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Quelqu'Un Que Vous Avez Deja Vu

de John Ashberry

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 Ce volume comprend des poèmes publiés dans différents recueils, entre 1957 et 1993. Il offre ainsi pour la première fois au lecteur français une vue assez large de l'une des oeuvres poétiques majeures de ce siècle, une oeuvre en constant devenir, vivante, diverse, nombreuse.
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Les Symboles Des Reves Dans La Bible.

de Albert Soued

27,24€ + 10% EM CARTÃO

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 Cet ouvrage succède à un premier livre Les symboles dans la Bible où l'auteur fait ressortir les messages essentiels qui se dégagent de nombreux symboles : objets et lieux de culte, rituels et rites des fêtes de la Tradition Biblique, arbres ou animaux comme le poisson ou le serpent. Or les symboles de la Bible se déploient au-delà d'objets concrets, de situations tangibles ou d'êtres vivants. Ils viennent en effet se nicher dans les rêves et les visions de personnages divers et étonnants : rois, juges, prophètes, voyants appointés ou simples citoyens. En effet, pendant quatre mille ans, ces personnages ont transmis les messages divins à l'humanité par deux voies possibles, le rêve, appelé aussi vision nocturne et la vision, lorsque le voyant est en état d'éveil. Dans ces deux cas un ange intervient pour réaliser ou faciliter la communication avec le divin. L'auteur a analysé tous les rêves et la quasi-totalité des visions bibliques, et il a essayé de répondre dans les trois premiers chapitres à des questions liées à l'esprit prophétique et aux anges. Qu'est-ce qui différencie un prophète d'un voyant, un prophète d'un ange ? Qu'est-ce qu'un faux prophète et comment l'esprit prophétique peut-il être dévié ou stimulé ? Qu'est-ce qu'un esprit saint ? Et que signifie le monde intermédiaire ? Qu'impliquent les notions de torpeur et de rêve ? Et en fait, qu'est-ce qu'une vision ? Au fur et à mesure de l'interprétation de plus de soixante rêves et visions, les fils qui les relient se dénouent pour nous livrer leur sens véritable et leur portée historique.
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Clint Eastwood, Un Passeur À Hollywood

de Simsolo/Simsolo

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 jusqu'aux années quatre-vingt-dix, les rôles et les films de clint eastwood déclenchaient la polémique dans la critique et le public. " l'homme sans nom ", antihéros de la trilogie de sergio leone, et le prototype du flic de san francisco, " dirty harry ", lui collaient à la peau. si la star était érigée en mythe populaire dont les succès au box-office ne se démentaient pas, l'unanimité était loin de se faire sur son personnage soupçonné de complaisance fascisante, comme sur son talent de metteur en scène. c'est en 1992, avec impitoyable et son oscar, qu'eastwood conquiert véritablement son statut d'auteur de cinéma. aujourd'hui, eastwood est considéré comme le dernier grand classique du cinéma américain. et pourtant, à suivre l'ensemble de son parcours, il apparaît qu'il a toujours su jouer avec son image, par la dérision ou la déglingue. l'ange exterminateur était déjà un hors-la-loi romantique et libertaire. clint eastwood-cinéaste excelle dans l'art de la décomposition, ses paraboles véristes sont teintées d'une infinie mélancolie et les rôles qu'il se donne vieillissent à son rythme. héritier des meilleures figures du cinéma de genre, il hante, tel un fantôme, un monde oú la toute puissance du mal ne parvient jamais à tarir la source de l'utopie. ses thématiques récurrentes et le réalisme lyrique de son style font de lui un passeur essentiel entre les grands maîtres fondateurs (ford, hawks, walsh) et le meilleur du cinéma moderne. cette nouvelle édition augmentée comprend l'analyse des derniers films du cinéaste million dollar baby (2004) et mémoires de nos pères (2006).
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La Ville Au Cinéma ; Encyclopédie

