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Comment Faisons-Nous Les Choses?

de Collectif

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 « Comment nous faisons les choses » est un ouvrage pratique traitant de l'organisme humain (son champ d'activité, ses fonctions) : comment employer nos énergies correctement et comprendre nos automatismes, comment devenir créatif et plus conscient de la façon dont nous nous manifestons dans la vie de tous les jours. La manière dont nous travaillons dépend de la qualité des énergies employées et aussi, et peut-être même davantage, de l'emploi correct de ces énergies. Savoir comment employer nos énergies correctement est un des grands secrets de la vie.
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Représenter La Révolution Française ; Les Dix-Août De Jacques Bertaux Et François Gérard

de Alain Chevalier e Philippe Bordes

22,05€ + 10% EM CARTÃO

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 Représenter la Révolution défend l'idée que le contexte des années 1789-1794, en imposant l'actualité comme nouvel horizon artistique, a produit une rupture radicale avec les fondements traditionnels de la peinture d'histoire : la représentation des événements contemporains apparaît dès lors comme l'art de la Révolution française par excellence. Circonscrite à la célébration du pouvoir monarchique sous l'ancien régime, l'iconographie contemporaine se met au service de la politique dans les années 1770 et 1780. Le rôle précurseur de peintres actifs à Londres inspirés par la guerre d'indépendance américaine, est rappelé. La diversité des moyens mobilisés pour fixer l'énergie de l'événement, ainsi que la postérité immédiate de cet effort de l'imagination artistique sont le sujet de cet essai. Les Dix Août de Jacques Bertaux et de François Gérard, qui représentent l'insurrection populaire le 10 août 1792 à Paris pour mettre fin à la royauté, sont au coeur de la démonstration. Ces deux compositions condensent les enjeux d'un tournant de la peinture française vers la modernité. Une riche illustration, comprenant des oeuvres souvent peu connues, permet de découvrir des incunables du Romantisme.
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Conditions Relatives À La Réalisation De Quelques Unes De Mes Oeuvres

de Dominique Angel

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 D A : Vous avez commencé par la sculpture pour investir progressivement d'autres pratiques comme l'écriture, la vidéo, l'installation, la performance, la photographie...Moi : Je faisais déjà plusieurs choses en même temps bien avant ça. J'ai toujours été émerveillé par ces capacités physiques et mentales concomitantes qui nous différencient des animaux. D.A : Tout faire à la fois réclamerait une entreprise plus collective que la vôtre. Moi : Je suis une entreprise collective à moi tout seul. Je passe d'une activité à l'autre avec une facilité déconcertante. D.A. : Vous revenez pourtant périodiquement à la sculpture ? Moi : A la sculpture proprement dite, non, je taille rarement à tour de bras dans la matière comme je le faisais à mes débuts. Racler, couper par-ci par-là, je ne dis pas, du beurre, du fromage... mais s'agit-il de sculpture ? D.A. : J'allais vous le demander ... Moi : Je me le demande. D.A. : Moi aussi. Moi : C'est pourquoi j'y reviens. D.A. : C'est ce que je dis, vous y revenez quand même.
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Joe Downing Un Américain En France

de Frédérique Goerig

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 Joe Downing (1925-2007) appartient à une génération d'artistes américains qui s'établit en France après la seconde guerre mondiale. Son oeuvre couvrant plus d'un demi-siècle va apporter une contribution essentielle à l'histoire de l'art abstrait et informel après 1950. De ses premiers collages, qui exploitaient les volumes géométriques, aux huiles sur toile, sur bois et sur cuir, qui font littéralement éclater les couleurs, les formes et l'espace, Joe Downing a multiplié les supports pour imposer son instinct plastique dans ses oeuvres d'une abstraction qualifiée de lyrique et dont la récente donation faite au musée d'Unterlinden à Colmar est le témoignage. Avec une production artistique où la couleur, devenue à la fois forme et sujet, règne en maître absolue, Joe Downing s'est affranchi de l'héritage stylistique de ses prédécesseurs et de ses contemporains pour monter de toutes pièces un style certainement unique dans l'histoire de la peinture abstraite des XXe et XXIe siècles.
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Le Journal Sentimental D'Une Mauvaise Herbe

