Todos temos as competências necessárias para desenhar; precisamos apenas de as treinar e desenvolver.

Jake Spicer é um artista e mestre de desenho que se especializou precisamente nisso: ensinar desenho a partir do zero.

Este livro é um guia prático que lhe mostra, passo a passo, como aperfeiçoar as técnicas básicas de desenho. A metodologia é cativante, divertida… e muito simples! Cada lição é seguida de um espaço para treinar, por isso, este livro é ao mesmo tempo um manual e um caderno de esboço. As técnicas de Jake Spicer permitem-lhe dominar o básico da arte do desenho e desenvolver-se posteriormente nas formas que preferir - seja o retrato, a paisagem ou o urban sketching.

É garantido: com um pouco de tempo, concentração e esforço… Quando Acabar Este Livro, Vai Saber Desenhar.

Mandalas e Outros Desenhos de Natal para Colorir reúne belíssimas imagens com motivos natalícios e frases inspiradoras que permitirão melhorar o seu estado de ânimo, pelo efeito positivo alcançado com a concentração em pintar.

Nas décadas de 1920 e 30, o artista francês Robert Lambry criou uma série de encantadoras lições para desenhar animais passo a passo. Destinavam-se a crianças e foram publicadas originalmente num jornal infantil, mas quando foram coligidas e editadas em forma de livro, descobriu-se que crianças de todas as idades se entretinham a desenhar animais seguindo os métodos simples e acessíveis de Lambry.

Este clássico do desenho é agora reeditado e apresentado a novas gerações. Passo a passo, traço a traço, qualquer pessoa será capaz de desenhar até o mais complicado dos animais.

Um passatempo irresistível com um estilo encantador.

Desenhar de forma criativa, sem o receio de «pisar o risco», pode ser uma experiência maravilhosa e libertadora. Este livro ajuda-o a fazer isso mesmo. Não é necessário nenhum conhecimento ou equipamento especiais, basta que coloque a sua caneta ou o seu lápis no papel para ver o que acontece.

Há quanto tempo não faz uma pausa a sério?
O nosso dia a dia é marcado pelo stresse e pela falta de tempo. Temos dias de trabalho cada vez mais longos e, mesmo no tempo livre, estamos constantemente a olhar para ecrãs - por exemplo, a verificar emails de trabalho ou embrenhados nas redes sociais. Ao mesmo tempo, a vida familiar é cada vez mais desgastante: as crianças têm jornadas escolares cada vez mais intensas, com atividades extracurriculares que exigem aos pais uma logística desgastante. Até em viagem ou de férias, quantas vezes não vamos só ver o email? Ou, mesmo num cenário paradisíaco, quem não fica de olhos presos no feed de notícias? E quando é que nos conseguimos desligar de todo esse ruído mental?

O grande problema de estarmos constantemente atarefados é que a nossa capacidade de atenção e de concentração é forçada até ao limite - e, muitas vezes, para além dele. Estudos recentes nas áreas da psicologia e da neurociência sugerem que o uso constante das tecnologias digitais provoca alterações estruturais e funcionais nas regiões do cérebro relacionadas com o processamento da informação emocional, da atenção executiva, da capacidade de decisão e do controlo cognitivo.

A dimensão esquecida da obra de Mário-Henrique Leiria reunida num álbum a cores.

A condição de artista plástico é, em Mário-Henrique Leiria, uma das muitas que viveu e explorou, sendo também a prova de que para o Autor de Contos do Gin-Tonic o impulso criativo era precisamente isso: um impulso, com várias manifestações.

Da mesma forma que, com uma facilidade tremenda, na toalha de mesa de um café Mário-Henrique Leiria escrevia um poema para oferecer a alguém que ali, naquele momento, lho solicitara, também fazia desenhos em qualquer superfície que se lhe oferecesse. Este volume recupera todo esse espólio visual, juntando-lhe pintura e outras produções gráficas.

O trabalho gráfico de Mário-Henrique Leiria reflecte os seus gostos e os seus interesses. Nele está presente o surrealismo, claro, mas também o seu fascínio pela ficção científica, pela literatura popular de aventuras, pelo cinema e, sempre, pela palavra.

