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Donner, C'Est Donner

by Guinement Cecile Ch

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 Deux boxeurs, Tac et Otac, se font face sur un ring, prêts à en découdre. La cloche du combat retentit et le plus prompt des deux, Tac, sort un cadeau qu'il offre à Otac. Otac est très surpris et remercie Tac. Le combat peut continuer. Otac sort lui aussi un cadeau, qu'il offre à Tac. Un cadeau légèrement plus gros. Ce qui ne manque pas de troubler Tac. A des années lumières de ce ring, un grand Vizir règne sur son petit royaume. Il pense être adulé par son peuple, car il donne toujours sans compter... Il se trompe et ne va pas tarder à s'en rendre compte. Je te donne, tu me donnes, nous nous donnons. Mais pourquoi diable avoir inventé ces coutumes ? Et dans la grande folie des cadeaux de Noël, comment distinguer ce qui possède une " vraie " valeur ? À travers 9 histoires courtes imaginées dans un premier temps pour le théâtre, les auteurs entrainent le lecteur dans les secrets de l'art de donner... mais aussi de recevoir ! Puisant leur inspiration dans des pratiques anciennes, lointaines (voire tribales) ou tout simplement contemporaines, ils varient les univers et mettent en scène des personnages qui amusent mais font également réfléchir sur tous les écueils et abus liés aux cadeaux.
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Integrale Immeuble D'En Face

by Vanyda

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 Dans L'Immeuble d'en face, se trouvent trois appartements, un à chaque étage. Au premier vit Béatrice, une maman célibataire, enceinte de son second enfant. Au second, un couple d'une bonne quarantaine, Fabienne et Jacky, qui n'a pas d'enfant mais un gros chien Gipsy ! Enfin au troisième logent deux jeunes tourtereaux, Claire et Louis, étudiants tous les deux. Chacun de ces groupes mène son existence propre, avec ses joies, ses lassitudes, ses jalousies, ses drames (perte d'une grand-mère, accident du chien.). Et les hasards de la vie les font se croiser, s'entraider, se désirer.
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Les Fleurs De Tchernobyl

by Gildas Chasseboeuf

18,74€ + 10% CARD

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 Du 25 avril au 12 mai 2008, Gildas Chasseboeuf et Emmanuel Lepage se sont rendus dans la région de Tchernobyl en Ukraine. Ils ont découvert le sarcophage de béton, des lieux de désolation mais également le retour de la vie, celle des plantes, celles des hommes (même si la leucémie frappe toujours.). L'objectif de ce voyage était de créer au retour un livre et une exposition au profit de l'association Les Enfants de Tchernobyl. Les Fleurs de Tchernobyl a ainsi été initialement publié par l'association militante " Les Dessin'acteurs de bandes destinées ", fin 2008. L'ouvrage est désormais épuisé et l'association ne comptait pas le rééditer. La Boîte à Bulles en présente donc une seconde version, revue et enrichie, à l'occasion de la sortie chez Futuropolis, du même récit mais sous forme de bande dessinée signée par le seul Emmanuel Lepage.
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Penser La Peinture : Simon Hantai