de Gottfried Honegger

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 Au nom de toutes les mauvaises herbes du monde, je remercie mon éditeur de publier des extraits de nos journaux intimes. En effet, la vie devient pour nous chaque jour plus difficile. Les seuls qui souffrent comme nous de l'ignorance sont les intellectuels, dans le monde entier. Si nous, les mauvaises herbes, nous voulons donner au monde un peu de couleur, montrer qu'être pauvre ne veut pas dire être malheureux, les intellectuels sont des gens persuadés qu'avec leur art ils seront capables, sinon de changer le monde, du moins d'apporter un peu plus de justice, montrer que la vie dans tous ses aspects témoigne du miracle de vivre. Oui, nous les mauvaises herbes et les intellectuels, nous portons en nous les seuls germes qui un jour seront le début de la création d'un paradis sans pommier et sans serpent.
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Le Theatre Antique D'Arles

de Collectif

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 A Arles, les grands travaux de constructions publiques qui dotèrent l'agglomération des équipements d'une ville romaine ne sont pas antérieurs au début du règne d'Auguste. Durant une période relativement courte, entre 25 et 10 avant J.-C., furent achevés des quais maçonnés en bordure du fleuve, un rempart qui englobait une superficie d'au moins 45 hectares, un forum, qui devait être jouxté par deux autres places, un théâtre et un arc, érigé près du Rhône, à l'arrivée dans la ville de la route d'Espagne. Ni l'amphithéâtre, édifié à la fin du Ier siècle après J.-C., ni le cirque, daté du milieu du IIe siècle, ne font partie de ce premier programme. Alors que l'amphithéâtre a glorieusement traversé les siècles à l'abri de son grandiose portique, le théâtre pourtant si proche de lui a bien failli disparaître à jamais ! Edifice hautement symbolique du culte impérial et considéré par les chrétiens comme " un temple des faux dieux ", il était d'autant plus menacé que sa double proximité avec le rempart méridional de la cité et les chantiers successifs de la cathédrale en faisait une inépuisable carrière de matériaux prêts à l'emploi. La redécouverte du XIXe siècle et les restaurations de notre époque ont redonné vie au théâtre antique d'Arles et en font un site archéologique passionnant à visiter.
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«Voyage Dans Ma Tête» ; La Collection De Coiffes D'Antoine De Galbert

de Berenice Geoffroy-Schneiter e Gerard Wajcman

38,58€ + 10% EM CARTÃO

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 Qu'elles soient nées en Afrique ou en Océanie, au coeur des steppes d'Asie ou dans la moiteur des forêts amazoniennes, les quelque 400 coiffes collectionnées par Antoine de Galbert portent encore en elles une part d'inaccessible et de divin. Instruments au service du sacré, elles flirtent avec les marges du surnaturel, disent la beauté de l'éphémère, conjurent le mystère de la destinée. Dévoilées pour la première fois au public, elles sont aussi une invitation au rêve, une immersion poétique dans les arcanes du génie humain et de la création.
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Etienne Bossut

de Blandine Chavanne, Jacques Beauffet e Sylvie Fleury

22,05€ + 10% EM CARTÃO

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 Depuis la fin des années 1970, la technique du moulage est au centre du travail d'Etienne Bossut. Au-delà du processus de fabrication, cette technique devient le support d'une réflexion plus globale sur l'art et la sculpture. Des objets sont moulés de manière artisanale : bidons, voitures, bottes, skis, disques vinyles ou peintures monochromes, copies fidèles mais jamais tout à fait identiques à l'original. Ce catalogue est le premier à explorer toute la richesse de l'oeuvre d'Etienne Bossut.
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Wifredo Lam