Esta é a primeira reunião em livro da obra gráfica do Autor, num volume a cores com capa dura, que recolhe mais de duas centenas de trabalhos, a maior parte dos quais não tinha sido antes publicada nem impressa.

E com este último título conclui-se a publicação das obras completas de um criador genial, terminando uma empreitada de cinco anos de trabalho incansável da organizadora da obra, Tania Martuscelli (Universidade de Boulder, Colorado, EUA).

Este guia prático mostra-lhe, passo a passo, como desenvolver as técnicas básicas de desenho a tinta. Com uma metodologia cativante, divertida e muito simples, cada lição é seguida de um espaço para treinar, fazendo deste livro um manual e um caderno de esboço ao mesmo tempo. As técnicas de Jake Spicer permitem-lhe dominar os conceitos básicos (cor, linha e sombra) e os diversos materiais (caneta, marcador, caneta de tinta-da-china, pincel) da arte do desenho a tinta. Assim poderá desenvolver-se posteriormente nas formas que preferir - seja o retrato, a paisagem ou o urban sketching.

Acredite: basta um pouco de tempo, concentração e esforço e… Quando Acabar Este Livro, Vai Saber Desenhar a Tinta.

Nas palavras da sua autora, esta é uma kind of biography — uma magnífica viagem pela vida e obra de Almada Negreiros onde somos conduzidos por alguém que o conheceu de perto e teve acesso a material até aqui desconhecido. Como diz Maria José Almada Negreiros, «[…] não estava a fazer uma biografia morosa mas, em contrapartida, apareceu tanta coisa nova que foi como se fosse. Todo aquele vazio de Paris, e a sua vida entre 1920 e 1930, que não eram públicos, são novidades. Novidades — tanto tempo guardadas em caixas de cartão, em prateleiras de armários onde não se mexe.»

Há algo na cor preta que a distingue das restantes. Cor das trevas e da morte, é também conotada como símbolo de dignidade e autoridade. A sua simbologia ambivalente acompanha as evoluções culturais da Europa, seduzindo piratas, monges, artistas, costureiros e fascistas.

Associado ao pecado e ao inferno pelo cristianismo, o preto perde o estatuto de cor no início da modernidade, com as experiências de Newton e a invenção da imprensa. Sobrevive por via do exotismo, no culto romântico da melancolia, contagiando poetas e dandys, até triunfar magistralmente nas artes do século XX e se converter na cor por excelência da elegância e da modernidade.

Álbum ilustrado, publicado em conjunto com a exposição homónima, patente no Museu Nacional de Arte Contemporânea até 22 de Março de 2020.

Apesar do vasto legado artístico e de a sua obra já ter sido várias vezes dada a ver, Sarah Affonso permanece desconhecida do grande público, sendo muitas vezes posta à sombra da imagem do marido, Almada Negreiros. No ano em que se assinala o 120.º aniversário do nascimento da artista, este livro pretende colmatar essa falha e divulgar o trabalho de uma das mais notáveis e, paradoxalmente, desconhecidas modernistas portuguesas.

A artista que aqui se apresenta — através dos trabalhos, da fotobiografia e de ensaios desenvolvidos por especialistas de diferentes áreas — é uma criadora multifacetada, com uma obra que vai do desenho e da pintura ao bordado, da ilustração aos azulejos, e que parte da tradição gravada nas suas memórias e na sua vida familiar para a exploração de novos territórios, como o trabalho de arquitectura paisagista e design de interiores que foi desenvolvendo na sua casa de Bicesse.

«Possa este livro, agora nas mãos dos leitores, proporcionar o início de um mais vasto conhecimento e reconhecimento da obra de Sarah Affonso e lançar a semente de muitas e novas abordagens ao seu legado artístico diverso, que é um testemunho rigoroso, analítico, informado e emotivo do seu tempo e da sua vida. Um tempo de que foi criadora e uma vida de que foi resistente e hábil tecedeira.»
Prefácio, Emília Ferreira (directora do MNAC)

Livro com 18 postais em Aguarela sobre a cidade de Lisboa pintados por Júlio Costa.