de Thierry Jousse e Thierry Paquot

66,99€ + 10% EM CARTÃO

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 le cinématographe est contemporain de la grande métropole à la fin du xixe siècle et exprime à merveille les nouvelles " valeurs " de la modernité portées par l'urbanisation planétaire. le cinéma et la ville ont un destin intimement mêlé. de la ville reconstruite dans les studios des débuts du cinéma à la ville virtuelle des logiciels des films d'anticipation à images numériques, en passant par l'écrasante quantité de films tournés dans les décors naturels, c'est un incroyable livre d'images de villes que nous offre le cinéma. ce volume explore pour la première fois de façon systématique en langue française la représentation de la ville à l'écran. 90 auteurs, universitaires cinéphiles et critiques internationaux, ont rédigé cette " biographie croisée " de la ville et du cinéma. cette encyclopédie est construite en cinq parties : filmer, montrer, représenter (lumière, décor, histoire, montage, musique de film. ) ; genres et écoles (film noir, science-fiction, banlieue, western. ) ; lieux et personnages (30 courts textes personnels d'aéroport à voisinage) ; villes cinématographiques (55 portraits d'abidjan à washington, en passant par buenos aires, new york, taipei. ) et 50 cinéastes urbains (50 notices biographiques de woody allen à wong kar-wai). de nombreux professionnels (architectes, urbanistes, paysagistes, concepteurs-lumière. ) revendiquent l'influence du cinéma dans leur pratique. ils considèrent, par exemple, que l'architecture et le cinéma possèdent certains points communs, comme l'image bien sûr, mais aussi le cadrage, la lumière, le montage ou encore le rythme. des enseignants utilisent le cinéma afin d'expliquer à leurs élèves et étudiants ce qu'est l'" espace ", l'" architecture ", le " territoire ", la " ville ", l'" urbain ", à telle ou telle époque dans telle ou telle culture, pour tel ou tel cinéaste. c'est dire si tout un public composite trouvera dans cette encyclopédie de quoi satisfaire sa curiosité. un ensemble allie la maniabilité d'une encyclopédie (ordre alphabétique à l'intérieur des parties, références bibliographiques et index) à la qualité d'écriture d'essais subjectifs et documentés. une telle entreprise éditoriale n'est envisageable que si la passion du cinéma qui anime les auteurs se nourrit du plaisir de vivre en ville ! les deux directeurs de ce volume aiment le cinéma et la ville, la ville du cinéma et le cinéma des villes, et se complètent heureusement, thierry paquot (philosophe, professeur des universités, éditeur de la revue urbanisme et responsable de " la forme d'une ville " au forum des images) et thierry jousse (cinéaste, ancien rédacteur en chef des cahiers du cinéma).
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Alain Resnais, Liaisons Secrètes, Accords Vagabonds