de Tronche David

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 " Non, ma peinture ne serait pas l'équivalent d'une musique pseudo-cubaine pour dancings, jamais. Pas de chachacha ! Je voulais de toutes mes forces peindre le drame de mon pays, mais en exprimant à fond l'esprit des Nègres, la beauté plastique des Noirs. Ainsi, je serais comme un cheval de Troie d'où sortiraient des figures hallucinantes, capables de surprendre, de troubler les rêves des exploiteurs. Je courais le risque de n'être compris ni par les hommes de la rue ni par les autres, je le savais. Mais un vrai tableau, c'est celui qui possède le pouvoir de faire travailler l'imagination, même s'il faut du temps. " Wifredo Lam (cité par Max-Pol Fouchet, Wifredo Lam, Barcelone, Poligrafa, 1976)
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Filer La Metaphore

de Jeannes Michel

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 " Bouton ! " dit un poète, et presqu'aussitôt tout le monde se déboutonne. Depuis 1998 Michel Jeannès développe avec le collectif La Mercerie - en particulier dans le quartier de la Duchère à Lyon et au fil des invitations en d'autres sites - une pratique artistique in tissu sous-tendue par la participation sociale. Au coeur du dispositif, la boîte à boutons est envisagée comme boîte à souvenirs et vecteur opératoire d'un " art-qu'on-tend-pour-lien ". Au carrefour d'une interdisciplinarité féconde - de la psychanalyse à une sociologie buissonnière, de la médiation culturelle aux sciences de la communication et à la sémiologie des expositions - l'ouvrage convoque les regards et les voix de chercheurs et praticiens, acteurs et passeurs. Au fil d'une expérience de co-construction des " Journées du Matrimoine " par un artiste et un musée de société - le Musée dauphinois de Grenoble - se dessine la fonction politique d'une pratique artistique qui s'inscrit dans un territoire tout en plaçant la personne au coeur de son intention.
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Esther Shalev-Gerz

de Jacques Rancière

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 « Esther Shalev-Gerz fait parler non des témoins du passé ou de l'ailleurs, mais des chercheurs au travail ici et maintenant. Ceux donc qui viennent d'ailleurs, elle les fait parler du présent comme du passé, d'ici comme de là-bas. Elle les fait parler de la manière dont ils ont pensé et aménagé le rapport entre un lieu et un autre, un temps et un autre. » Jacques Rancière Les oeuvres d'Esther Shalev-Gerz sollicitent une altérité, que ce soient à travers les participants qui peuvent détourner l'espace d'exposition par leurs présences, leurs paroles ou leurs actes, les collaborateurs avec lesquels elle entretient un échange permanent, ou les spectateurs qui perçoivent et connectent par leur parcours des éléments disparates. L'autre apparaît comme un vis-à-vis, comme celui avec et par lequel un partage est en train de se mettre en place. Esther Shalev-Gerz travaille intuitivement la notion de portrait qu'elle appréhende comme un reflet possible d'une personne, d'un lieu ou d'un événement qui n'est jamais stable, toujours compris dans un devenir-autre. Ses oeuvres fonctionnent comme des prismes qui réfractent une image donnée en dévoilant des constellations singulières. L'élaboration de ses projets artistiques est intimement liée aux éléments extérieurs qui en deviennent partie intégrante. Ainsi, l'espace (institutionnel, politique, historique, géographique) est à la fois occupé par l'oeuvre et reflété ou détourné par elle. Le dialogue touche à un aspect fondamental de la démarche d'Esther Shalev-Gerz : la constante actualisation de la mémoire. Esther Shalev-Gerz est née en 1948 à Vilnius, en Lituanie. Elle vit et travaille à Paris.
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Quand L'Architecture Internationale S'Exposait 1922-1932