by Molly Warnock

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 DÃ©couvrez Penser la peinture : Simon HantaÃ¯, le livre de Molly Warnock. Originaire de Hongrie, installÃ© dÃ¨s 1948 Ã Paris oÃ¹ il est mort en 2008, Simon HantaÃ¯ est l'une des figures majeures de l'art de la fin du XXe siÃ¨cle. Ses tableaux abstraits, rÃ©alisÃ©s par la mÃ©thode du pliage Ã partir du dÃ©but des annÃ©es 1960, sont considÃ©rÃ©s comme une rÃ©ponse dÃ©finitive Ã l'oeuvre de Jackson Pollock, et ont influencÃ© de nombreux artistes franÃ§ais Ã leurs dÃ©buts, de Daniel Buren aux peintres de Supports-Surfaces. Mais jusqu'Ã prÃ©sent, l'intÃ©rÃªt trÃ¨s largement partagÃ© accordÃ© aux pliages n'a pas rÃ©ussi Ã expliquer de faÃ§on convaincante la genÃ¨se et le dÃ©veloppement dans le temps de cette technique. Molly Warnock a nourri sa rÃ©flexion de nombreuses conversations avec HantaÃ¯ et l'a fondÃ©e sur des recherches approfondies, notamment dans les archives de l'artiste et de la galerie Jean Fournier. Penser la peinture situe les origines de cette mÃ©thode autographe dans un contexte artistique et intellectuel d'une richesse exceptionnelle, conditionnÃ© par le discours des surrÃ©alistes sur l'automatisme psychique, l'Ã©mergence de l'abstraction gestuelle et la floraison d'une plus large pensÃ©e post-hegÃ©lienne. Peintre, Ã©crivain, penseur, HantaÃ¯ apparaÃ®t comme un artiste profondÃ©ment engagÃ© dans les questions centrales de son temps sur la peinture et la philosophie.
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Les Arcs-En-Ciel Du Noir : Victor Hugo

by Annie Le Brun

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 Victor Hugo comme à son activité graphique indissociable du noir de l'encre. Mais sans doute n'a-t-on pas mesuré quelle puissance génératrice a chez lui l'obscur qui semble être l'équivalent d'une matière noire, tout aussi déterminante dans son oeuvre littéraire que dans son oeuvre graphique. Jusqu'à lester l'une et l'autre d'une gravité inédite qui les travaille pareillement de l'intérieur. S'ensuivent ce que j'appelle les arcs-en-ciel du noir irradiant pour mieux la déployer une inimaginable palette de thèmes et de points de vue qui paradoxalement apparaissent à cette nouvelle lumière venue des profondeurs pour redessiner le paysage poétique, dramatique, social, politique., c'est-à-dire l'horizon tout entier. Si cette exposition a pour objet de faire apparaître quelle interaction décisive s'opère chez Hugo entre ce qui s'écrit et ce qui se dessine, elle se propose aussi de montrer de quelle façon celui-ci revient continuellement à cet élément noir comme à autant de répliques souterraines de l'arc-en-ciel pour y puiser sa force de transfiguration à l'origine d'une « énormité poétique » qui n'a pas fini de nous sidérer.
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Claes Oldenburg, Coosje Van Bruggen ; Le Grotesque Contre Le Sacré

by Eric Valentin

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 Les sculptures publiques de Claes Oldenburg, dérivées de ses oeuvres graphiques, stigmatisent le grotesque urbain et architectural des mégapoles comme Chicago ou New York. Hanté par une mystique, le gratte-ciel, de Sullivan à Mies van der Rohe, devient pour Oldenburg le symptôme du grotesque tragique ou tragi-comique de la modernité. Avec ses objets surdimensionnés, l'artiste pop dresse les figures sidérantes d'un monde hors de ses gonds, lié à une inversion et à une confusion des valeurs et se livre à une critique de la technocratie et du mercantilisme. Il débusque les reliquats du sacré lié à un culte secret de l'effroi dans l'art et l'architecture de son époque. La Pince à linge de Philadelphie, la Batte de base-ball de Chicago sont une parodie de la nostalgie du sacré présente dans l'art de Brancusi, et notamment ses célèbres Colonnes sans fin symbolisant une métaphysique de la liberté et une conception traditionnelle du monument associée au fantasme d'une communauté organique et réconciliée. Les anti-monuments burlesques, néo-dadaïstes et corrosifs de Claes Oldenburg se font la mémoire de la violence sociale et historique des États-Unis. Ils proposent une désublimation libératrice de la création artistique dans le sillage de Duchamp et Picasso contre la rhétorique faussement sublime des éclairs et de la foudre des artistes de son temps. Ces oeuvres à grande échelle, oscillant entre l'angoisse et l'euphorie du grotesque, prennent le parti du corps et de l'imagination, exploitent les vertus curatives du comique, contre la sanctification de la raison, de l'ordre et de la morale qui s'est imposée dans l'histoire de l'art abstrait, l'architecture moderniste et l'art des ingénieurs.
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Amos Gitaï ; Genèses