Uma viagem em aguarela atravessando Alfama, a Baixa Pombalina, o Bairro Alto, a Torre de Belém e passando também por Sintra e Cascais.

Paula Rego e Agustina Bessa-Luís: destas duas mulheres já se disse quase tudo. Que uma pinta monstros e seres ameaçadores, que a outra imagina e descreve personagens perversos e de uma ironia cruel. São duas mulheres e são ainda duas meninas. Do seu encontro surgiu uma obra única. Aclamado pela crítica, o livro As Meninas regressa finalmente às livrarias, agora num novo formato.

Livro com 12 posters em Aguarela sobre a cidade do Porto pintados por Júlio Costa. Uma viagem em aguarela atravessando a Ribeira do Porto, o largo da Pena Ventosa, o bairro de Miragaia, a Torre dos Clérigos e a Estação de São Bento chegando até à ilha do Galo Preto.

O tratamento das narrativas e figuras mitológicas na arte leva então a questionar se existe uma memória visual colectiva. Como propagar e disseminar as histórias da História e as morais a elas inerentes, através dos tempos?

A presente publicação deseja indagar, então, a investigação artística associada à prática da pintura, e procura o sentido da reflexão que pode acontecer em torno de uma mecânica de acção que faz emergir o acto de pensar a pintura como pensamento primordial da criação artística. A pintura, hoje, permite o entendimento de que a pintura pensa e mostra, mostra e pensa. E neste eixo principal permanece e permanecerá, portanto, a pergunta sobre a possibilidade da lição da pintura. A pergunta será, provavelmente, a do lugar por excelência da lição da pintura: a lição do que se deseja saber mas que não se sabe.

Por isso, quando perguntamos se a pintura é uma lição, estamos a perguntar, ainda, a relação da pintura entre a investigação e a criação, a imprescindibilidade do fazer falar a pintura, a realidade da ideia da teoria do pintor e, finalmente, a insinuação de que a pintura pensa o mundo em lição.

Francisco Smith (só mais tarde Francis) nasceu em Portugal em 1881, mas cedo emigrou para França, onde acabou por passar a vida toda e onde se tornou um pintor admirado e bem-sucedido. Contudo, e apesar de todos os registos o colocarem como o artista português com maior presença no panorama cultural francês da primeira metade do século XX, integrado na conceituada Escola de Paris, em Portugal o seu trabalho foi e permanece de certa forma ignorado.

A apropriação das suas pinturas de temática nacional pelo Estado Novo, que lhe deixou o título de «pintor da saudade portuguesa», o selo de ingenuísta e outras ideias feitas afastaram a História da Arte de um estudo mais aprofundado, e devido, à obra do modernista Francis Smith - uma lacuna que esta exposição e, consequentemente, este livro vêm agora reparar.

São sete retratos que anseio [...] possam exercer uma atracção infinita: que os seus olhos tenham vida e movimento, façam sentir arrepios involuntários e terrores secretos, mas […] não gostaria que aterrorizassem de morte os leitores.

Este livro foi publicado por ocasião da exposição «Adriana Molder — Fantasmagoriana», com curadoria de António Gonçalves, realizada na Galeria Ala da Frente, em Vila Nova de Famalicão, de 22 de Setembro de 2018 a 19 de Janeiro de 2019.
Foi no Inverno de 2007 que li pela primeira vez esta colectânea de contos populares alemães. Alguns deles inspiraram, num espaço também ele habitado por espectros e fantasmas, os primeiros desenhos e, mais tarde, as pinturas que agora aqui se reproduzem. Esta compilação de contos selecionados e traduzidos anonimamente por Jean Baptiste Benoît Eyriès, e por ele chamada Fantasmagoriana, foi também lida por Mary Shelley na Villa Diodati, no Verão de 1816, inspirando-a a escrever Frankenstein. São esses contos que se apresentam agora finalmente traduzidos em português.
[...] Longe vai o tempo em que convivíamos com retratos e estes ou nos estarreciam ou nos protegiam, mas nunca nos deixavam indiferentes. Estes sete retratos são também sete momentos inspirados nos contos que se seguem, aos quais procurei dar aquilo que mais procuro, a intensidade, onde o leitor pode conseguir reconhecer-se em rostos que, tal como os fantasmas, não são mais do que vestígios de emoções passadas.

