompt sa carrière en optant à nouveau pour l'italie avant de rentrer mourir à besançon en 1819 non sans léguer à la ville la totalité de ses collections. elles comprennent environ 800 livres, 2400 dessins et gravures de maîtres comme fragonard, boucher, durameau, robert, vincent, la traverse, 1500 dessins de sa main, des objets d'arts, 35 peintures (dont les fameuses chinoiseries de boucher achetées à la vente bergeret de grancourt en 1786), un cabinet d'antiquités. ses collections de dessins et de peinture, comme son oeuvre d'architecte, reflètent un goût néo-classique tempéré sans condamner le goût rocaille.
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