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Saltimbanques

de Emmanuelle Houdart e Marie Desplechin

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 Emmanuelle Houdart a dessiné une galerie de portraits saisissants et somptueux de femme à barbe, homme-tronc, nain ou autres soeurs siamoises. Tous ces êtres extraordinaires et fascinants. Et Marie Desplechin nous livre les destins forcément hors normes de ces étonnants artistes ainsi que les récits rocambolesques des liens qu'ils partagent. Toutes les deux nous racontent leur cirque avec un humour tendre et une incroyable poésie. Un album sublime et époustouflant où le merveilleux et le monstrueux ne font qu'un, en partenariat avec le salon de Montreuil dont le cirque est la thématique 2011.
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Buster Keaton

de Stephane Goudet

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 Keaton doit son prénom, buster - " casse-cou ", à une dégringolade, miraculeusement sans conséquences, qu'il fit bébé dans l'escalier. C'est sans doute ce que l'on peut appeler une scène primitive pour se maître du burlesque dont le corps perpétuellement en déséquilibre allait devenir une marque de fabrique. Alors qu'il se produit au music-hall avec ses parents depuis tout petit, une société de protection de l'enfant s'émeut des chutes et contorsions que lui valent ses rôles d'adultes miniatures. il est recruté par mack sennett pour donner la réplique à fatty arbuckle, " l'obèse au visage de poupon ", dans d'hilarantes comédies à base de poursuites et de batailles de tartes à la crème. Mais, plus largement, c'est un genre à part entière du cinéma qui s'y invente, le burlesque, qui, qu'au-delà du rire, traite du rapport difficile qu'entretient l'homme avec les objets l'espace et les autres. au début des années vingt, kaeton crée ses propres studios. acteur, metteur en scène, scénariste, il produit nombre de courts métrages, au meilleur de son talent dans l'inoubliable maison démontable. Il passe bientôt au long métrage et réalise une succession de chefs-d'oeuvre comme sherlock junior, la croisière du " navigator ", ou le mécano de la " general ", merveilleuses de rythme, de logique et de géométrie. le temps n'est plus où il fallait légitimer buster keaton pour lui assurer une place centrale qui lui revient de droit dans l'histoire du cinéma mondial. il n'est donc plus besoin de l'opposer à charlie chaplin. Ce combat de cinéphilie a été gagné, et charlie chaplin et keaton en sont tous deux sortis vainqueurs, maîtres incontestés du comique et du burlesque.
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Alfred Hitchcock

de Bill Krohn

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 Alfred hitchcock est sans aucun doute le cinéaste le plus connu au monde. Et pourtant, rien ne peut affadir le plaisir renouvelé de voir ou revoir ses films, qui continuent d'exhaler un parfum de mystère que le spectateur n'a de cesse d'approfondir. mais qui était alfred hitchcock ? un cockney de l'east end londonien brimé par son père ? un " jeune génie " adoubé par la critique britannique dès la fin des années vingt ? l'" oncle alfred ", stéréotype de british dans une amérique qui l'a baptisé le maître du suspense ? un cinéaste génial qui a su réinventer hollywood à l'heure de la télévision et des parcs d'attractions ? dès ses débuts en angleterre et dès son premier film, l'eventreur, en 1926, hitchcock réalise des films à suspense, reconnaît l'influence de cecil b. De mille et admire fritz lang. en 1939, il part travailler à hollywood où il adapte rebecca de daphné du maurier. il signe ensuite des films antinazis dans une amérique qui cherche à rester en dehors du conflit qui déchire l'europe. puis hitchcock fait tourner les plus grandes stars, dont les carrières resteront liées aux rôles inoubliables qu'il leur donne : james stewart dans sueurs froides, ingrid bergman dans les enchaînés, cary grant dans la mort aux trousses... Il élabore l'archétype de la femme blonde qui habite désormais sa légende, de anny ondra (chantage) à tippi hedren (les oiseaux), en passant par grace kelly (fenêtre sur cour) ou kim novak (sueurs froides). hitchcock a réussi un double pari : être toujours à la pointe des innovations technologiques (technicolor, vistavision, 3-d, plans filmés depuis des hélicoptères) qui assurent au cinéma sa dimension spectaculaire et son succès public, et créer dans les années cinquante la première série télévisée à succès : alfred hitchcock présente
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Sergeï Eisenstein