by Amos Gitaï, Jean-Michel Frodon e Marie-Jose Sanselme

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 Revenir, étape par étape, sur la genèse des films d'Amos Gitai, sur leur maturation, les tours et les détours d'un processus de création singulier, tel est le projet de cet ouvrage. Trois points de vue se succèdent : celui d'Amos Gitai lui-même, qui revient sur les images, clandestines ou apparentes, qui nourrissent son oeuvre, celles de sa propre biographie, de son rapport intime aux lieux, aux paysages, aux personnes et aux événements qui forgent son univers. Celui de Marie-José Sanselme, coscénariste des films d'Amos Gitai depuis Kippour (2000), qui raconte le processus d'élaboration d'un film particulier, Kedma (2002). Celui de Jean-Michel Frodon, critique attentif à l'oeuvre d'Amos Gitai, qui analyse les relations entre plusieurs groupes de films, fictions et documentaires. Les scénarios définitifs de sept films, Berlin Jérusalem, Golem l'esprit de l'exil, Kadosh, Kippour, Kedma, Alila, News from Home News from House, complètent cette exploration d'une oeuvre ouverte à la compexité du monde. Une belle leçon de cinéma.
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Platitudes ; Une Histoire De La Photographie Plate

by Eric De Chassey

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 La photographie a été inventée pour reproduire et produire de la profondeur. Certains s'en sont pourtant servi pour créer des images plates, tant du point de vue spatial (l'image s'y présente avant tout comme une surface bidimensionnelle), que temporel (la durée y est suspendue sans suggérer la moindre amorce de narrativité) ou sémantique (la signification ne s'y annonce pas comme étant à déchiffrer, mais semble se donner d'emblée comme neutralisée). Bien entendu, ces images peuvent être le fruit d'un simple hasard. Elles n'existent alors que de manière isolée, et seul notre regard rétrospectif y remarque cette particularité. Mais parfois, chez certains auteurs ou artistes, elles deviennent une part importante, voire majoritaire, de la production et c'est l'oeuvre tout entier qui est affecté. Il est ainsi possible de tracer une histoire de la photographie plate, suivant une généalogie souterraine qui va du début du XIXe siècle à celui du XXIe siècle, des portraits anthropométriques d'Alphonse Bertillon aux grandes photographies d'identité de Thomas Ruff, des images sans distance de Paul Strand aux pures surfaces de Philippe Gronon, des architectures de style documentaire de Walker Evans aux monuments paradoxaux des Becher ou de Lewis Baltz.
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Francis Picabia ; La Peinture Sans Aura

by Arnauld Pierre

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 L'alternance déroutante des styles et des manières qui caractérise l'art de francis picabia (1879-1953) a souvent été mise sur le compte d'un tempérament versatile et d'un goût du changement pour le changement sans grande conséquence. Toute la carrière de picabia manifeste en fait une grave crise de confiance envers les pouvoirs de la peinture. la prise de conscience de la possible obsolescence de la peinture et de son inutilité met fin chez lui à l'expérience impressionniste et lui fait rechercher les voies salvatrices de l'abstraction. mais la guerre sonne la fin des illusions : avec dada, picabia décrète la mort de l'art, se lance dans de provocants éloges du faux et inflige à sa pratique, par le recyclage d'images mécaniques, la " marque infamante de la reproduction " (walter benjamin). De tous les assassins de la peinture, cependant, picabia est sans doute celui qui aura le moins sereinement assumé son geste tout son oeuvre ultérieur témoigne d'une alternance de phases pendant lesquelles il semble croire à nouveau en la prétention de l'art à incarner les plus hautes significations, et de crises destructrices oú la peinture est ravalée à la fabrication de croûtes kitsch et vulgaires. Tour à tour, picabia aura donc tenu deux postures ambivalentes et contradictoires : celle d'un iconoclaste, destructeur d'aura, et celle d'un farouche défenseur de positions conservatoires perdues d'avance. mais les deux figures également excessives de l'exaltation et du dénigrement de la peinture ne sont pas autre chose, au fond, que les deux aspects d'un même complexe du peintre au xxe siècle. c'est celui-ci que ce livre explore, au long d'une plongée dans l'oeuvre de picabia permise par l'exploitation de sources et documents nombreux et inédits.
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Malinconia ; Motifs Saturniens Dans L'Art De L'Entre-Deux-Guerres

