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Sur La Question Noire Aux Etats-Unis

de C. L. R. James

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 - Les racines révolutionnaires de la lutte de la communauté noire aux États-Unis. - Une formulation précoce et inédite des questions de race et de classe.
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La Sauce Était Presque Parfaite : 80 Recettes D'Après Alfred Hitchcock

de Collectif

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 Alfred hitchcock était le fils d'un épicier en gros de l'est londonien, et lui-même un bon vivant amateur de bonne chère, ce dont témoignent autant les photographies de ce légendaire metteur en scène que le contenu de ses films. De ses premières oeuvres anglaises aux grands chefs-d'oeuvre de la période américaine : marnie, les oiseaux, complot de famille, hitchcock n'a cessé de faire référence à la gastronomie. le rituel même des repas est souvent associé à l'action du récit : ainsi le fameux dîner chez la romancière sedbusk dans soupçons, le repas de famille dans jeune et innocent, le pique-nique face à la principauté de monaco dans la main au collet, l'acharnement du policier de frenzy sur une volaille trop cuite. Les biographes du très gourmand alfred ont relaté avec abondance son appétit pour la cuisine bourgeoise française comme pour les rituels anglais (les soles de douvres, les " pies ", etc. ) puis son assiduité aux bonnes tables de hollywood : chasen's et romanoff notamment. cet ouvrage mêle le récit, par françois rivière, de la vie et de l'oeuvre d'alfred hitchcock du point de vue des nourritures terrestres, et les recettes retrouvées par anne martinetti au fil de scènes mémorables des films, recomposées pour réaliser soi-même les bons petits plats du maître du suspense. Il est organisé géographiquement de londres à la côte ouest des etats-unis, en passant par new york, avec quelques voyages dans le monde. de gourmandes soirées hitchcock entre amis en perspective !.
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Le Cinéma Hollywoodien

de Garson Charlott

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 Lieu de la naissance de l'industrie cinématographique, Hollywood est aussi devenu un modèle esthétique, celui du cinéma classique, avec ses conventions narratives (le happy end, le flash back) et ses figures incontournables (le producteur, le directeur de studio, l'art director). C'est donc à la fois comme « usine à rêves » où règne une stricte division du travail et comme tradition cinématographique qui a influencé tout le cinéma mondial que cet ouvrage se propose d'aborder Hollywood. Ce Petit Cahier constitue un complément à l'option « Cinéma et audiovisuel » des lycées, qui comprend La Mort aux trousses d'Alfred Hitchcock. Comment la machine hollywoodienne se met-elle en branle dès le stade du développement des scénarios, comment tourne-t-on en studio ? Quels studios (MGM, Universal...) ont joué un rôle majeur dans l'histoire du cinéma ? Quel rôle avait le réalisateur dans cette hiérarchie ? Et surtout : Comment une telle répartition des rôles a-t-elle pu donner naissance à la fois à de simples produits de série et à des chefs-d'oeuvre ?
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La Critique De Cinéma

de Frodon Jean Mic

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 François Truffaut disait : " Tout le monde a deux métiers : le sien et critique de cinéma. " Voir des films et aimer en parler avec passion est une manifestation répandue de l'esprit critique de tout un chacun. Quelle serait alors la spécificité du travail du critique ? Jean-Michel Frodon, critique de cinéma depuis de nombreuses années, met ici en évidence les enjeux de cette activité, son inscription dans le cadre des médias, et surtout l'importance de l'écriture. Il décrit comment s'effectue concrètement le travail du critique, des projections de presse à la salle de rédaction, dans les revues de cinéma comme dans les journaux, à la radio et à la télévision comme sur Internet. Du journalisme à la littérature, entre sollicitations promotionnelles et tentation du guide à la consommation, la critique fascine et irrite à la fois. Elle tire sa noblesse de l'expression d'un avis personnel, inspiré par des émotions qui nourrissent une réflexion offerte en partage. Héritière de la critique d'art née sous les auspices de Diderot et de Baudelaire, la critique de cinéma possède, en France, une histoire particulièrement riche, retracée ici. Ses engagements esthétiques, son dialogue avec les créateurs ont suscité de nombreux mouvements artistiques, du " Cinéma d'art " des années 20 à la Politique des auteurs et la Nouvelle Vague dans les années 60. Une comparaison avec les situations dans d'autres pays permet de mieux en apprécier la spécificité. Un florilège de textes représentatifs des grands critiques, du début du XXe siècle à aujourd'hui complète l'ouvrage.
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La Mort Aux Trousses