de Bouquet Stephan

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 Cinéaste soviétique (Riga 1898 - Moscou 1948), assistant de Meyerhold, dessinateur, décorateur, il débuta au théâtre. Principales réalisations : Proletkult (1920), La Grève (1924), Le Cuirassé Pötemkine (1925), Octobre (1927), La Ligne générale (1929, Que viva Mexico (inachevé 1931-32), Alexandre Nevski (1939), Ivan le Terrible (1945-46).
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Billy Wilder

de Noël Simsolo

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 Cinéaste américain d'origine autrichienne (Vienne 1906 - Beverly Hills 2002). Formé à l'école de l'expressionnisme allemand, il s'est imposé dans des genres aussi divers que le drame : Assurance sur la mort (1944), Le Poison (1945), Boulevard du crépuscule (1950), et la comédie légère : Le Gouffre aux chimères (1951), Sept Ans de réflexion (1955), Certains l'aiment chaud (1959). Ses derniers films : La Vie privée de Sherlock Holmes (1970), Avanti (1972), Fedora (1978).
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Akira Kurosawa

de Charles Tesson

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 (Tokyo 1910 - id 1998), réalisateur japonais, ce fils d'officier semble d'abord se tourner vers la peinture, mais pour pouvoir vivre, il se fait embaucher à l'ancienne Toho comme assistant-réalisateur de cinéma. L'Ange ivre (1948), Un Duel silencieux (1949), Chien enragé (1949), L'Idiot (1951), Vivre (1952), Les Sept samouraïs (1954), Le Château de l'araignée (1957), Barberousse (1965), Dersou Ouzala (1975), Kagemusha (1980), Ran (1985), Dreams (1990), Rhapsody in August (1991), Madadayo (1993).
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Andreï Tarkovski

de Michel Chion

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 Réalisateur russe (Ivanovo 1932 - Paris 1986), cinéaste de profession formé à l'Ecole d'État, il signe en 1962 son premier long métrage, L'Enfance d'Ivan, conforme aux canons du cinéma soviétique, et gagne de surcroît le Lion d'or au festival de Venise. Andrei Roublev (1966), évocation d'une Russie médiévale désacralisée, sera interdit par les autorités russes, et projeté en Occident. Après une longue interruption, il parvient à tourner un bon film de science-fiction, Solaris (1972), accueilli avec réserve en Union soviétique. Le Miroir suscite en 1974 un nouveau scandale. Retour à la science-fiction avec Stalker en 1979 et départ en Italie en 1984 suite aux ennuis causés par la bureaucratie soviétique. Nostalghia en 1983, Le Sacrifice en 1986.
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Luis Bunuel

de Alain Bergala

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 Bunuel est un cinéaste espagnol, (Calenda 1900 - Mexico 1983), tous ses films se ressentent de la triple influence d'une éducation catholique, du surréalisme (dont il demeura jusqu'à la fin un fervent adepte) et de la tradition hispanique. Le pouvoir subversif de son inspiration éclata avec L'Âge d'or (1930) ; il se tempèrera avec le temps d'humour ou de dérision : La Vie criminelle d'Archibald de la Cruz (1955), L'Ange exterminateur (1962), Le Charme discret de la bourgeoisie (1972), Mazarin (1958), La Voie lactée (1969), El (1952). Bunuel sait capter les plaies à vif d'une société malade : Terre sans pain (1932), Los Olvidados (1950). Il a enfin brossé des portraits de femme d'un subtil érotisme : La Jeune Fille (1960), Viridiana (1961), Belle de jour (1967), Tristana (1970).
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Jean Renoir