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Quand L'Architecture Internationale S'Exposait 1922-1932

de C Coley e D Pauly

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 Fondé en 1923 par un groupe de jeunes nancéiens séduits par la dynamisme culturel de la capitale, le Comité Nancy-Paris présente à Nancy en mars 1926 une exposition entièrement consacrée aux avants-gardes et dont la section d'architecture est confiée à André Lurçat. Les choix de Lurçat, à la fois engagés et opportunistes, sont représentatifs du nouveau courant moderne international, tel qu'il se manifeste, depuis le début des années 1920, dans les revues, conférences et expositions. L'ambition de cet ouvrage est de reconsidérer cet événement provincial et de déterminer sa place réelle dans l'histoire du mouvement moderne. Plus largement, il est question des modes de diffusion de l'architecture internationale dans les années 20. Nancy-Paris-Nancy, 1925-1926 Organiser une exposition d'architecture moderne : l'expérience d'André Lurçat à Nancy - Nancy 1926, une ville entre-deux - L'architecture nancéienne et le Comité Nancy- Paris, un rendez-vous manqué ? - Les modernes à l'exposition de 1925 et la critique - Après l'exposition de 1925, les avatars du Mouvement. Les liens tissés en Europe France-Allemagne-France : porosités et étanchéités 1918- 1930 - L'Autriche à l'exposition de Nancy et sa place dans l'avant-garde internationale des années 20 - Quand les modernes belges s'exposent : à propos de la présence de la Belgique à Nancy en 1926 - L'avant-garde tchèque en quête d'un public. Les supports de la diffusion L'exposition d'architecture : quelques remarques sur ses traces photographiques - Maquettes, l'architecture réduite à l'art - De l'image au plan : exposer l'architecture moderne selon Mart Stam. Les modes de diffusion parallèles Le film, nouvel outil de promotion - Les conférences : L'exemple de Le Corbusier - Les revues : esprit moderne et image graphique - La critique architecturale française face à l'architecture internationale - L'architecture ménagère sera moderne !
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Claude Prouvé ; Dessins

de Joseph Abram

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 Petit fils de Victor Prouvé, l'un des protagonistes de l'Ecole de Nancy, et fils de Jean (constructeur aujourd'hui célèbre), Claude Prouvé, né en 1928 à Nancy, a exercé dès 1954 le métier d'architecte dans l'un des plus anciens et renommés cabinets de la ville, l'étude André qui s'est particulièrement distinguée, dans les années 1990, aux côtés de Laurent Beaudouin, dans la rénovation du musée des Beaux-Arts de Nancy. Parallèlement à cette activité, Claude Prouvé a pratiqué le dessin en autodidacte, mais plus qu'en amateur, compte tenu des milliers de feuilles qui occupent actuellement son atelier de Nancy. Les dizaines de feuilles de la donation révèle pour la première fois ce travail que traduit un geste libre, ample et informel, et contribue à mieux connaître les modes d'expression et la personnalité de son auteur. L'ensemble proposé ici retrace de manière sommaire un parcours d'un demi-siècle de travail. Une partie des dessins de Claude Prouvé pourrait se rapprocher des artistes de la seconde moitié du XXe siècle qui décline des signes minima sur les feuilles comme un travail de respiration ou de zen (Degottex, Tal Coat, Michaux) ou un travail « thérapeutique » de l'inconscient projeté et transcrit dans l'oeuvre (Pollock) et impose de la part du spectateur un rapport immédiat à l'oeuvre. Une deuxième partie s'inscrit dans un travail de repérages, qui se signale par une écriture descriptive plus ou moins libre et détachée d'une transcription fidèle de la réalité, écriture plutôt économe de signes et qui montre l'aisance du tracé du dessin-esquisse. Enfin un ensemble est constitué essentiellement de grands pastels ou fusain seul, ou techniques mixtes, qui se caractérise par la souplesse d'une écriture au trait large et ample, plus pictural, qui pourrait évoquer les formes organiques des expressionnistes abstraits. La pratique de dessin de Claude Prouvé s'affirme donc dans sa diversité, faisant mentir l'opposition figuration/ abstraction.
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Et À Partir De Là