de Stéphane Du Mesnildot

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 La Mort aux trousses. Stéphane du Mesnildot. La Mort aux trousses (North by Northwest), grand classique du cinéma américain réalisé en 1959 par Alfred Hitchcock avec Cary Grant et Eva Marie Saint sur une partition musicale originale de Bernard Herrmann, sera au programme de l'option musique du baccalauréat en 2008 et au programme de l'option cinéma du baccalauréat en 2009. Stéphane du Mesnildot est l'auteur d'un ouvrage sur Jess Franco paru en 2004 aux Editions Rouge Profond. Il collabore régulièrement à plusieurs revues : Le Technicien du film, Simulacres...
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Hiroshima, Mon Amour

de Luc Lagier

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 Hiroshima mon amour. Luc Lagier. Des corps de pierres, des corps en cendres, des corps en feu, des corps en sueur. Une voix venue de nulle part qui récite : " Tu n'as rien vu à Hiroshima. Rien "... Hiroshima mon amour vient de commencer et immédiatement, quelque chose semble avoir changé. Dès son ouverture, le premier long métrage d'Alain Resnais se place sous le signe de l'entrelacement et de la fusion. Fusion de corps martyrs, brûlés par la chaleur et les radiations, et de corps lumineux, brûlés par la passion amoureuse, fusion d'une tragédie de la grande Histoire et d'une petite histoire " de quatre sous ", fusion d'images qui s'enlacent en de longs fondus enchaînés... A la sortie d'Hiroshima mon amour en juin 1959, admirateurs et détracteurs se rejoignent sur un point : la nouveauté du ton cinématographique et littéraire inventé par Alain Resnais et Marguerite Duras. Lors d'une table ronde publiée dans Les Cahiers du Cinéma, Jean-Luc Godard évoque un film " qu'on était dans l'incapacité de prévoir par rapport à ce que l'on savait déjà du cinéma ", tandis qu'Eric Rohmer décrit Resnais comme " le premier cinéaste moderne du cinéma parlant ". Imprévisible, novateur, précurseur, Hiroshima mon amour ouvre une nouvelle brèche, creuse une voie inédite dans le cinéma mondial, lequel ne semble dès lors plus pouvoir se concevoir comme avant. A l'aube des années 60, Hiroshima mon amour est ainsi l'un des grands films charnières de l'Histoire du cinéma, à la croisée d'un certain cinéma dit classique, et d'une modernité cinématographique dont Resnais sera l'un des représentants les plus emblématiques. Hiroshima mon amour est au programme de l'option cinéma du bac 2008. Ancien rédacteur en chef de l'émission Court circuit sur ARTE, Luc Lagier est le co-auteur de Mythes et Masques : les fantômes de John Carpenter (Editions Dreamland, 1998) et l'auteur de Les Mille Yeux de Brian de Palma aux éditions Dark Star (2003).
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Histoire Et Cinéma

de Antoine de Baecque

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 Histoire et cinéma. Antoine de Baecque. La question du rapport du cinéma avec l'histoire de son siècle, de sa fusion dans cette histoire (ou vice-versa), n'a pas attendu longtemps pour être posée : dès les années 1900, l'idée que l'histoire pouvait être représentée par le cinéma - mieux même : incarnée - a été avancée par des films, des spectateurs, des historiens. C'est en cela que le cinéma donne forme à l'histoire, mais avec ses propres armes, comme le roman a été la forme du XIXe siècle : il fait événement (pas une grande date de ce siècle qui ne soit, aussi, cinématographique) et il s'offre comme la boîte à outils du siècle. Depuis, il s'agit en quelque sorte de répondre à des questions d'histoire avec des films sans pour autant dissoudre ni l'histoire ni les films dans une conception purement illustrative des rapports entre cinéma et histoire. Tout travail sur "Cinéma et Histoire" s'insère dans ce processus de relais de l'histoire par le cinéma, et du cinéma par l'histoire. Ce livre se penchera ainsi sur trois manières d'envisager les rapports entre cinéma et histoire : - quand le cinéma se fait reconstitution de l'histoire : films historiques, enquêtes documentaires, montages de documents, - quand l'histoire se fait forme cinématographique en faisant irruption dans la matière même du film (on prendra plusieurs exemples, des années 20 à nos jours), - quand on considère que l'historien et le cinéaste opèrent un travail sur la réalité par certains points homologue, et de fait stimulant : ils l'enregistrent comme document brut et la mettent en scène comme récit narratif ou visuel. Antoine de Baecque est critique et historien du cinéma. Il a été rédacteur en chef des Cahiers du cinéma et a dirigé pendant cinq ans les pages culturelles de Libération. Il est l'auteur d'ouvrages sur Tarkovski, Manoel de Oliveira, Truffaut...
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Clint Eastwood