de Garson Charlott

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 Cinéaste français exilé à Hollywood (Paris 1894 - Beverly Hills 1979). Nana (1926), La Chienne (1931), Boudu sauvé des eaux (1932), Une Partie de campagne (1936, inachevé), La Bête humaine (1938), La Règle du jeu (1939), Le Fleuve (1951), Le Carrosse d'or (1952), French Cancan (1955), Elena et les hommes (1956), Le Déjeuner sur l'herbe (1959).
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Le Mille Yeux De Brian De Palma

de Luc Lagier

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 Plonger dans la filmographie de brian de palma, c'est ouvrir la boîte de pandore, pénétrer en pleine terre cinéphile, voyager au milieu des fantômes. Son cinéma est une alchimie parfaite entre le cinéma commercial et le film d'auteur, il recèle bien des secrets et se prête à différents niveaux de lecture au fur et à mesure que le spectateur en creuse les mystères. jeune cinéaste indépendant new-yorkais de la génération de martin scorsese, synchrone avec la crise politique et culturelle que connaissent les etats-unis dans les années 6o, de palma fait des débuts douloureux à hollywood où son premier film lui échappe au profit du studio qui l'a produit. De cette expérience traumatisante naît, au début des années 70, phantom of the paradise, fiction sur un musicien dépossédé de son oeuvre, qui va devenir un film culte. arrivé après l'âge d'or du cinéma classique, pour lequel il éprouve une immense admiration, il puise son inspiration dans les genres (l'horreur avec carne et furie) et le cinéma du passé, (il retravaille sans cesse la manière et les motifs d'hitchcock dans obsession, pulsions ou encore body double). Sa démarche provoque un malentendu avec la critique qui le considère comme le pilleur cynique des trésors du passé. tout au long des années 8o, ses films, scarface, outrages, provoquent systématiquement la controverse. c'est l'impasse, au milieu des années 90, l'un des plus beaux rôles d'al pacino, qui transforme son statut. avec mission impossible et snake eyes, se forme une sorte de trilogie de la paranoïa, imposant la vision toute puissante du cinéaste au sein des studios. Après un exil en france et femme fatale, le dahlia noir et ses difficultés de production montrent que la place de de palma n'est plus au centre du système. en réalisant redacted, brulôt sur les exactions des gi's en irak, de palma n'est pas près de se réconcilier avec hollywood. il montre par contre qu'il n'a rien perdu de sa capacité à réinventer sans cesse les règles de son art, à interroger le statut de l'image, son sens et sa morale, qu'il a su garder l'acuité de sa vision des dérives politiques et médiatiques de l'amérique moderne. Quarante ans après, il est toujours l'iconoclaste, l'empêcheur de tourner en rond, un vrai court-circuit en plein coeur d'hollywood.
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Kenji Mizoguchi

de Noël Simsolo

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 L'oeuvre de Kenji Mizoguchi, né à Tokyo au moment où le cinématographe arrive au Japon, raconte à elle seule une histoire du cinéma, du muet au parlant, du noir et blanc à la couleur, des productions à al chaîne des grands studios japonais à la politique des auteurs. C'est au début des années cinquante que l'Europe découvre ses films qui remportent de véritables triomphes au festival de Venise : La Vie d'O-Haru, femme galante, Les Contes de la lune vague après la pluie, L'intendant Sansho. Mizoguchi, qui a débuté dans les années vingt, a déjà plus de soixante-dix films à son actif, et même si une large partie d'entre eux a disparu, le public qui connaît alors un engouement sans précédent pour le cinéma japonais va désormais pouvoir accéder à un véritable trésor du septième art. Si la filmographie de Mizoguchi est profondément ancrée dans la culture et l'histoire du japon, elle accède à une ampleur universelle bien au-delà d'un exotisme orientaliste. Mizoguchi conjugue dans sa mise en scène les contingences de son pays, les codes des genres qu'il aborde (le polar, le mélodrame ou le film d'époque), avec une vision humaniste d'une force incomparable. C'est sans conteste le cinéaste qui a dessiné les plus beaux portraits de femmes trahies, déchues et humiliées par les hommes.
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Tim Burton