de Jean-Louis Leutrat e Suzane Liandrat-Guigues

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 Alain Resnais est l'un des auteurs majeurs du cinéma français. Contemporain des cinéastes de la Nouvelle Vague, il ne fait pas à proprement parler partie de cette école esthétique, ni d'ailleurs d'aucune autre, tant son oeuvre s'est diversifiée depuis les années cinquante à aujourd'hui. Après des débuts de monteur, il signe des films d'art dont Les Statues meurent aussi sur l'art africain avec Chris Marker, mais c'est avec Nuit et Brouillard en 1955 qu'il connaît la notoriété. Puis viennent les adaptations des célèbres Hiroshima mon amour (1959) de Marguerite Duras et l'Année dernière à Marienbad (1961) d'Alain Robbe-Grillet. Il alterne les scénarios originaux avec George Semprun, Jean Gruault : La Guerre est finie (1966), Stavisky (1974), Mon oncle d'Amérique (1980) et les adaptations : Mélo (1986), Pas sur la bouche (2004). Ses rapports avec la littérature, le théâtre, les arts populaires comme la bande-dessinée ou la chanson, la culture anglo-saxonne (Providence, Smocking no Smocking) nourrissent son oeuvre. « L'ouvrage s'ouvre sous le signe de la "malaisie" (c'est-à-dire du malaise) car Resnais est difficile à situer (entre ses films dits "engagés" et les comédies récentes). Puis vient un aperçu biographique sur la formation du cinéaste et sur ses principales idées relatives à son travail. Ensuite, l'ouvrage se structure autour de trois chapitres : 1°) Une description dite « d'ensemble » de l'univers de Resnais mettant l'accent sur l'importance accordée à l'idée de bonheur au sein d'une vision du monde plutôt pessimiste dont les bornes historiques alternent entre les années 1925-1930 et l'époque moderne. Cet univers est dominé par l'hésitation et l'impossibilité de toute certitude. Nous nous appuyons sur les déclarations de Resnais comme sur les situations dans lesquelles ses personnages se trouvent pris. 2°) La partie suivante est une description « rapprochée » qui se présente de façon étoilée, notre texte proposant plusieurs pistes de recherche : la ville, l'arbre, l'eau chez Resnais, mais aussi les relations de cette oeuvre avec l'urbanisme, les sciences naturelles diagonales selon Caillois, la figure de l'Inconnue de la Seine selon les Surréalistes, le travail d'un plasticien contemporain - Notre texte est ponctué d'interludes faisant appel à des « intervenants » autres que nous : l'architecte Emmanuel Doutriaux, le Peintre Jean Le Gac ou un chercheur, Anne-Gaëlle Saliot. Cette composition est inspirée de L'Amour à mort et des interludes singuliers de ce film. 3°) La troisième partie est tout entière consacrée aux effets esthétiques produits par le travail de Resnais. L'importance du formalisme, la nécessité selon lui d'opérer des mélanges (sucre et sel), les effets « latéraux » avec pour conséquence la création d'un « romanesque fantomatique » qui est sans doute la dimension la plus séduisante et la plus « malaisante » de cette oeuvre. Nous terminons sur l'ironie propre à Resnais que nous symbolisons par le sourire du chat dans Alice de Lewis Carroll. A la suite de cet essai vient un entretien avec Alain Resnais - le plus long qu'il ait jamais accordé ; entretien dans lequel nous nous sommes efforcés de sortir des questions qui lui sont posées habituellement. Nous avons insisté sur ses débuts parisiens, ses promenades en vélo dans la capitale, ses relations avec l'essayiste-cinéaste-romancière Nicole Vedrès ou la monteuse Myriam, ses échanges avec André Bazin, nous apprenons l'intérêt de Resnais pour la série télévisuelle « Millennium », mais aussi quel a été le lieu de tournage de Providence ou comment le cinéaste a dialogué avec l'acteur japonais de Hiroshima mon amour via Tchekhov - » (Suzanne Liandrat- Guigues/Jean-Louis Leutrat). L'ouvrage se clôt par une filmographie et une bibliographie.
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Allan Dwan, La Légende De L'Homme Aux Mille Films