de Michael Henry Wilson

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 Entretien avec Clint Eastwood. Michael Henry Wilson. En plus de quarante ans, Clint Eastwood est devenu un mythe du cinéma américain. L'acteur des westerns spaghetti de Sergio Leone, le " dirty Harry " de Don Siegel est devenu, au fil du temps, un réalisateur respecté, puis un immense cinéaste, adulé en Europe où il a obtenu le statut de classique. Ami d'Eastwood depuis plus de vingt ans, Michael Henry Wilson a pu, film après film, recueillir les propos du maître, dans des entretiens qui cernent au plus près l'art du cinéaste et dessinent, touche après touche, la personnalité d'un homme dont l'image a considérablement évolué. De l'acteur mythique du Bon, la Brute et le Truand, aux premiers chefs d'oeuvre comme Honkytonk Man et Pale Rider, des films de la consécration (Impitoyable, Sur la route de Madison, Minuit dans le jardin du bien et du mal) aux réalisations crépusculaires de ces dernières années (de Mystic River à Lettres d'Iwo Jima), le questionnement familier et exigeant de Michael H. Wilson permet à Eastwood de dévoiler une part de son secret. Magnifiquement illustré de photos de films, de tournage, de portraits et de documents biographiques rares et inédits, ce livre est la somme sur Eastwood. Michael Henry Wilson est né et a grandi à Paris. Cinéaste, historien du cinéma, collaborateur de la revue Positif depuis trente ans, il a publié, notamment, Le Cinéma expressionniste allemand, Voyage de Martin Scorsese à travers le cinéma américain, Raoul Walsh ou la saga du continent perdu... Il vient de réaliser un documentaire sur Clint Eastwood intitulé Clint Eastwood, le franc tireur.
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Conversations Avec Pedro Almodovar

de Frédéric Strauss

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 Conversation avec Pedro Almodovar. Entretiens avec Frédéric Strauss. Nouvelle édition augmentée. En 1989, Femmes au bord de la crise de nerfs sortait en France et attisait la curiosité pour un réalisateur de comédies très espagnoles et très originales : Pedro Almodóvar. D'un film à l'autre, de l'effet de surprise à la consécration, le chemin parcouru est grand. Il est aussi très personnel. Des femmes au bord de la crise de nerfs aux femmes en pleine crise de larmes de Tout sur ma mère, se raconte l'histoire d'un cinéaste qui a su imposer un univers fort, très repérable, et nous y entraîner avec une liberté qui, justement, bouleverse les repères. De l'écriture du scénario au choix du générique, Almodóvar est l'auteur complet de ses films. Sa " griffe " est particulièrement sensible dans la conception des décors, où l'on retrouve toujours une variation, plus ou moins marquée, sur cette inspiration pop et kitsch devenue, peu à peu, un véritable style Almodóvar. Tout au long de ses entretiens avec Frédéric Strauss, la parole du cinéaste se déploie librement, rompant avec les limites de l'interview pour varier les discours. Évocation de souvenirs d'enfance, explication technique d'une scène, récit d'un scénario jamais filmé, commentaire amoureux et cinéphilique de films fétiches, interprétations personnelles de la signification d'un objet, d'une image, d'un personnage... Cette nouvelle édition sera augmentée d'un chapitre d'entretien sur Volver, le dernier film de Pedro Almodóvar, véritable succès critique et public. Frédéric Strauss, ancien rédacteur en chef adjoint des Cahiers du cinéma, est scénariste et critique de cinéma. Il est également journaliste à Télérama.
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Le Burlesque