de Christine Crozat

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 Derrière les vitres du TGV qui la mène régulièrement de Paris à Lyon, Christine Crozat poursuit une sorte de promenade mentale. Pendant ses allers et retours, elle note et dessine sur une feuille de papier les fragments d'un paysage qui disparaît, le vol des oiseaux, un champ de colza, une girouette sur un clocher ; son regard parcimonieux prélève au gré des trajets les formes furtives qui viennent se superposer aux souvenirs et aux projections plus intimes de la conscience. De grands dessins, réalisés entre 2007 et 2009, sont plus particulièrement inspirés par le mobilier urbain. Sur les papiers fins et transparents cohabitent horloges, panneaux de signalisation, noms de rues et pictogrammes rencontrés au cours de déambulations à Lyon et à Prague, ou bien encore lors de voyages en Suisse, en Italie, en Allemagne et plus récemment en Géorgie. Anodins et invisibles à force d'être vus, ces éléments épars participent à la recomposition d'espaces poétiques et ludiques qui invitent le spectateur à une nouvelle circulation placée sous le double signe de la mobilité et de la légèreté. Cet ouvrage illustré est accompagné d'un texte inédit de l'écrivain Éric Pessan. Non pas une étude de l'oeuvre de Christine Crozat, mais une fiction directement inspirée par son univers plastique où se mèlent tableau noir et craie blanche, villes, signalétiques, pictogrammes, flèches et signes.
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Henri Gaudier Brzeska ; Dessin

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 Redécouvrir un jeune artiste de génie qui a participé au renouveau de la sculpture au début du 20e siècle, avant d'être fauché, à 23 ans, par la Première Guerre mondiale : Tel est l'objectif de cette publication consacrée à Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915), né à Saint-Jean-de-Braye près d'Orléans. Sa production est d'abord marquée par l'influence de Rodin, dont il reprend la vision humaniste et le modelé expressif. Puis, au contact de Jacob Epstein et de Constantin Brancusi, il devient un adepte de la taille directe, sculptant directement le marbre ou la pierre. Il s'installe en Angleterre, entre 1911 et 1914. À partir de 1911, le jeune artiste sculpte ou modèle des portraits, des nus, des animaux, des pièces décoratives et aussi des oeuvres quasi abstraites en opérant une synthèse originale entre cubisme et primitivisme. L'artiste a multiplié les études dessinées pour ses sculptures mais aussi d'impressionnants dessins autonomes, tous d'une grande force graphique. À partir de 1913, sa participation active au Vorticisme, variante britannique du Futurisme, dont il est le seul sculpteur, l'érige en figure marquante de ce mouvement. Captivé par la personnalité exubérante et par le génie de Gaudier-Brzeska, le poète américain Ezra Pound, qui anime alors la scène artistique anglaise, lui consacre au lendemain de sa mort une première monographie où l'on peut lire : « Gaudier est irremplaçable. Personne n'est apparu capable de prendre sa succession. Brancusi continua seul la conquête du marbre. » À la présentation des oeuvres du Centre Pompidou (une vingtaine de sculptures et une quarantaine de dessins), qui donne l'occasion d'approfondir l'étude de l'oeuvre de cet artiste et le rôle important qu'il a tenu au sein du mouvement vorticiste, « comme un point d'énergie maximale », selon l'écrivain américain Ezra Pound, s'ajoute une sélection des dessins d'Orléans (un millier de dessins et une quinzaine de sculptures).
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Berlin ; L'Effacement Des Traces

de Sonia Combe

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 A l'occasion du 20e anniversaire de la chute du Mur de Berlin, le Musée d'Histoire contemporaine, Bibliothèque de documentation internationale contemporaine, présente à partir de créations artistiques les procédures de destruction de Berlin-capitale de la RDA et leurs inscriptions dans un paysage urbain reconstruit d'où émerge de façon inattendue et spontanée des traces du passé. Car si des procédures d'effacement sont bel et bien mises en oeuvre, des traces subsistent néanmoins. Il s'agit donc dans cet ouvrage de rendre visible cette ambivalence entre oubli et mémoire, entre effacement et muséification, désir de détruire et de construire.
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Soulèvements