de Collectif

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 Le nom d'Allan Dwan a longtemps circulé à la manière d'un sésame pour le monde un peu secret des cinéphiles. Le monde se partageait entre ceux qui avaient vu les films d'Allan Dwan, comme une forme d'expérience initiatique et en restaient à tout jamais marqués, et les autres. Allan Dwan est le dernier des grands maîtres du cinéma américain, ses grands succès publics datent d'avant-guerre et circulent peu dans les salles mais beaucoup dans les écoles de cinéma et les festivals, et de plus en plus à la télévision. Né au XIXe siècle, entré dans le cinéma à ses tous débuts en 1909, sa fécondité est devenue légendaire puisqu'on lui attribue la réalisation de quelque 1 000 films réalisés sur plus d'un demi-siècle, le dernier d'entre eux Most Dangerous Man Alive datant de 1961. Dwan lui-même fixe à 400 le nombre de bandes, souvent d'une à deux bobines, qu'il réalisa de 1909 à 1913. Giffith lui demande, en 1915 de venir travailler avec lui. Il s'adapte avec bonheur au parlant, expérimente le cinéma en couleur, rien n'arrête l'incroyable diversité de son parcours ; il explore tous les genres. Il tourne avec les plus grands acteurs et en révèle plus d'un : Robin des Bois ou Le Masque de fer avec Douglas Fairbanks, What a Widow ! avec Gloria Swanson, Heidi avec Shirley Temple, Iwo Jima avec JohnWayne, La Reine de la prairie avec Barbara Stanwyck et Ronald Reagan... A partir de 1946, Dwan réalise des films de série B à tout petit budget pour les studios Republic. En 1954, il rencontre Benedict Bogeaus, producteur avec qui il signe sans doute ses meilleurs films : Silver Lode et Tennessee's Partner. Ce sont justement ces westerns des années 50 qui lui vaudront la notoriété en France. L'ouvrage, dirigé par Giorgio Gosetti, avec la collaboration de Charles Tesson, édité à l'occasion d'une rétrospective des films d'Allan Dwan au Festival de Locarno se propose de confronter les points de vue de critiques américains et français. Si les historiens américains connaissent bien l'apport de Dwan au cinéma muet, et aux comédies de Hollywood, les Français érigent Dwan en maître de la mise en scène et savent dégager la singularité de son parcours d'auteur au sein de l'industrie des studios. Entretien avec Allan Dwan, par Peter Bogdanovich. Textes de Kewin Brownlow, David Robinson, Michael Wilson, Kent Jones, Jean-Claude Biette, Jacques Lourcelles, Jean-Loup Bourget, Charles Tesson, Giorgio Gosetti, Bill Krohn. Filmographie par Pierre Guinle.
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Catherine Breillat ; Indécence Et Pureté

de Claire Clouzot

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 " Je suis violemment puritaine. Seulement, je n'ai pas froid aux yeux non plus. J'ai envie de filmer des choses qui me font peur à moi-même, et qu'en même temps je trouve extrêmement délicieuses. Si on n'est pas puritain, il n'y a pas d'excitation. Il faut que je sois puritaine pour faire ces films-là ! " Catherine Breillat. C'est avec Romance, en 1998, que Catherine Breillat est reconnue comme un auteur dans le paysage du cinéma français. Entourée d'un parfum de scandale et de frivolité, elle est longtemps restée à l'écart, cinéaste sans importance. Et pourtant depuis son premier film en 1976 jusqu'à Anatomie de l'enfer en 2004, se dessine une ?uvre, un cycle de 10 films, qui progresse au rythme de plus en plus explicite du franchissement des tabous. D'abord tentant mais lointain (Une vraie jeune fille), le sexe omniprésent entraîne ses héroïnes comme sur un manège (Tapage nocturne), puis il torture et tue (Parfait amour !, A ma s?ur !). Chez Breillat, les jeunes filles se ressemblent; sorties des années 60, Anaïs, Elena, Marie, Solange ont la peau très blanche, sont noires de cheveux, pointues du soulier, à la fois obscènes et séraphiques. Elles ne pensent qu'à l'amour, réclament du sexe et se voilent la face à la fois. Déjà perverses, elles sont immaculées ; leur contradiction fait le sel des films de Breillat. Son univers est reconnaissable entre tous, elle écrit seule tous ses scénarios. D'ailleurs, c'est comme écrivain qu'elle a débuté, dès l'âge de seize ans" et elle continue à écrire des scénarios pour les autres tout au long des années 80. Vu la cohérence de l'auteur Breillat, écrire un ouvrage sur la mise en scène de son " décalogue " est au fond une entreprise qui tient de l'évidence. Catherine Breillat filme parce qu'elle ne peut s'arrêter de travailler sur, " ce qui la travaille ", elle écrit et filme, filme quand elle a écrit et écrit quand elle a fini un film. Un abécédaire, regroupant thématiquement les propos de Catherine Breillat, d'Adolescence à Virginité, ainsi qu'une filmographie, complètent l'analyse de Claire Clouzot.
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Mikio Naruse ; Les Temps Incertains