de Philippe Tesse

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 Le burlesque est en effet un genre cinématographique adapté du vaudeville et typique de l'ère muette. Il fait rire grâce à un comique de l'absurde et de l'irrationnel. Des événements extraordinaires ne cessent de faire irruption sans raison dans le quotidien. Le burlesque s'appelle aussi slapstick, littéralement « coup de bâton ». Le gag repose alors sur un comique physique : il montre des chutes, des bagarres, des poursuites, des chocs... Une approche historique permet d'affiner l'étude du genre, dont le socle est le gag. De mesurer aussi son évolution, depuis le « slapstick » - qui désigne un type de comique centré sur certaine violence et l'exagération de tous mouvements - et les formes plus sophistiquées des longsmétrages de Chaplin et Keaton dans les années 1920-1930, jusqu'aux poursuites de ces motifs dans le cinéma parlant. Toutefois, cette perspective historique n'épuise pas la question de la définition du burlesque, qui demande une réponse sur un autre plan : si le burlesque est un genre basé sur les gags visuels, c'est-à-dire sur des actions, il reste à interroger la série d'éléments qu'il met en jeu (corps, objets, lieux, etc.), et surtout à éclairer ce qui détermine ces actions. Qu'est-ce qui produit un gag ? A quel problème répond-il ? Quelles leçons en tirer ? Avec pour horizon une idée à formuler et défendre - l'ébauche d'une morale des gestes - on parcourt un siècle de cinéma comique pour découvrir quel dialogue avec le monde et les hommes s'invente dans ce mot curieux : burlesque. Jean-Philippe Tessé est né en 1977. Il est membre du comité de rédaction des Cahiers du cinéma, responsable de la rubrique cinéma sur le site et de la revue Chronic'art, co-sélectionneur de la compétition documentaire du Festival des 3 Continents de Nantes. Il a participé aux ouvrages collectifs suivants : Hou Hsiao-hsien (Editions des Cahiers du cinéma), Erice/Kiarostami, correspondencias (CCCB, Barcelone).
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Le Cinéma Chinois

de Jean-Michel Frodon

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 Un nouveau venu récent. Films d'action aux inventions visuelles ébouriffantes, bastion du cinéma d'auteur contemporain, ressource en stars mondiales comme en récits singuliers, le cinéma chinois a aujourd'hui conquis droit de cité à part entière sur nos écrans. Au cours des quinze dernières années, des Chinois ont gagné toutes les grandes récompenses internationales. Ce statut est récent, il était même totalement imprévisible il y a un quart de siècle. Existant depuis plus de cent ans, riche d'une histoire longue et complexe, le cinéma chinois est resté longtemps quasiment ignoré des spectateurs occidentaux, à l'exception de quelques rares spécialistes. En outre, la première reconnaissance de films chinois n'est pas passée par les cinéphiles, les festivals, la critique, mais par l'importation d'un genre populaire, dans le courant des années 70 : les films de kung-fu, qui allaient donner naissance à la première star internationale chinoise, Bruce Lee. Un cinéma chinois, des cinémas chinois : Il y a bien un cinéma chinois : il existe un monde chinois, une culture chinoise, ce que reflète le cinéma qui en est issu. Et, simultanément, il y a quatre cinémas chinois : ceux de Chine continentale, de Hong Kong, de Taiwan et de la diaspora chinoise. Les noms de Zhang Yi-mou, de Jia Zhang-ke, de Wong Kar-wai, de Hou Hsiao-hsien et d'Ang Lee incarnent, aujourd'hui, la diversité de cet ensemble marqué par les grandes tempêtes de l'histoire du XXe siècle. Une approche historique et artistique : Le Petit Cahier Le cinéma chinois présente les principaux repères historiques de cette histoire complexe : comment, à partir du « tronc commun » des quarante ans premières années se sont développées les « générations » successives en Chine continentale, par delà la catastrophe de la Révolution culturelle, et se sont constituées la puissante industrie hongkongaise et l'inventif cinéma d'auteur taiwanais. Ce livre à vocation pédagogique met aussi en évidence les principaux traits stylistiques du cinéma chinois, leurs relations avec la culture chinoise, les raisons de la récente reconnaissance internationale de ce cinéma, en se référant surtout à quelques figures marquantes de cette étonnante aventure. Jean-Michel Frodon est directeur de la rédaction des Cahiers du cinéma après avoir été longtemps responsable de la rubrique cinéma du quotidien Le Monde. Bon connaisseur du cinéma chinois, il en a suivi, au cours de multiples voyages et de nombreuses rencontres avec les protagonistes, les évolutions depuis vingt ans. Il a notamment dirigé un ouvrage collectif consacré à Hou Hsiao-hsien (Cahiers du cinéma, 2005)
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Le Décor Au Cinéma