[Adriana Molder]

O Físico Prodigioso é uma das mais ousadas e belas novelas da literatura portuguesa. De um erotismo arrojado, viajando pelas noções de género, este pequeno romance de Jorge de Sena dá corpo a uma edição artesanal, com materiais únicos da Guerra e Paz. Com uma capa articulada em quatro "pastas" ou painéis, o livro tem um metro de envergadura quando completamente aberto e desdobrado. É, por isso, uma edição única no mundo.

Jorge de Sena foi o primeiro autor da Três Sinais, editora que hoje, como coleção de "livros de arte", faz parte do património da Guerra e Paz, Editores. É, por isso, que nela agora se inclui este O Físico Prodigioso.

Como acontece com outras obras da coleção, o texto de Sena, «modelo superlativo do conto fantástico português», é acompanhado por 21 ilustrações de Mariana Viana. O livro tem igualmente as marcas artesanais da coleção: a capa articulada em quatro painéis com ilustrações, sendo esses painéis revestidos a papel couché de 135 gramas, plastificado a dourado, e a faces do miolo, de cor azul, pintadas à mão.

Foram estas as soluções técnicas que a Guerra e Paz encontrou para, num tempo de mudança do paradigma do livro, reforçar a singularidade de uma obra de conteúdo audacioso e perturbador.

Decisiva para a viabilização desta edição foi Isabel de Sena, filha de Jorge de Sena, curadora da sua obra. Acolheu com entusiasmo a sugestão do editor para a presente edição, tendo acompanhado cada passo do processo editorial. A sua forma larga e generosa de ver o livro foi um estímulo e uma inspiração que o editor muito lhe agradece.

O editor louva também à pintora Mariana Viana a coragem de se envolver neste projeto, enfrentando sem temor as limitações de tempo, que balizaram a conceção e desenvolvimento desta edição. As suas 21 ilustrações dialogam com o experimentalismo narrativo, tão poético, de Sena, com a sua liberdade erótica que tem raízes nas antiquíssimas cantigas de amigo e de amor.

Esta edição é também um desafio a bibliófilos e colecionadores. Foram impressos 1500 exemplares, numa edição limitada e numerada. Não haverá reedição ou reimpressão, como aliás é timbre das edições únicas da Guerra e Paz editores.

É o pintor mais representativo da actividade das oficinas de Lisboa na primeira metade do séc. XVI. Referência para a sua pintura religiosa executada para a Ordem de Santiago, onde foi distinguido com o grau de cavaleiro, e para vários mosteiros e confrarias.

Quase tudo aconteceu na obra de Júlio Pomar depois do neo-realismo (ou novo realismo, como preferia escrever), o qual durou só os 10 anos iniciais - por isso o título. E, aliás, o neo-realismo não foi o que dele se disse.

Filho do pintor, autor do respectivo Catálogo Raisonné, comissário e colaborador de algumas exposições, Alexandre Pomar reuniu os seus escritos sobre Pomar e o seu tempo, inéditos ou publicados, mas sempre inteiramente revistos, percorrendo a longa carreira e formulando interpretações originais que se confrontam com as versões académicas habituais: a afirmação da Geração de 45, a partir dos Independentes do Porto; a informação americana vinda na 2.ª Guerra e a formação cosmopolita; as obras modernas trocadas com os artistas amigos; e o segundo período militante dos anos 50, antes de passar a outros caminhos. Visita-se a aventura dos frescos do Batalha, o período pop iniciado nos anos 60, as obras brasileiras e a última pintura literária e de História.

Dois anexos incluem 25 escritos inéditos ou dispersos do artista e também correspondência com interesse biográfico, com Mário Dionísio, Manuel Vinhas, Paula Rego ou Cardoso Pires, e cartas para os filhos dos primeiros anos de Paris.