de Jean-Jacques Lebel

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 Cette publication, qui tient du manifeste et du laboratoire imagé plutôt que du banal " catalogue ", comprend un entretien entre Jean-Jacques Lebel, artiste, et Jean de Loisy, commissaire, ainsi que des interventions d'Anne Tronche, Harald Falckenberg, Alain Fleischer, Félix Guattari, Bernard Heidsieck, Olivier Kaeppelin, Arnaud Labelle-Rojoux, Dominique Païni, Guy Scarpetta et Jean Louis Schefer. Elle ne rend pas compte d'un accrochage conventionnel, mais d'un montrage, terme deleuzien qui indique une co-opération ouverte, dé-hiérarchisée, libre de tout Ordre Moral ou préjugé esthétique, entre artistes et regardeurs. Son titre - soulèvements - qui va à contre-courant des rhapsodies consensuelles, invite déjà à ne plus " mettre ses yeux dans sa poche" et à ne plus s'agenouiller devant les icônes dominantes. Ce montrage résulte du dialogue au long cours entre Jean-Jacques Lebel et Jean de Loisy. Il a été conçu autour de sept installations de l'artiste - certaines inédites - rassemblées pour la première fois, combinées avec des oeuvres amies, à la fois contradictoires et complémentaires, qui constituent l'univers quotidien de Lebel, son contexte affectif et culturel, sa vision du monde. " Regardeurs, regardeuses, encore un effort pour être nomades! " J.-J.L.
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Manufacture, L'Album D'Un Siècle (1885-1985)

de Nadine Besse

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 Cet ouvrage très illustré est un hommage à la Manufacture d'armes et cycles de Saint-étienne. Marque incontournable dans le domaine de la VPC pendant plus d'un siècle, l'histoire de ses catalogues nous raconte la naissance et le développement d'une technique de vente révolutionnaire. La Manufacture d'armes et cycles de Saint-étienne (plus connue sous le nom de Manufrance à partir des années 1960) a été fondée en 1885. De sa naissance à 1980, Manufrance a été le plus important fabricant d'armes de chasse et la plus importante maison de vente par correspondance, et, avec Le Chasseur français, première revue de cynégétique largement diffusée. La manufacture présente l'originalité d'avoir mis précocement sur pied une organisation rationalisée de la production et de l'administration, associée à une stratégie de communication tant interne qu'externe vantant l'usine modèle, sa puissance, la nouveauté de ses installations, le savoir-faire de ses ouvriers, la perfection de ses produits. Le médium photographique a été très tôt largement utilisé par l'entreprise, à la fois comme vecteur de l'image qu'elle souhaitait donner d'elle-même, outil publicitaire et, selon les périodes, étape préalable à la gravure des illustrations pour les célèbres Tarifs-albums ou, dans les catalogues plus récents, technique de représentation des objets à la vente obéissant à une rhétorique précise. L'ouvrage propose un parcours tour à tour chronologique et thématique dans le fonds d'images récupéré par le Musée d'art et d'industrie de Saint-étienne (à la suite du dépôt de bilan de Manufrance survenu en 1986). à travers les «albums d'archives» nourris par les diverses campagnes de prises de vue accompagnant les développements de l'entreprise et qui synthétisent a posteriori la conception du travail industriel prévalant à chaque période, les tirages à partir de plaques stéréoscopiques, les visuels réalisés à toutes les époques pour les Tarifs-albums, c'est la mémoire photographique de Manufrance qui est ici rassemblée.
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La Collection : Origine, Processus ; Limites À Partir De L'Exemple De Nicolas-Claude Fabri De Peiresc

de Collectif

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 A Peyresq, petit village épicurien des Alpes de Haute Provence, se sont tenus les 10, 11 et 12 juin 2008, les deuxièmes " Entretiens de Peyresq ". Placés sous l'égide de Nicolas-Claude Fabri de Peiresc, grand collectionneur, humaniste et seigneur du lieu au XVIIe siècle, ces trois jours de réflexion ont mis en évidence les fondements des collections qui lui étaient chères, les monnaies et l'herbier : Qui collectionne ? Pourquoi ? Comment ? En tissant sa toile de correspondants, Peiresc a montré le chemin. La mise en place de réseaux de plus en plus nombreux et diversifiés assure la diffusion de la connaissance mais aussi la mise en relation et la structuration des territoires. Aujourd'hui, quel sens donner à ces collections dans les musées du XXIe siècle ?
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Bernard Heidsieck ; Plastique