de Jean Narboni

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 Des grands maîtres du cinéma japonais comme Ozu, Mizoguchi, Kurosawa, c'est Mikio Naruse qui reste à ce jour le moins connu du public occidental. Pourtant Ma femme sois comme une rose, fut élu meilleur film de l'année au Japon en 1935, et le premier film parlant japonais distribué aux USA ; Pourtant encore, La Mère, sorti en France en 1954, a toujours été répertorié dans les catalogues des ciné-clubs comme l'un des fleurons du cinéma japonais. Mais il faudra attendre les années 80 pour voir reconnu Naruse comme un grand auteur, et une rétrospective à la Cinémathèque française en 2001, pour voir le cinéaste définitivement consacré. Il réalise ses premiers films muets - en 1930 pour la major company japonaise la Sochiku et sa carrière prolifique se termine en 1967 avec Nuages épars, il travaille alors pour l'autre grande major company, la Toho. Nuages flottants, son film aujourd'hui le plus connu, est l'un de ses six films adaptés des livres de la célèbre romancière Fumiko Hayashi avec l'oeuvre de laquelle il entretient une véritable complicité.L'auteur nous permet non seulement de resituer Mikio Naruse dans le cinéma japonais, et particulièrement par rapport à Ozu auquel il fut souvent comparé, mais plus globalement dans l'histoire du cinéma mondial, en construisant des ponts audacieux avec des cinéastes comme Dreyer, Bergman, Antonioni, Truffaut. Pour mieux analyser son style et sa mise en scène, Jean Narboni nous entraîne sur les pas de Tchekov pour l'éthique de ses personnages, et de Schubert pour son tempo. « Le naturel comme qualité de la forme, la sensation du temps de ce qui ne cesse de passer comme effets d'un art du récit si peu voyant qu'on l'a longtemps tenu pour facile : c'est à ces deux constantes que son cinéma doit sa continuité et a tenue. A entendre musicalement et moralement. » Par cet ouvrage, et à l'encontre des idées reçues, Jean Narboni restitue à Mikio Naruse, la place qui lui est due, auprès des plus grands cinéastes du XXè siècle.
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Pendez Moi Haut Et Court... Et Autres Chroniques Sur Le Film Noir

de Barry Gifford

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 Barry Gifford est un auteur connu en France de tous les amateurs de romans noirs. Sa notoriété est plus grande encore depuis que certains de ses héros sont devenus des personnages de cinéma, à l'instar de Sailor, Lula ou Perdita Durango. Ces chroniques de cinéma, pour la plupart écrites pour un magazine de San Francisco, Mystery Scene, sont autant de récits noirs d'une Amérique qu'il connaît bien, et qui est aussi celle de ses propres fictions. A tel point que son écriture glisse parfois sans transition de l'anecdote biographique à la scène de film, à tel point que les copains de son quartier de Chicago, les " affranchis ", peuvent à tout instant se transformer en gangsters d'Anthony Mann. Non décidément, le regard de Barry Gifford n'est pas celui d'un critique de cinéma, même s'il avoue d'emblée une dette imaginaire envers les Cahiers du cinéma des années 50 ; c'est davantage celui d'un spectateur intuitif qui repère la quintessence du film noir dans toutes ces histoires que raconte le cinéma. Sous sa plume, c'est toute la violence des villes américaines qui surgit, habitées de méchants inhumains, de héros tentés par le diable et rattrapés in extremis par la morale, de filles vénales, de femmes fatales, de flics corrompus, de rebelles impuissants, de ratés au c?ur sensible, incarnés par les figures des plus grands acteurs américains, Humphrey Bogart (Les Passagers de la nuit), Robert Mitchum (Pendez-moi haut et court), James Cagney (Les Anges aux figures sales), Kirk Douglas (Le Champion), Edward G. Robinson (La Rue rouge), Ida Lupino (La Femme aux cigarettes), Barbara Stanwyck (Assurance sur la mort), Gene Tierney (Laura). Ce ne sont pas les chefs-d'?uvre que Barry Gifford recherche au fil de ses articles, mais les films qui montrent les multiples épisodes de l'affrontement entre le bien et le mal, dont une force supérieure, un jour, a décidé que le lieu serait l'Amérique, et Hollywood le témoin.
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Voyage De Martin Scorsese À Travers Le Cinéma Américain