de Aurelien Ferenczi

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 Tim Burton est l'un de ces cinéastes qui créent de toutes pièces leur propre univers, avec ses règles, ses personnages et même ses paysages, qui inventent des films qui ne ressemblent qu'à eux-mêmes et qui, par un de ces prodiges dont le cinéma a le secret, rencontrent un public nombreux autant q'inconditionnel. Beetlejuice, " film optimiste sur la mort ", figure le big-bang de ce monde nouveau dont la logique inverse systématiquement les règles. Le spectateur est invité à considérer l'étrange comme la norme et le " normal " bien ennuyeux. Le décor est planté et Burton alterne désormais films de commande à grands spectacle et films d'animation (L'Etrange Noël de monsieur jack, Les Noces funèbres), genre avec lequel il a débuté sa carrière chez Disney. Il réinvente Batman sous les traits d'un Michel Keaton " plus BD que nature " et le Joker sous ceux d'un Jack Nicholson aussi comique que terrifiant dans deux films jubilatoires où l'ironie le dispute à al méchanceté. Dans cette galerie de portraits viennent ensuite Edward aux mains d'argent, le Cavalier sans tête (Sleepy Hollow), Willy Wonka (Charlie et la chocolaterie), Sweeney Todd, personnages issus de légendes éternelles ou surgis de l'imaginaire de Tim Burton auxquels sa complicité avec Johnny Depp donne vie. Bienvenue à " TimBurtonLand ".
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Ingmar Bergman

de Mandelbaum Jacq

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 L'oeuvre d'Ingmar Bergman force l'admiration. Au cours d'une carrière riche de quelque cinquante longs métrages réalisés entre 1945 et 2003 (sans compter son infatigable activité de metteur en scène de théâtre), il remet sans cesse sur le métier ses obsessions intimes, ses fantasmes qui brouillent la représentation de la réalité, ses personnages dévorés par une culpabilité qui torture l'âme et le corps, sa lucidité à ausculter le couple qui se séduit puis se déchire, son angoisse devant le silence de Dieu, sa recherche chaotique d'une rédemption. Le Septième sceau, les Fraises sauvages, Une passion, A travers le miroir, autant de chefs-d'oeuvre dans une oeuvre qui traduit une capacité à exprimer ses sentiments restée inégalée. On peut lire ses films comme une transposition de son propre parcours, depuis son enfance dans une famille luthérienne ultrarigide, sa propre ambiguïté morale qui lui fait honte et horreur. Ingmar Bergman est aussi un cinéaste qui, au-delà des modes, capte l'esprit de son temps, dans ses aspirations et ses désillusions : Monika, dans lequel Harriet Anderson incarne une jeune femme à la sensualité sauvage et scandaleuse, lui apporte la notoriété en France, incarnant ce vent de liberté qui marque la modernité naissante au cinéma. Dans les années soixante, il expérimente avec Persona l'une des plus puissantes évocations de l'ambiguïté du mal. Scènes de la vie conjugale stigmatise cet individualisme qui induit insidieusement la déshumanisation du monde, monde qui se déploie avec joie et nostalgie dans Fanny et Alexandre et qui atteint sa représentation la plus dépouillée dans sarabande, son ultime film, à la fois leçon de cinéma et questionnement existentiel. Dans l'univers du cinéma, Bergman est un continent à part, celui d'un géant à la hauteur de Beethoven ou de Dostoïevski.
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Clint Eastwood