de François Collet

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 Depuis plus de cinquante ans, Bernard Heidsieck travaille à arracher la poésie à ses carcans traditionnels ; pour la rendre active, vivante, pour la dresser face au monde. Pionnier de la Poésie sonore, théoricien de la Poésie action, il aura participé activement à l'aventure des avant-gardes radicales des années 60/70, période intense de création, de transgression et de décloisonnement des formes et pratiques artistiques. Si son travail sonore - la pratique de la Poésie action - fait de lui un patriarche des écritures expérimentales actuelles, il est un pan beaucoup plus méconnu de son oeuvre : le domaine plastique. Une oeuvre de plasticien qui, depuis la fin des années 60, se poursuit avec, sur et autour de la Poésie action, dans un même élan de création. Il était temps de donner à voir ce travail plastique - ces planches d'Écritures/Collages, comme les nomme Heidsieck - mais aussi de chercher à en comprendre la place et l'enjeu au sein d'une oeuvre toujours aussi tenacement novatrice.
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La Dernière Chambre ; La Mort À Peine

de Laurence Loutre-Barbier

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 Il y a un lieu et un moment où les vivants et les morts sont ensemble. Ce lieu est protégé. Tellement protégé qu'on en a oublié son existence. À la chambre mortuaire de l'hôpital Necker, l'auteur ressuscite un lieu de vie. L'ensemble des textes qui forment le corpus a une seule dimension, humaine. La terre remet ces vies fatiguées Dans ses Tiroirs mystérieux - Trop tendrement pour que l'on doute D'un ultime Repos - À la façon des Enfants - Lassés de la Journée - Eux-mêmes - Jouets turbulents Qu'ils ne peuvent ranger - Emily Dickinson, Une âme en incandescence, Paris, José Corti, 2001, p. 107. « Pendant un an et demi, je suis allée à la chambre mortuaire de l'hôpital Necker (à raison d'un jour et demi par semaine) à la rencontre de ceux-là qui officient en des lieux reculés de notre conscience. Chaque rencontre appelait une suivante. Ce qui se partagea fut essentiel pour moi, comme pour Mireille Noury, cadre infirmier à la chambre mortuaire. Cette démarche relevait d'une infinie vitalité et était un pied de nez au morbide et au déni ambiant de la mort, aventure humaine qui si elle ne fait pas plaisir à vivre, est pourtant bien réelle. Impatiente d'être, je prenais en réalité conscience du cycle obligé de la vie, donc de l'existence de la mort en moi aussi. J'en étais et sans toutefois le savoir encore au Funèbre, tel que défini par Marcel Guiomar : «Le Funèbre n'est ni projection vers un deuil factice et préalable à toute Mort véritable comme dans le Lugubre, ni un refus de la mort comme le Divertissement ; il est à chaque instant de notre vie le milieu juste, l'accord constant de chaque unité de rythme de notre vie avec l'approche régulière de notre Mort. Il n'en retarde ni n'en avance la pensée et l'échéance ; il est neutre.» »
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Vraoum ! Trésors De La Bande Dessinée Et Art Contemporain

de David Rosenberg e Pierre Sterckx

38,58€ + 10% EM CARTÃO

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 Little Nemo, Yellow Kid, Tintin, Blake et Mortimer, Mickey, Superman, Astérix, Iznogoud, Blueberry, Astro Boy, Le Chat. Ces personnages et héros nés sous la plumes des plus grands auteurs de bande dessinée n'ont pas simplement fait les délices de millions de lecteurs à travers le monde ; ils ont aussi nourri l'imaginaire de certains artistes importants de notre époque, tels Roy Lichtenstein, Erro, Takashi Murakami, Wim Delvoye ou Gilles Barbier, pour n'en citer que quelques-uns. Publié à l'occasion de l'exposition Vraoum ! trésors de la bande dessinée et art contemporain à la maison rouge, cet ouvrage s'ouvre par les textes des commissaires, David Rosenberg et Pierre Sterckx, mis en images par Sylvain Paris, et retrace le parcours de l'exposition en confrontant des planches originales parmi les plus rares ou les plus célèbres de l'histoire du 9° Art aux ?uvres contemporaines qu'elles ont inspirées.
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Un Art Sans Art ; Champfleury Et Les Arts Mineurs