José Alberto Ferreira: «Criador ecléctico, inesgotável e inconformado, como lembra Sérgio Mah no belíssimo texto que escreveu para apresentar estas geografias da forma, na já longa carreira de Jorge Martins permanece intocada a inquirição perante o acto de pintar, a busca inquieta do pintável, do que na pintura é cor, matéria, luz e espaço.»

Este livro resulta da exposição homónima que, em 2021, inaugurou a Galeria Millennium bcp no Museu Nacional de Arte Contemporânea. Aqui se propõe um novo olhar sobre a narrativa oficial da história da arte e se estabelecem relações inéditas entre vários artistas, com especial enfoque nas obras de Vieira da Silva e de Brion Gysin. A investigação do curador, João Biscainho, coloca em diálogo obras modernistas e contemporâneas que trabalham a representação e a composição espacial enquanto estratégias de notação (de espaços mentais, sonoros, literários e de realidade virtual), juntamente com obras realizadas a partir da atividade elétrica do cérebro ou do conhecimento das neurociências.

Feito a partir da exposição homónima, patente em 2021 na galeria Millenium BCP no museu nacional de arte contemporânea.
OS ARTISTAS
Alvin Lucier
Bernhard Leitner
Brion Gysin
Char Davies
Emanuel Dimas de Melo Pimenta
Fernando Lemos
Hélder Rodrigues
Henrique Risques Pereira
Ian Sommerville
Jorge Pinheiro
Manuel D’assumpção
Maria Helena Vieira da Silva
Paulo Bruscky
Silvestre Pestana
Suzanne Dikker & Matthias Oostrik
Varela Pécurto

Este livro foi publicado por ocasião da exposição Discurso Silencioso, de Jorge Pinheiro, com curadoria de António Gonçalves, realizada na Galeria Ala da Frente, em Vila Nova de Famalicão, de 10 de Abril a 31 de Julho de 2021.

«De facto, nós não sabemos por que razões chegamos a determinadas coisas. Há tanto em jogo naquilo a que pomposamente se chama o acto de criação.»
[Entrevista de Pedro Cabrita Reis a Jorge Pinheiro, D’après Fibonacci e as coisas lá fora, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Fundação Carmona e Costa, Sistema Solar (Documenta), 2017, p. 130]

«O criador — já a palavra é extremamente pomposa — é, de facto, apenas um demiurgo, sem dúvida. Nós não somos criadores. O Homem não tem capacidade, em termos absolutos, de criar. Tem apenas a capacidade de juntar coisas com coisas, para obter um resultado quantas vezes imprevisto. E isso, estou de acordo, é o trabalho do demiurgo.»
[Entrevista de Pedro Cabrita Reis a Jorge Pinheiro, D’après Fibonacci e as coisas lá fora, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Fundação Carmona e Costa, Sistema Solar (Documenta), 2017, p. 131]

«Olho para a pintura dos outros apenas na medida em que ela serve para fazer a minha. Não me preocupo com o que está ou deixa de estar na moda. O que me preocupa é o mundo onde eu sou e onde consciencializo a existência do Outro, como ele consciencializa a minha.»
[Entrevista de João Pinharanda e Nuno Faria a Jorge Pinheiro, Jorge Pinheiro 1961-2001, Fundação Calouste Gulbenkian, p. 32]

«Representação do movimento, só no discurso do quotidiano, que aparece muito frequentemente no desenho livremente realizado. Mas na pintura é muito raro. Quando se representa o movimento, automaticamente é-se arrastado para a acção e, consequentemente, para uma história. E eu não quero contar histórias.»
[Entrevista de João Pinharanda e Nuno Faria a Jorge Pinheiro, Jorge Pinheiro 1961-2001, Fundação Calouste Gulbenkian, p. 35]

António Salvado, poeta, e José Manuel Castanheira, arquitecto e cenógrafo, juntaram-se para esta obra que reúne poesia e 50 pinturas inéditas em torno do icónico Jardim do Paço, em Castelo Branco.