de Martin Scorsese e Michael Henry Wilson

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 Martin scorsese fait ici le récit illustré de son voyage personnel dans l'histoire du cinéma américain. Cet itinéraire d'un cinéaste-cinéphile est celui de sa propre formation, et il ne suit pas, loin s'en faut, les chemins balisés par les historiens du cinéma. scorsese parle des " films de sa vie " - oeuvres prestigieuses des grands metteurs en scène issus des major compagnies, ou séries "b", ces films de genre sous-évalués ou carrément oubliés du grand public. il souhaite ainsi jouer le rôle de guide, avec cette idée forte qu'il faut transmettre un certain héritage aux jeunes générations. Ce qu'il célèbre ici, c'est le cinéma et la mise en scène : les cinéastes qui ont su utiliser à plein les potentialités de cet art. Le fil conducteur de scorsese est en fait l'analyse des moyens de subversion que les cinéastes ont su utiliser pour pouvoir travailler au sein du système des studios tout en parvenant à préserver l'intégrité de leur art. Parmi les films phares, duel au soleil (king vidor), les ensorcelés (vincente minnelli), la prisonnière du désert (john ford), impitoyable (clint eastwood), la grande évasion (raoul walsh), scarface (howard hawks), le lys brisé (david w. Griffith), shock corridor (samuel fuller), la féline (jacques tourneur), l'enfer de la corruption (abraham polonsky) et faces (john cassavetes). Et c'est la voix de scorsese, sa propre vision, qui résonne tout au long de ce livre : " de jeunes metteurs en scène me demandent souvent: "pourquoi devrais-je aller voir de vieux films ? " j'ai réalisé un certain nombre de films, ces vingt dernières années, et la seule réponse que je peux leur faire est celle-ci : "je me considère encore comme un étudiant. Plus je fais des films, plus je réalise que je ne sais pas grand-chose. et je cherche toujours l'oeuvre ou l'homme qui m'apprendra davantage. je dis aux jeunes réalisateurs et aux étudiants : faites ce que faisaient les peintres d'antan. etudiez les vieux maîtres. enrichissez votre palette. elargissez votre gamme. il reste encore tant à apprendre. " ".
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Luis Bunuel

de Charles Tesson

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 J'ai toujours été du côté de ceux qui cherchent la vérité, mais je les quitte lorsqu'ils croient l'avoir trouvée. C'est ainsi que buã±uel, homme de toutes les aventures, intellectuelles, artistiques et politiques, a accompagné pas à pas le siècle en faisant des films. s'il est facile de voir dans son oeuvre le moment oú elle colle à son temps (le surréalisme), adhère aux grands courants de pensée (l'engagement communiste) et à des formes préétablies (le cinéma commercial mexicain), il est plus difficile de sentir ce moment oú luis buã±uel, tel nazarin se méfiant du mensonge des institutions et de l'hypocrisie de son époque, s'extrait du moule esthétique et politique de l'air du temps dans lequel il s'est glissé afin de poursuivre sa route en solitaire, ni vu, ni connu. Plus que nul autre cinéaste, luis buã±uel a peint inlassablement l'homme sous toutes ses coutures. cet animal social pas toujours sociable, buã±uel, fin architecte de l'homme, l'a filmé en plan et en coupe, afin d'éprouver le degré de résistance des divers matériaux qui le composent. tout le monde peut se reconnaître dans un de ses films, y déceler un travers familier, en avoir peur ou avoir le courage et l'honnêteté d'en rire. Soit cinéma a permis à chacun, avec une facilité hors du commun, de réaliser tout ce qu'il peut en attendre : lui montrer ce dont l'homme est capable, le réfléchir, en acte, en pensée. il a accompli cette chose en apparence bien ordinaire, en construisant une oeuvre unique, qui n'a plus son pareil aujourd'hui. beau paradoxe, comme il les aimait, qui ne demande qu'à être éclairci.
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Maurice Pialat