de Francoise Puaux

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 Poursuivant leur série sur les principaux paramètres nécessaires à la réalisation d'un film, les Petits Cahiers abordent cette année le décor. C'est souvent par les décorateurs que le cinéma s'est ouvert aux influences artistiques de son temps : la peinture, l'architecture... Si l'âge d'or du décor coïncide avec celui des grands studios, et contrairement aux idées reçues, le travail des décorateurs a continué à se renouveler quand le cinéma est sorti dans les rues. Il connaît aujourd'hui un renouveau plein de nouvelles promesses, à l'ère du cinéma numérique.
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Le Court Métrage

de Meranger Thierr

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 Le court-métrage recouvre toutes sortes d'initiatives, d'une durée généralement inférieure à une demi-heure. Les plus grands réalisateurs, comme Scorsese ou Godard, se sont illustrés à leurs débuts par des courts-métrages, et c'est sans doute dans les formes courtes que s'élabore la plus grande diversité d'expérimentations novatrices. Dans les écoles de cinéma du monde entier, les étudiants réalisent des films de courte durée dans le cadre de leur apprentissage. Il existe aujourd'hui une profusion de moyens techniques bon marché (dont le téléphone portable) qui permettent aux jeunes gens passionnés de cinéma de passer à l'acte avec beaucoup plus de facilité et moins de contraintes extérieures... Un ouvrage qui offre un panorama historique du court-métrage qui commença par être un film muet d'une bobine avant de devenir la première partie d'un programme dans les salles de cinéma. Thierry Méranger apporte une dimension pragmatique à cet ouvrage en exposant comment, aujourd'hui en France, on peut produire un court-métrage, avec quels moyens, en s'appuyant sur quels réseaux, quelles subventions, et comment il est possible d'accéder à une diffusion en salle, en festival ou télévisuelle.
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Théâtre Et Cinéma

de Charles Tesson

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 Le dialogue entre le théâtre et le cinéma débute avec l'invention du cinéma lui-même et connaît un spectaculaire développement avec le cinéma parlant. Le cinéma a trouvé dans le théâtre un répertoire de situations et un modèle de dramaturgie, un art du jeu d'acteur, du décor et de la mise en scène. L'exemple de La Règle du jeu de Jean Renoir permet de développer concrètement cette problématique. En passant des scènes de la représentation théâtrale, où chacun des personnages joue sa partition, aux scènes d'extérieur où le jeu de rôles les confronte à des déterminations sociales bien plus tangibles, la mise en scène du cinéaste expose les enjeux esthétiques spécifiques au cinéma : son attrait pour la réalité capté par la caméra au tournage, et tous les pièges de ses faux-semblants, attachés à tout art de la représentation. Ce débat est sans doute une passion bien française. Dans le cinéma français, le rôle du théâtre est redoublé par le goût de la parole, de la conversation filmée, et l'apport de dramaturges comme Pagnol ou Guitry, Cocteau... On peut dire aussi que la relation theâtre -cinéma a cristallisé les enjeux critiques et théoriques pour définir et imposer le cinéma en tant qu'art.
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Les Cinémas D'Avant Garde

de Brenez Nicole

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 L'ouvrage se propose de donner les différentes définitions et acceptions du terme d'« avant-garde » ; et ce qui caractérise les avant-gardes cinématographiques en particulier. Il retrace les initiatives formelles les plus marquantes, révolutionnaires, inventives depuis les premiers temps du cinéma. Quelles sont les fonctions, les pratiques et les gestes revendiqués par l'avant-garde internationale ? Il explicite ce que sont encore aujourd'hui les propositions, les dissidences, les formes d'organisation des films qui témoignent d'une réflexion libre, irréductible, qui ne se laisse déterminer ni par l'appareil de production industrialisée, ni par les consignes technologiques ou encore les commandes sociales. À quels critères reconnaît-on une oeuvre d'avant-garde, à l'heure de la Muséification accélérée du cinéma, et où la notion même d'art devient suspecte à certains « artistes » en raison de sa confiscation par les lois du marché ? Il s'agit de prendre quelques repères, de poser les jalons essentiels, de contester les divisions fallacieuses instaurées dans les définitions des cinémas d'avant-garde (par exemple entre cinéma « plastique » et cinéma « politique »), de confronter les initiatives contemporaines aux avant-gardes dites historiques, afin de tracer les caractéristiques et les personnalités d'une histoire aussi riche et brillante que méconnue.
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L'Économie Du Cinéma