by Jean Clair

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 Un entre-deux d'ambiguïtés. Qu'en est-il du mouvement moderne dans ces années 1915-1929, années de reflux, de doute, d'incertitude, et dont l'ouverture de l'exposition des Arts décoratifs à Paris marque le point d'orgue ? En 1926 paraît l'opuscule de Jean Cocteau Le Rappel à l'ordre, dont l'intitulé indique, mieux que l'expression 'retour à l'ordre', l'inquiétude qui plane sur cette époque-là. La décennie suivante, de 1929 à 1939, voit la montée vers le second conflit mondial, l'avènement des régimes totalitaires en Italie, en Espagne, en Allemagne, mais aussi en Union soviétique. D'une apocalypse, l'autre : cette époque qui va des Années folles aux années de feu est aussi celle qui, de l'Octobre rouge à l'Octobre noir, vit l'affrontement de deux modèles économiques inconciliables mais aussi la fin des utopies. Ces années noires, vouées au travail du deuil, sous le voile d'une folie apparente, furent les années d'un enjeu terrifiant auquel aujourd'hui nous demeurons soumis.
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La Sculpture Romantique

by Luc Benoist

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 Si l'on sait que le romantisme a gagné toutes les formes d'art à partir de 1830, c'est sans doute dans le domaine de la sculpture qu'il est le moins immédiatement identifiable. L'ouvrage de Luc Benoist, originellement paru entre les deux guerres, dénote un souci de circonscrire un courant foisonnant dont les sujets empruntèrent aussi bien aux scènes d'histoire et de genre qu'aux portraits ou aux motifs animaliers. Conscient des difficultés à définir la sculpture romantique, l'auteur s'intéresse particulièrement à l'oeuvre des petits maîtres de l'époque souvent injustement méconnus, dont il confronte la production à celle d'artistes majeurs comme Rude ou David d'Angers. Son étude méthodique de l'environnement social, des caractéristiques et de la postérité de la sculpture romantique n'a jamais été égalée.
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Le Nez De Giacometti ; Faces De Carême, Figures De Carnaval

by Jean Clair

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 À partir d'une sculpture d'Alberto Giacometti, Le Nez, de 1947, dont il existe, outre la fonte en bronze, deux plâtres peints, Jean Clair a écrit un texte court et fascinant qui jette une lumière inattendue sur l'oeuvre entier. En dehors de l'historiographie traditionnelle - avec toutefois des éléments biographiques jusqu'ici négligés -, l'anthropologie, le folklore, la psychanalyse, la biologie sont convoqués pour enrichir l'approche de l'historien d'art. Des livres pour enfants - les Contes de Perrault, le Pinocchio - à la tradition érotique où le nez s'exhibe et se cache à la fois - de Gogol à Stanley Kubrick -, des rituels carnavalesques de l'Italie du Nord au mythe de la Chasse sauvage, des mutilations sacrificielles à la chirurgie esthétique, une lecture brève, mais foisonnante, illumine l'oeuvre de Giacometti. Tout opposé aux approches canoniques qui ont fait de lui une figure désincarnée, angélisée ou sanctifiée, cet essai donne l'image d'un homme pétri de quotidien, obsédé par le sexe et la mort, et plus proche de Bataille et de Picasso qu'il ne l'était de Breton et des surréalistes.
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Henri Cartier-Bresson Et Le Monde