de Bernard Benoliel

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 Si Clint Eastwood est unanimement reconnu aujourd'hui comme l'un des plus grands cinéastes américains à qui l'on doit des chefs-d'oeuvre comme Impitoyable, Million Dollar baby, son parcours vers les sommets du box-office et de la critique est bien loin d'avoir été un long fleuve tranquille. Il surgit dans les années soixante en icône du western à l'italienne sous la férule de Sergio Leone avec la " trilogie des dollars ". De retour à Hollywood dans les années soixante-dix, il échange sa panoplie - cigarillo, Stetson et poncho - contre celle de l'inspecteur Harry - badge étoilé, Ray-Ban et Magnum 44 - celui par qui le scandale arrive. C'est au même moment qu'il fait ses débuts de réalisateur avec Breezy et Josey Walles hors-la-loi. De film en film, la figure d'Eastwood s'enrichit de facettes nouvelles à rebours des simplifications dont il est l'objet. Désormais, il va contrôler tous les films dans lesquels il joue, même quand il en confie la réalisation à un autre. Et il va même réaliser des films où il ne jouera pas. Le western reste sa terre de prédilection (Pale Rider), mais il élargit désormais sa palette avec des films noirs (Mystic River), des films de guerre (Lettres d'Iwo Jima), des comédies (Bird), des road-movies (Un monde parafait), des mélodrames (Sur la route de Madison). Eastwood poursuit ainsi une forme de vérité originelle de l'être humain à la manière des grands cinéastes classiques, mais sachant, comme le cinéma moderne nous l'a appris, que la mission est impossible et que l'enquête continue.
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François Truffaut

de Cyril Neyrat

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 Un cinéaste incarne le cinéma français : François Truffaut. Dès Les Quatre Cents Coups, son premier film inspiré de son enfance douloureuse et interprété par le jeune Jean-Pierre Léaud, il remporte un prix au Festival de Cannes et connaît un immense succès public. Nous sommes en 1959, c'est le coup d'éclat de la Nouvelle Vague. Avant son passage à l'acte, François Truffaut, comme Jean-Luc Godard ou Claude Chabrol, fut d'abord un cinéphile ardent et un brillant polémiste au sein des Cahiers du cinéma. Contre la Qualité française et à l'origine de la politique des auteurs, il se reconnaîtra deux maîtres : Renoir et Hitchcock. Exemple parfait de cet " auteur " qu'il appelait de ses voeux, il conquiert son indépendance et choisit librement ses sujets autour de quelques thèmes obsessionnels : les femmes, les livres, l'enfance, la mort. Très attentif aux réactions du public, respectueux des personnages qu'il invente et complice des acteurs qui leur donnent vie, il crée des films d'une sincérité absolue, où la vie, toujours préférée à la perfection technique, palpite. Qui ne s'est pas un moment reconnu dans la saga d'Antoine Doinel, amoureux transi de Baisers volés et séducteur maladroit de Domicile conjugal ? Qui n'a pas été troublé par le trio de Jules et Jim, mené par une éblouissante Jeanne Moreau ? Qui a oublié le couple Deneuve-Depardieu dans Le Dernier Métro ou l'interprétation incandescente de Fanny Ardant dans La Femme d'à côté ? Pour Truffaut, le cinéma pouvait être plus important que la vie, et c'est cette passion que ses films continuent à transmettre aujourd'hui.
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Michelangelo Antonioni