de Joel Magny

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 Le succès tant critique que public remporté par van gogh vient confirmer la place de maurice pialat dans le cinéma français : l'une des toutes premières. A travers le déchirement de ses personnages, en proie à une souffrance venue de si loin qu'on ne peut plus en retrouver l'origine, joël magny suit le fil conducteur d'une oeuvre qui refuse de se laisser figer dans une image définitive : l'enfance nue, la maison des bois, nous ne vieillirons pas ensemble, la gueule ouverte, passe ton bac d'abord, loulou, a nos amours, police, sous le soleil de satan. Les couples se déchirent et accusent les coups, les familles éclatent pour se reconstituer en tribus, les enfants se voient privés de leur enfance même, les prêtres doutent de leur vocation. mais jamais les personnages de pialat ne renoncent à chercher, dans l'amour, dans la foi, dans l'art, dans la beauté du monde, une raison de lutter contre la tentation du désespoir. l'art de maurice pialat : l'émotion pure révélée à la lumière d'une exigeante morale de cinéaste, douleur et tendresse dans un même mouvement, un même film, un même regard.
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La Toile Trouee : La Parole Au Cinéma

de Michel Chion

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 Après " La voix au cinéma " et " Le son au cinéma ", Michel Chion poursuit dans ce troisième volet " La toile trouée " son exploration du cinéma comme art sonore, symphonie audio-visuelle mêlant des " textes " à des simulacres sonores et visuels. Il s'oppose en cela à la conception classique qui fait du cinéma un art purement visuel, que le son serait venu abâtardir. Le livre bouscule cette idée reçue selon laquelle le son au cinéma ne serait qu'une reproduction neutre du réel, en explorant les conventions et les mécanismes du rendu sonore. L'auteur s'attache également à l'étude du texte et de la parole, qui tiennent au cinéma une place centrale, au-delà des dialogues. Le cinéma parlant est envisagé dans son histoire et son évolution, confronté à d'autres médias aînés ou rivaux : la radio, la télévision, la vidéo, le clip. En prenant appui notamment sur l'?uvre de Chaplin, Welles, Fellini ou Tarkovski, cet essai trace l'esquisse d'une ontologie du cinéma parlant, défini comme " art concret ", d'essence duelle et contradictoire, qui porte en lui le code et la sensation, le verbe et la matière, le langage et le monde.
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L'Enluminure Médiévale

de Otto Pächt

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 L'enluminure tient tout ensemble de l'expérience visuelle et de la quête spirituelle. Elle a trouvé en Otto Pächt un analyste incomparable. Dans ce livre, qui concentre quarante années de recherches, l'auteur commence par affirmer le caractère autonome de l'enluminure - forme majeure de l'histoire de l'art, tout comme la peinture de chevalet ou la fresque. L'enluminure n'est pas «une grande peinture à échelle réduite» ; elle relève du grand art. Examinant méthodiquement les deux cent quarante-deux illustrations - pour la plupart peu connues - reproduites dans l'ouvrage, Otto Pächt montre comment les représentations du monde extérieur, les signes sacrés (monogrammes, symboles), la configuration des lettres (jambages, hampes, panses, ligatures) et les constituants picturaux (surface, bordure, couleur, texture) se conjuguent dans l'espace du livre - lequel est à la fois réceptacle de la Parole et lieu de l'émotion du fidèle. Pour Otto Pächt, l'image médiévale ressortit à la «pensée visuelle» : au-delà de son message narratif, elle pense par elle-même, elle fait sens par sa structure, ses tensions, ses apories, ses transgressions. En quoi elle interroge le statut de l'image en général, fût-ce l'image moderne.
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Abel Ferrara