by Michel Guerrin

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 Pendant cinquante ans, Henri Cartier-Bresson a été un lecteur fidèle et passionné du Monde. Dans le même temps, Le Monde a rendu compte de l'actualité du photographe à travers de longs entretiens et des comptes rendus de livres et d'expositions. Cartier-Bresson est ainsi l'artiste qui a fait l'objet du plus grand nombre d'articles dans les pages du journal, pourtant réputé réfractaire à l'image. Michel Guerrin a rassemblé les soixante-quinze principaux articles que Le Monde lui a consacrés, de 1955 à 2007. Il expose longuement la relation de confiance entre un photographe et son journal et met en perspective les articles publiés. Ce livre raconte également une histoire à laquelle Henri Cartier-Bresson est lié : comment la photographie s'est imposée dans Le Monde en soixante ans, en publiant des images ou des articles dans sa rubrique culturelle. L'ensemble est complété par le reportage photographique que Cartier-Bresson a consacré au Monde, en mars 1985.
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Araki Enfin : L'Homme Qui Ne Vécut Que Pour Aimer

by Philippe Forest

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 Né en 1940 à Tokyo, Araki Nobuyoshi est désormais universellement reconnu comme l'un des tout premiers artistes du Japon contemporain, comme l'un des principaux photographes d'aujourd'hui. Le secret du succès planétaire d'Araki n'est pas bien difficile à trouver. Il tient à la formule à laquelle on réduit le plus souvent son oeuvre en ne retenant d'elle que sa capacité à manufacturer de séduisantes images qui satisfont le désir un peu stéréotypé de l'Occident attendant d'un artiste japonais un certain mélange attendu d'érotisme et d'exotisme, de modernité et de tradition. Mais, lorsqu'il atteint de telles proportions, le succès n'est-il pas toujours au prix du contresens, du malentendu ? Araki a fait lui-même de sa vie une légende. Selon la formule singulière du « watakushi-shôsetsu » (le « roman du Je » japonais), son oeuvre de développe à la façon d'un formidable récit personnel où la prolifération des photographies prises, tout en réfléchissant le monde dans le contexte des fantastiques mutations connues par le Japon contemporain, se rapporte à l'insistante confrontation d'un individu avec une expérience de la perte et de la possession amoureuses dont l'image, iincessamment déclinée, du nu féminin devient l'emblème. Une fiction s'inscrit ainsi chez l'artiste japonais. Afin d'interroger la vérité qu'elle contient, « Araki enfin » se donne comme la fiction de cette fiction.
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Correspondance

by Camille Claudel

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 Naguère inconnue du grand public, mal connue des historiens de l'art, Camille Claudel (1864-1943) est redécouverte dans les années 80, et son oeuvre est réhabilité. Son destin - soeur du poète Paul Claudel, élève et maîtresse d'Auguste Rodin, enfermée durant trente ans à l'asile psychiatrique - émeut un large public, et fait d'elle un personnage emblématique du féminisme. Des extraits de lettres de l'artiste à son frère, à sa mère, à Rodin ont d'ailleurs beaucoup été utilisés dans des livres, catalogues, émissions de télévision et long métrage. Ces dernières années, ont été publiés d'autres ensembles de correspondances, ainsi que les lettres - soit écrites par Camille Claudel et non expédiées, soit reçues et non transmises à l'artiste - conservées avec les divers dossiers médicaux des hôpitaux de Ville-Évrard et de Montdevergues. Cependant, ces correspondances, partielles et parfois mal transcrites, sont le véhicule de contresens, d'erreurs de datation des oeuvres, bien gênants pour les historiens. Une édition, réunissant l'ensemble des lettres, aujourd'hui accessibles, confrontant pour chacune les diverses transcriptions aux originaux, justifiant les datations proposées pour les documents non datés et éclairant par des notes le contenu de ceux-ci, s'est donc imposée comme nécessaire. Cet ensemble de correspondances fournit un outil de travail aux chercheurs, mais veut offrir aussi à un plus vaste public une approche à la fois objective et subjective de la vie de Camille Claudel.
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Le Catholicisme Et La France