de Bjorkman Slig

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 Woody Allen est sans doute le plus célèbre des New-yorkais. Il débute en écrivant des répliques hilarantes pour la scène comique juive new-yorkaise, sur laquelle il monte bientôt à son tour, campant un personnage de juif new-yorkais névrosé, jouant de sa petite corpulence, fragile, affublé de grandes lunettes. Il passe par le théâtre avant d'écrire et de réaliser son premier film Prends l'oseille et tire toi en 1968. C'est le couple qu'il forme à la ville avec Diane Keaton, puis dans Annie Hall qui va propulser ses premiers succès vers les sommets du cinéma d'auteur international. La part autobiographique est évidente et le spectateur tombe sous le charme irrésistible des tourments affectifs de personnages si proches qui se racontent à travers la psychanalyse. Manhattan poursuit la même veine, et s'ouvre sur des plans de la ville en noir et blanc d'une beauté spectaculaire. Dans le monde entier, la presqu'île est vue désormais à travers le regard de Woody Allen. Toute son oeuvre témoigne d'une prodigieuse mémoire cinéphilique, mais c'est sans conteste Ingmar Bergman dont il reconnaît l'influence la plus forte dans des films d'une veine plus sombre comme Interiors, September, Maris et femmes ou Harry dans tous ses états. En posant pour Match Point (2005) sa caméra à Londres, il prouve que son cinéma survit à Manhattan. En dirigeant Scarlett Johansson et une nouvelle génération de jeunes comédiens séduisants, il conquiert un nouveau public pour qui Annie Hall et Manhattan sont déjà des petits joyaux du cinéma de répertroire.
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David Lynch

de Thierry Jousse

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 David Lynch. Thierry Jousse. Cinéaste américain (Missoula 1946), d'abord attiré par le cinéma expérimental (Eraserhead, 1976), ce réalisateur hors norme s'est imposé avec Elephant Man (1980), émouvant portrait d'un être disgracié de l'Angleterre victorienne. Il força le trait dans la dérive ludique de Sailor and Lula (1990) et dans la série télévisée Twin Peaks (1992). Disposant enfin de grands moyens, il donne avec Dune (1984) une oeuvre maîtresse du " space opera ". Blue Velvet (1986) est une variation sado-masochiste. C'est avec Wild at Heart qu'il remporte la Palme d'or à Cannes en 1990 ; il s'agit d'une oeuvre d'une violence extrême. Avec Lost Highway (1996), il retrouve ses obsessions, la perte de soi, le fantastique qui naît du malaise. Viennent ensuite Straight Story en 1999 et Mulholland Drive en 2001. Thierry Jousse a été rédacteur en chef des Cahiers du cinéma de 1989 à 1996 avant de passer à la réalisation en 1998 avec Le Jour de Noël, puis Nom de code Sacha en 2001 et Julia et les hommes en 2003. Il est l'auteur d'un ouvrage sur " John Cassavetes ", et intervient régulièrement sur France Inter ainsi que sur France Culture et France Musique.
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Fritz Lang

de Ferenczi Aureli

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 Fritz Lang. Aurélien Ferenczi. Cinéaste américain d'origine autrichienne (Vienne 1890 - Los Angeles 1976), scénariste et metteur en scène, il quitta l'Allemagne en 1933 (après Les Trois Lumières, 1921), Le Docteur Mabuse (1922), Metropolis (1927), M le Maudit (1931), Le Testament du Docteur Mabuse (1933), fit un bref séjour en France et se fixa aux Etats-Unis (Furie 1933, J'ai le droit de vivre 1937, La Femme au portrait 1944, Le Secret derrière la porte 1948, l'Ange des maudits 1952, Les contrebandiers de Moonfleet 1954, L'Invraisemblable vérité 1956), pour être enfin de retour en Allemagne en 1959 (Le Tigre du Bengale / Le Tombeau hindou et Le Diabolique Docteur Mabuse 1960).
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Sergio Leone

de Jean-Baptiste Thoret

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 Cinéaste italien (Rome 1929 - id 1989), il lança le genre du western italien (appelé par dérision « western spaghetti ») : Pour une poignée de dollars (1964), Et pour quelques dollars de plus (1965), Le Bon, la brute et le truand (1966). Puis une autre trilogie : il était une fois dans l'Ouest (1968), Il était une fois la révolution (1971) et Il était une fois en Amérique (1984).
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Steven Spielberg