de Bernard Vouilloux

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 L'introduction dans le champ artistico-littéraire de ces catégories et objets que subsume taro bien que mal, et plutôt mal chic bien, la dénomination d'" arts populaires " ne pouvait manquer d'engendrer résistances et conflits. Pour comprendre la genèse de cette notion qui émerge précisément au XIXe siècle, il est nécessaire de relire attentivement les textes de Champfleury (1821-1889), qui, délaissant son oeuvre de romancier, publia une Histoire des faïences patriotiques sous la Révolution (1867), une Histoire de l'imagerie populaire (1869) et une Histoire de la caricature en six volumes (1865-1888). Relire Champfleury : recueillir, récoler; relier, réarticuler les propositions, les descriptions, les démonstrations, les hypothèses qu'avancent ses travaux d'érudition, redéployer le " grand récit " qu'ils tentent de mettre en place là où règne celui de l'histoire de l'art, qui, d'être histoire du " grand art ", est alors la seule histoire concevable, retrouver donc les fondements de la contre-histoire que ces écrits cherchent à promouvoir, en dégager les motifs principaux et secondaires, en faire ressortir les présupposés et les points d'aveuglement, en mettre en valeur la cohérence, mais aussi les ambiguïtés, les tensions, les contradictions ; bref cartographier une pensée dont le moins que l'on puisse dire est qu'elle est très peu systématique, mettre au jour l'épistémologie et l'esthétique, voire l'éthique impliquées dans une entreprise pionnière qui se sera conçue, entre autres choses, comme une étude archéologique de l'" art sans art ".
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Le Musée Des Beaux-Arts De Lyon De A À Z

de Sylvie Ramond

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 Richement illustré, cet ouvrage nourri du regard croisé de l'équipe scientifique et culturelle se veut un hommage rendu à tous ceux qui ont oeuvré pour que le musée des Beaux-Arts de Lyon devienne l'un des plus grands musées français et européens. Il est situé en plein coeur de la ville de Lyon, classée au patrimoine mondial de l'Unesco depuis 1998. Comme d'autres musées français de région, le musée des Beaux-Arts de Lyon est né des conséquences immédiates de la révolution française. Dès 1792, le palais Saint-Pierre abritait, entre autres, des oeuvres provenant des séquestres révolutionnaires opérés dans les édifices religieux de Lyon et de ses environs. Conformément aux idéaux défendus lors de la Révolution et mis en application sous le Consulat, ces oeuvres devaient être conservées et accessibles au plus grand nombre. Elle devaient également servir à la prospérité de l'industrie lyonnaise en procurant notamment des modèles d'étude aux artisans et dessinateurs des soieries. Une salle est ouverte au public en 1803, et les envois de l'état sont déterminants, avec près de 110 tableaux déposés entre 1803 et 1811. Plus qu'un guide des collections, le parti pris de cet ouvrage est une invitation à découvrir sous la forme d'un abécédaire, au fil de 115 entrées, l'histoire et la vie du musée des Beaux-Arts de Lyon. Au cours des cinq dernières années, de très nombreux événements ont rythmé la vie du musée, parmis lesquels, l'acquisition du premier tableau de Nicolas Poussin dans les collections, La Fuite en Égypte. Ainsi sont retracées les étapes de la vie du bâtiment depuis l'histoire de l'ancienne abbaye royale des Damesde- Saint-Pierre jusqu'à l'ambitieux projet de rénovation du Grand Saint-Pierre mené par son directeur Philippe Durey de 1990 à 1998.
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