by Gazan De La Peyriere

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 Exposé systématique de tout ce que le catholicisme a apporté à la France depuis sa première origine: du point de vue politique, des institutions nationales, des missions étrangères, du point de vue des sciences littéraires, philosophiques, scientifiques, artistiques etc Rien n'échappe à l'analyse pleine d'érudition de l'auteur, qui met à disposition quantité de documents pour la défense de notre sainte religion et du clergé fidèle.
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Pour En Finir Avec Les Camps

by Serge Chatelain

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 Un colloque intitulé "Pour en finir avec les camps. Logique et mécanisme de l'intolérance. 1945-2005" a mis au centre des débats, le thème de l'intolérance, dont les camps nazis sont sans doute le visage le plus hideux. Mais "la fin des camps" a-t-elle annoncé le retour de la tolérance ? Comment expliquer la mise à l'index de groupes sociaux entiers ? Comment en vient-on aux camps de l'Allemagne nazie, mais aussi à ceux du bloc communiste ? Fil rouge des intervenants, un groupe minoritaire persécuté par les deux systèmes idéologiques : Les Témoins de Jéhovah.
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Anachroniques

by Daniel Arasse

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 Connu avant tout pour ses remarquables travaux sur la Renaissance italienne, Daniel Arasse a touché un vaste public avec Le Détail, pour une histoire rapprochée de la peinture (1992) et la série d'émissions qu'il enregistra pour France Culture, Histoires de peintures (2003). Il fut régulièrement sollicité par le milieu de l'art contemporain et n'hésita pas à s'y engager, notamment en écrivant une monographie sur Anselm Kiefer en 2000. Anachroniques rassemble dix textes écrits à partir de 1993 et consacrés à des artistes modernes (Max Beckmann, Mark Rothko) ou contemporains (Alain Fleischer, Andres Serrano, Cindy Sherman, Michael Snow). La diversité des artistes étudiés montre l'ouverture de Daniel Arasse et la liberté qu'il s'autorisait dans le choix des commandes qui lui furent proposées. Mais la motivation qui l'anime est toujours fondée sur l'intérêt qu'il porte au regard artistique et aux dispositifs anachroniques que celui-ci met en oeuvre par rapport au passé ou à certaines questions théoriques anciennes que l'art d'aujourd'hui renouvelle. L'autoportrait, la mort, le désir; les petits bricolages ou les grandes machines rhétoriques ; la relation entre mémoire, histoire et mythes, ou celle entre pulsion sexuelle et pulsion créatrice ; les diverses modalités de la représentation du temps et, corrélativement, le rapport dialectique entre temporalité et chronologie dans l'oeuvre d'un artiste. Daniel Arasse remet ici en question certaines idées reçues et ouvre de nouvelles perspectives sur l'ancrage de l'art actuel dans la longue durée de l'histoire des oeuvres.
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Largesse

by Jean Starobinski

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 ce livre de jean starobinski s'ouvre sur une scène de largesse, dans la description célèbre qu'en fit rousseau et à laquelle baudelaire répondit dans l'un de ses poèmes en prose. faire largesse, c'est donner à profusion, c'est jeter des trésors ou leur simulacre à la foule. cette forme spectaculaire de la dépense est un rituel très ancien, étroitement lié à l'exercice du pouvoir et au cérémonial de la fête. quelques grandes pages de la tradition littéraire d'occident sont appelées à témoin : elles vont de l'antiquité latine au xxe siècle (antonin artaud). elles conduisent à reconnaître la version du don qui a prévalu dans l'échelle des valeurs. le geste de charité, tel qu'il est enseigné par les écritures hébraïque et chrétienne, est celui d'une largesse inspirée par l'amour et non par une volonté de domination. ce geste ne vise plus à impressionner la foule, mais à secourir des individus dans leur peine. la plupart des illustrations de cet ouvrage avaient figuré, sous le même titre, dans une exposition présentée en 1994 par le département des arts graphiques du musée du louvre. pour la présente édition, le texte a été revu et corrigé par l'auteur.
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Des Villes Pour Changer Le Monde