de Pierre Gras

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 pour cette initiation à l'économie du cinéma, pierre gras a choisi de partir des expériences concrètes de chaque lecteur, qui est aussi un spectateur de films en salles de cinéma, à la télévision, en dvd ou grâce à la vidéo à la demande sur internet. cette introduction répond de manière vivante et précise aux questions que peut se poser tout amateur curieux des aspects économiques du cinéma, dès qu'il réfléchit à sa place de spectateur au sein d'une industrie culturelle, et qu'il veut également comprendre en quoi la connaissance de l'économie du cinéma permet de mieux connaître l'histoire et l'esthétique du cinéma. un premier chapitre présente les caractéristiques du spectateur, et la salle de cinéma tant du point de vue économique que culturel et social. le deuxième chapitre est consacré à la vie d'un film depuis sa conception chez les auteurs et les producteurs, jusqu'à sa distribution, sa projection publique et sa diffusion sur les nouveaux supports (télévision, dvd, internet). enfin, l'auteur expose les enjeux de l'action de l'etat et des collectivités locales en faveur du cinéma français et de la diversité cinématographique, dans le contexte mondial de domination du cinéma hollywoodien.
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Humphrey Bogart

de Jonathan Coe

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 Après de nombreuses années de théâtre, puis une impressionnante série de seconds rôles de gangsters au cinéma, à l'ombre de James Cagney ou d'Edward G. Robinson, la carrière de Bogart prend sa dimension avec La Grande évasion (Raoul Walsh, 1940). Mais c'est à John Huston que Bogart doit sa métamorphose : Le Faucon Maltais (1941) crée le personnage de Sam Spade, le premier privé moderne, caustique, intransigeant, farouchement indépendant. Casablanca (Michel Curtiz, 1943) lui donne sa dimension romantique. Bogart épouse Laureen Bacall en 1945, à la suite du tournage du Port de l'Angoisse. Déjà considéré comme un mythe, il ne fait qu'accroître son talent, film après film, à mesure que la maturité affirme ses personnages. Du Philip Marlowe du Grand Sommeil à l'alcoolique grincheux devenu héros d'African Queen et à La Comtesse aux pieds nus, Bogart imprime sa marque à son époque. Les photographies reproduites dans l'ouvrage (16 pages) inédites pour la plupart offre un portrait aussi complet que possible de l'homme et de l'acteur, célébrant son charisme inimitable. Jonathan Coe nous livre une biographie de Humphrey Bogart qui ne se contente pas de la fadeur idolâtre, mais nous révèle le personnage dans sa totalité, et trouve le ton juste pour évoquer la grandeur et la misère, le désespoir et la gloire. Jonathan Coe vit à Londres. C'est aujourd'hui l'un des meilleurs romanciers anglais et, en France, le plus célèbre de la nouvelle génération d'écrivains britanniques ainsi que l'atteste le triomphe de Testament à l'Anglaise, la Maison du sommeil ou Bienvenue au club. Il est aussi un cinéphile averti et a travaillé longtemps comme critique de cinéma.
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Orson Welles Au Travail

de Francois Thomas e Jean-Pierre Berthome

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 Ce portrait du cinéaste au travail est celui d'un Welles imprévisible, qui change de méthodes d'un film à l'autre ou au cours d'un même film, pour arriver toujours à un résultat qui frappe par sa rigueur et sa nécessité. Volonté de contrôler le moindre détail ou de déléguer à ses collaborateurs, préméditation méticuleuse ou improvisation dans l'urgence, confiance aveugle en un chef opérateur ou dispersion du travail entre cinq techniciens successifs, Welles est à l'aise dans les extrêmes. C'est aussi un réalisateur d'une exceptionnelle faculté d'adaptation, qui modifie de fond en comble les choix stylistiques d'un film en fonction des conditions de production qui lui sont proposées. De Citizen Kane (1941) à Vérités et mensonges (1973) et Filming Othello (1977), ses méthodes de travail sont exposées ici grâce à des archives européennes et américaines consultées par les auteurs au cours de quinze années de recherches : contrats, moutures provisoires des scénarios, storyboards, maquettes en volume, croquis de décor, plans de travail, rapports quotidie ns de production, mémos, partitions, correspondances... L'ouvrage comporte une abondante iconographie, dont de nombreux documents de travail inédits.
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Le Proces D'Orson Welles