de Clelia Cohen

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 Steven Spielberg. Clélia Cohen. Cinéaste américain (Cincinnati 1946), il arriva au cinéma par la télévision. Réalisations : Duel (pour la télévision, 1973), Les Dents de la mer (1975), Rencontres du troisième type (1977), L'Empire du soleil (1987), la série des Indiana Jones (de 1981 à 1989), Jurassic Park (1993), la Liste de Schindler (1994), Il faut sauver le soldat Ryan (1999), A. I. Intelligence artificielle (2001), Minority Report (2002), Arrête-moi si tu peux (2002), Munich... Clélia Cohen est critique de cinéma. Elle a écrit aux Cahiers du cinéma de 1997 à 2004 et a collaboré à plusieurs ouvrages sur le cinéma américain ; elle est directrice éditoriale de compléments pour les éditions en DVD des classiques d'Hollywood.
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Roberto Rossellini

de Helene Frappat

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 La carrière de ce réalisateur italien (Rome 1906 - id 1977) débute sous le signe du fascisme avec une trilogie de 1941 à 1943 : La nave bianca, Un pilota rit orna et L'uomo della croce. Une deuxième période commence en 1945 avec Rome ville ouverte que suivent : Païsa (1946), Allemagne année zéro (1948), Onze Fioretti de François d'Assise (1949), Europe 51 (1952). Avec Ingrid Bergman s'ouvre la période des chefs d'oeuvre : Voyage en Italie (1953), India (1958), Le Général Della Rovere (1959), Viva l'Italia (1961). Vient enfin la période tournée vers la télévision : L'Âge de fer (1964), La Prise du pouvoir par Louis XIV (1966).
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Francis Ford Coppola

de Delorme Stephan

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 Francis Ford Coppola. Stéphane Delorme. Réalisateur et scénariste américain (7 avril 1939-Detroit). Actuellement directeur du studio américain Zoetrope, sa compagnie de production fondée en 1969 avec George Lucas et établie à San Francisco. Tonight for sure (1961), Dementia 13 (1962), Big boy (1966), La Vallée du bonheur (1967), Les Gens de la pluie (1969), Le Parrain (1972), Conversation secrète (1974), Le Parrain 2 (1974), Apocalypse now (1979), Coup de coeur, Outsiders, Rusty James (1982), Cotton club (1983), Peggy Sue s'est mariée (1986), Jardins de pierre (1987), Tucker (1988), La vie sans Zoé (1989), Le Parrain 3 (1990) , Dracula (1992), Jack (1996), The rainmaker (1997). Stéphane Delorme est critique aux Cahiers du cinéma et enseigne le cinéma à l'Université.
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Martin Scorsese

de Thomas Sotinel

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 Martin Scorsese. Thomas Sotinel. Cinéaste américain (Flushing, New York 1942). La première vocation de ce petit-fils d'immigrants siciliens était la prêtrise, et ses films s'en ressentent, de la quête de la pureté au sein de la sordide réalité. Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976), Raging Bull (1979), La Valse des pantins (1983), After Hours (1986), Color of money (1986), The Last Temptation of Christ (1988), New York stories avec Allen et Coppola (1989), Les Affanchis (1990), Nerfs à vif (1991), le Temps de l'innocence (1993), Casino (1995), Kundun (1997), Bringing out the Dead (1999), Gangs of New York (2002). Thomas Sotinel, 48 ans, est journaliste au Monde depuis 1989. Après avoir écrit sur la musique au temps de Nirvana, il a couvert l'Afrique au temps de Charles Taylor et de Laurent-Désiré Kabila. Il a rejoint la rubrique cinéma en 2000.
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Jean-Luc Godard

de Jacques Mandelbaum

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 Jean-Luc Godard. Jacques Mandelbaum. Cinéaste français (Paris 1930), collaborateur de la revue Les Cahiers du cinéma, il fut l'un des principaux représentants de la Nouvelle Vague. Avec : À Bout de souffle (1960), Les Carabiniers (1963), Pierrot le fou (1965), Made in USA (1966), La Chinoise (1967), Week-End (1968), Sauve qui peut (la vie) (1980), Prénom Carmen (1983), Nouvelle Vague (1990). Jacques Mandelbaum est né le 01/05/58, il est critique de cinéma au Monde depuis 1995.
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