by André Cazetien

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 Des villes pour changer le monde ? Un monde qui roule peut-être aux abîmes ? Quelle prétention, allez-vous penser...
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Ninfa Moderna ; Essai Sur Le Drapé Tombé

by Georges Didi-Huberman

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 L'histoire des images ne vit pas seulement au rythme manifeste des renaissances et des obsolescences. Elle vit également au rythme, plus latent, des survivances. Aby Warburg, qui interrogeait l'art occidental sous l'angle des " survivances de l'Antiquité ", accorda une particulière attention à cette figure mouvante et drapée qu'il nommait Ninfa - sorte de personnification ou de demi-déesse des éternels retours de la forme antique. Ce livre entend prolonger aujourd'hui la quête warburgienne de Ninfa : il interroge le motif du corps féminin et de la draperie jusque dans ses avatars contemporains. Comme dans un montage cinématographique, on y voit Ninfa tomber progressivement, et son drapé se séparer d'elle jusqu'à échouer, seul, au plus bas de la représentation. Par-delà les Vénus alanguies de la Renaissance et les martyres baroques écroulées à terre, se dessine un mouvement général qui prendra toute son ampleur lorsque les artistes - d'Atget à Brassaï et Picasso, de Moholy-Nagy à Alain Fleischer - attacheront leur attention à tout ce qui traîne dans les rues de nos grandes villes : par exemple cette informe " serpillière " des caniveaux parisiens, qui forme un surprenant leitmotiv de notre modernité. On découvre alors comment notre présent le plus immédiat peut offrir une " image intime de l'Autrefois ", selon l'expression chère à Walter Benjamin. On découvrira aussi l'exubérance et la paradoxale splendeur des formes les plus misérables, les plus échouées. Aléatoire et souveraine draperie de toute chose lorsqu'atteinte par le temps.
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Souvenirs D'Un Voyage Dans Le Maroc

by Eugène Delacroix

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 Un manuscrit de delacroix, conservé depuis la mort de l'artiste dans les papiers de son ami intime et exécuteur testamentaire achille piron, vendu en décembre 1997 par ses descendants et acquis à cette occasion par la bibliothèque nationale de france, vient d'être complété, en novembre 1998, par un autre manuscrit, conservé dans une collection privée, identifié grâce au musée des beaux-arts de tours et qui porte le titre même imaginé par delacroix : souvenirs d'un voyage dans le maroc. Ces deux fragments miraculeusement réunis se complètent donc pour former un ensemble incomparable et tout à fait fondamental pour la connaissance du plus grand peintre-écrivain du xixe siècle. a travers les innombrables ajouts, coupures, ratures et repentirs divers, on cerne au plus près la difficulté d'écrire dont delacroix se plaignit toujours, alors même que la version finale, naturelle, élégante, aisée, semble couler de source. L'édition critique ici proposée, oú toutes les variantes sont répertoriées à la fin du texte, permettra de saisir par l'exemple cet aspect de la création littéraire chez l'artiste. delacroix n'a jamais raconté en continu son voyage de 1832 en afrique du nord, sinon fragmentairement dans des lettres à ses amis et des carnets qu'il emporta sur place oú, au jour le jour, le texte se mêle étroitement à l'image. Ici, dix ou douze ans après cette expérience décisive, il se la remémore, d'ailleurs à partir de cette documentation primitive, dont on retrouve par endroits la trace directe. si les faits évoqués sont aussi connus par d'autres sources, c'est leur mise en relation qui s'avère passionnante. mais au-delà d'un irremplaçable témoignage, ce texte révèle en réalité des pans entiers de la personnalité intime de delacroix, de ses idées politiques à sa conception de l'oeuvre d'art.
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Des Visages Entre Les Draps : La Ressemblance Inquiète, Ii

by Georges Didi-Huberman

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Penser La Couleur : Significations, Méthodes, Analyses

by Georges Roque

~~30,15€~~ 27,14€ 10% OFF

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