de Jean-Philippe Trias

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 A partir de juin 2003, Le Procès de Franz Kafka et son adaptation cinématographique par Orson Welles sont au programme du baccalauréat de français. Plusieurs ouvrages sur l'oeuvre littéraire sont publiées chez les éditeurs parascolaires mais ne consacrent qu'un mince appendice au film. Les petits Cahiers apportent avec ce titre une analyse qui permet de comprendre à travers un exemple concret le mécanisme de l'adaptation, et ce d'autant mieux qu'ici Welles signe un film très personnel, qui s'éloigne de la lettre et de Kafka pour mieux servir le propos cinématographique.
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Faire Un Film

de Strauss Frederi

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 Après plusieurs « Petits Cahiers » sur les paramètres de base du cinéma, cet ouvrage offre une synthèse de l'ensemble des opérations tant mentales que physiques qui président à l'élaboration et la fabrication d'un film. Trois réalisateurs aux méthodes de travail très différentes serviront de guide : Fellini, Truffaut, Lars von Trier. Fellini : le cinéma de studio, une figure de metteur en scène démiurge (cf. texte dans les documents). Truffaut : le réalisateur romancier (le temps de l'écriture et du tournage se rencontrent, les projets s'écrivent parallèlement). Lars von Trier : le réalisateur-chercheur « Je suis totalement conscient de mon approche scientifique du cinéma ». Formaliste, technicien, représentant d'une certaine avant-garde, d'un détournement de la « grammaire du cinéma », un bouleversement des repères. L'avant-garde d'hier devenant le cinéma d'aujourd'hui (Lars von Trier à propos de The Element of crime, qui était considéré comme marginal mais dont est proche la série des films Alien). Trois cinéastes qui ont aussi un lien fort avec le public. Les mots du cinéma sont toujours un langage de cinéaste (jargon technique) mais aussi de spectateur (outils de description, moyens de rentrer dans la compréhension de la mise en scène et du cinéma comme art et industrie). Intérêt pédagogique de ce choix : beaucoup de documents sur Truffaut, et également sur Fellini et Lars von Trier. Mais pas d'exclusive. Anecdote : Woody Allen évoquant à propos de Maris et femmes son envie de réaliser un film où seul le contenu serait important : « On prend la caméra, on oublie la dolly, on tient la caméra à la main, et on filme comme on peut. D'ailleurs, ne nous faisons pas trop de souci pour la couleur, l'étalonnage, ne nous soucions pas trop du mixage, ne nous occupons pas trop de tous ces actes ultra-précis et contentons de regarder ce qui se passe. Quand on a envie de dire Coupez, coupons ! Ne nous angoissons pas pour les raccords. Faisons comme nous avons envie et oublions tout ce qui ne concerne pas le strict contenu du film » (entretien réalisé par Stig Björkman, cdc 462 décembre 92 ).
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Le Scénario

de Anne Huet

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 Poursuivant son exploration des paramètres fondamentaux du cinéma, les petits Cahiers publient après le récit et le dialogue, l'ouvrage d'Anne Huet sur le scénario. L'écriture est une étape fondamentale du processus d'élaboration d'un film, mais en même temps n'est qu'une étape destinée à se fondre dans un pro cessus qui l'englobe pour aboutir à un film à travers les étapes successives du tournage du montage et de la postproduction. Le scénario présente des statuts différents selon la personnalité et le style des cinéastes et sa place n'est pas définie a priori. A travers des exemples concrets, Anne Huet répond à quelques questions qui ne manquent pas de se poser pour comprendre le cinéma ou en faire : pourquoi faire un scénario, comment écrire un scénario, et comment d' un scénario faire un film.
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Jacques Tati ; De François Le Facteur À Monsieur Hulot