de Nicole Brenez

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 C'est lorsqu'Abel Ferrara vient présenter Bad Lieutenant au Festival de Cannes en 1992 qu'il acquiert sa notoriété sulfureuse de provocateur. On peut situer l'oeuvre de ce cinéaste culte au carrefour du cinéma d'auteur, de la production industrielle et de la contre-culture underground. Il débute à New York à la fin des années 70 dans le cinéma de genre, part à Hollywood réaliser des séries télé, puis alterne des films en tant que réalisateur indépendant et productions de studio depuis les années 90. Abel Ferrara poursuit aujourd'hui le programme que Rossellini s'était fixé : rendre compte du mal dans le monde contemporain. Il explore les puissances du cinéma dans la lignée de cinéastes comme Cassavetes, Pasolini ou Fassbinder. Qui pourrait mieux remettre à l'ordre du jour les vieilles questions de la croyance, de la justice ou de l'amour, sinon ses personnages de criminel mélancolique, policier paranoïaque ou vampire drogué, interprétés par des icônes tels Harvey Keitel, Christopher Walken, Willem Dafoe, Madonna, Juliette Binoche ou encore Asia Argento ? A travers des films comme King of New York, Snake Eyes, Body Snatchers, Nos funérailles ou Mary, il travaille le récit cinématographique comme un pamphlet sur la société américaine dans ses côtés les plus obscurs. Il filme comment la politique, l'économie, la maladie mentale affectent le corps-même des individus, drogués, alcooliques, en proie à la fureur, à la douleur, en quête d'un projet sublime qui les tue. Plutôt tout détruire que se résigner, plutôt mourir que se réconcilier. Entre hurlement enragé et amour fou, l'oeuvre de Ferrara porte la marque des plus grands qui ouvre sur une vision critique du monde.
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Hou Hsiao-Hsien

de Collectif

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 Chef de file de la Nouvelle Vague taiwanaise apparue au début des années 80, Hou Hsiao-hsien s'est affirmé depuis comme l'un des grands cinéastes contemporains. Notamment récompensé d'un Lion d'or au Festival de Venise 1989 pour La Cité des douleurs, il connaît en Occident un succès croissant, confirmé par l'accueil réservé l'an dernier aux Fleurs de Shanghai. Construit collectivement sous la direction de Jean-Michel Frodon, cet ouvrage est composé d'essais consacrés à l'oeuvre de Hou Hsiao-hsien, son inscription dans l'histoire du cinéma, son rapport aux arts chinois, à l'histoire de son pays. Le cinéaste a accordé, à Tapei, un long entretien inédit à Emmanuel Burdeau des Cahiers du Cinéma, où il raconte son enfance, la genèse de son cinéma, analyse chacun de ses films, et parle de ses projets. Les textes sont rédigés par des auteurs français pour la plupart, mais également taiwanais, japonais et américain, afin d'offrir l'approche la plus ouverte de cette oeuvre reconnue dans le monde entier. L'ouvrage est complété par une étude critique de chacun des films de Hou Hsiao-hsien.
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Interpretation Diagraphique Du Reservoir D'Hydrocarbure - Reservoirs Cambro-Ordovicien *Interpretati

de Khemissi Chamekh

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Acteurs

de Collectif

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Sur Le Point De Savoir

de Pierre Boismenu

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Architecture Des Lieux De Chasse En Gironde

de Collectif

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Dialogues D'Images

de Hervé Guibert

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Le Grand Théâtre De Bordeaux

de Collectif

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Ode À La Poésie

de Mathieu Bénézet

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Images Latentes

de Marie-Jeanne Tomasi

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