de Stephane Goudet

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 Si jacques tati n'a réalisé que six longs métrages entre 1946 (jour de fête) et 1974 (parade), nul ne songerait à contester qu'il figure parmi les acteurs et réalisateurs les plus importants et les plus populaires du cinéma français. L'un des meilleurs accès à son oeuvre est sans doute le passage par les personnages qu'il a lui-même interprétés. françois, le facteur de jour de fête, lointain descendant de don quichotte, lui permet de créer une silhouette inédite dans l'univers du cinéma comique oú les petits ont force de loi, chaplin, keaton, langdon. personnage à contretemps de la communauté, il met en cause ses valeurs et son fonctionnement sur un mode burlesque opposant deux espaces et deux visions du monde : la tradition française et la modernité " à l'américaine ". Pourquoi tati a-t-il refusé de tourner " la suite des aventures du facteur ", malgré son succès ? dans quelles circonstances s'est inventé le personnage de hulot ? pourquoi a-t-il, lui, survécu durant quatre films (les vacances de monsieur hulot, mon oncle, playtime et trafic), et comment a-t-il évolué ? tati est en outre un grand créateur de formes. comment caractériser son style et évaluer son apport à l'histoire du genre burlesque ? telles sont les questions qu'aborde cet ouvrage grâce à l'analyse de séquences, le commentaire de documents rares et des témoignages inédits des principaux collaborateurs de tati.
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Le Son

de Jullier Laurent

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 Les Petits Cahiers poursuivent leur série d'ouvrages d'initiation aux principales étapes de la réalisation d'un film avec Le son. L'auteur envisage cette question d'un point de vue historique tout d'abord en expliquant que, bien avant que le cinéma ne devienne « parlant », le « cinéma muet » a toujours utilisé les sons sous la forme de musique ou de bruitages divers en direct pendant les projections. Il concrétise ensuite son approche en décrivant les pratiques sonores du cinéma en vigueur pour la réalisation d'un film, de la prise de son au mixage, en se penchant sur les problématiques nouvelles qu'engendre la numérisation des techniques cinématographiques. Il se place enfin du point de vue du spectateur pour analyser la réception du son : les bruits, l'ambiance, les musiques et les paroles. « La matière audio-visuelle même est hétéroclite : pour représenter les objets et les êtres vivants, le cinéma utilise de la lumière (changement de matière) tandis que pour représenter les sons il utilise des sons (pas de changement). La technologie ne rend pas non plus les mêmes services : pour analyser tranquillement une séquence de film, on peut imposer un arrêt sur image à un lecteur de DVD, pas un « arrêt sur son »... Pour couronner le tout, nous sommes beaucoup moins compétents armés de notre oreille qu'armés de notre oeil. Tout le monde sait faire la différence à l'oeil nu entre deux chiens ou entre deux voitures, mais quand il s'agit de la faire entre deux aboiements ou entre deux grondements de moteur... Nous ne savons manifestement pas bien tirer parti des informations sonores, en tous cas pas aussi bien que dans le cas du visuel, et aucune culture au monde ne semble particulièrement décidée à lutter contre cela. Ce qui a permis à la corporation des bruiteurs d'exister, même dans des spectacles en direct comme le cirque ou le théâtre. Conséquence de cet état de fait, la pratique amateur de la prise de sons est beaucoup moins répandue que les pratiques de photographe et de caméscopeur : il est rare de rapporter de ses vacances des prises de son, encore plus de réunir ses amis pour les leur faire entendre. »
FRANCÊS

Le Cinéma Muet

de Michel Marie

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 Le nouveau film au programme de l'option cinéma du baccalauréat étant à partir de 2006 L'Aurore de Murnau, il est aujourd'hui important de rendre plus accessible et plus intelligible le continent du cinéma muet, largement inexploré dans l'enseignement du cinéma. Comment tirer au mieux profit de ce choix qui peut tout d'abord surprendre pour aborder des notions qui amènent de nouvelles pistes de réflexion ? Le cinéma muet est une mine pour comprendre le langage du cinéma, c'est le moment où tout s'invente, et pour les générations qui se succèdent l'émotion est toujours au rendez-vous. Michel Marie dirige le département cinéma de l¹université de Paris III, il est également éditeur chez Nathan et auteur de plusieurs ouvrages de cinéma dont Esthétique du film, L'analyse des films, L'analyse de la séquence.
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