Arte em Fluxo reflecte sobre o lugar da arte no fluxo do tempo, problematizando o papel do museu, do arquivo e da Internet. Até à modernidade, ultrapassada a crença nas ideias eternas e no espírito divino, resistir à corrente do tempo era a promessa secular da arte.

Hoje, a sua materialidade contingente rende-se aos metadados, e a reprodução técnica de objectos sem aura dá lugar à produção digital da aura sem objecto. Boris Groys serve-se de inesperadas inversões do olhar para nos propor novas possibilidades interpretativas, ampliando o próprio âmbito da arte e da filosofia.

Uma cativante reunião de ensaios, que põe em diálogo vanguardas e contemporaneidade, arte e activismo, por um dos teóricos mais originais da actualidade. 

Quando falamos de património cultural, pensamos falar de coisas do passado, perdidas num canto recôndito da memória coletiva. Puro engano! O património cultural é um tema do presente, apela a todos e projeta-se no futuro. Testemunha e expressa valores, crenças e saberes em contínua evolução e mudança. Envolve memória histórica e criação contemporânea: o que é material e construído, o que é imaterial (tradições e vivências), o que diz respeito à natureza e às paisagens, às áreas urbanas e aos jardins históricos, bem como o que se reporta às ciências e tecnologias. Neste ensaio, Guilherme d’Oliveira Martins apresenta este conceito novo, alargado e transversal, de património cultural. Centra-o nas expressões de valores que põem em contacto a História e a existência individual, a razão e a emoção, e que constituem a matéria-prima de uma cultura de contacto e de paz. Ter memória, diz-nos, é respeitarmo-nos, através da defesa, da proteção e da preservação do que é de sempre.

Esta obra realiza uma viagem pela Arte portuguesa, desde as suas origens à atualidade.

Tratando-se de uma viagem breve, fixa-se na anotação das obras e dos autores mais relevantes em cada etapa ou contexto evolutivo e em cada estilo ou corrente artística.

Assentando na evolução das artes visuais, o presente trabalho dá o maior realce à imagem, permitindo visões de conjunto das obras selecionadas e a análise de pormenores por vezes difíceis de captar.

Nos objetos de aprofundamento e de análise, salientam-se particularidades, interpretam-se significados e simbologias, analisam-se expressividades... contribuindo para uma melhor e mais completa fruição das obras postas em destaque.

Deste modo, esta obra constitui uma espécie de "museu virtual" por onde, afinal, perpassam as características que, de forma mais genuína e autêntica, definem e identificam a alma portuguesa.

A arte no Ocidente apresenta a arte do mundo ocidental nas suas principais etapas evolutivas, desde a Antiguidade Clássica até à atualidade. Aflora, também, a vertente portuguesa possibilitando um entendimento integrado e comparado da arte nacional.

Obra abrangente, já que abarca mais de vinte e cinco séculos de evolução artística, é também específica pois analisa as principais etapas da História da Arquitetura, da Pintura e da Escultura, integrando-as nos seus respetivos contextos históricos e culturais e descrevendo, classificando e interpretando estilos, movimentos, correntes, autores e obras, muitas delas com análises individuais mais aprofundadas.

De fácil consulta, é igualmente uma obra precisa, que se dirige tanto aos estudiosos da Arte como ao grande público que pensa, sente e vê a Arte como algo de seu e cujo conhecimento contribui tanto para um melhor entendimento pessoal como para o enriquecimento da sua perspetiva sobre o Mundo.

A partir da relação entre arte e psicologia, este livro desenvolve uma abordagem que parte da psicologia da percepção visual para o encontro com a realidade artística, acolhendo o que se pode entender como configuração e representação artísticas.

Nenhuma cor se compara ao vermelho; é a cor arquetípica, a primeira a ser dominada e reproduzida pela humanidade em pinturas parietais e adornos corporais.

Vinculado ao fogo e ao sangue desde épocas remotas, o vermelho desdobra-se num labirinto cromático particularmente fecundo e ambivalente: cor do Graal e do amor nos romances de cavalaria, cor do Capuchinho Vermelho, será também a cor dos proscritos, das forças do mal, indiciando perigos e interdições.

Marginalizado por Newton e renegado pela Reforma protestante, o vermelho perde o seu estatuto de primeira cor e torna-se demasiado vistoso, e até imoral.

Permanecerá, no entanto, como a cor do erotismo, da alegria e da revolução.

O que torna algo uma obra de arte? De que modo os antigos gregos deram forma ao ideal de beleza? Será que a cor exerce uma influência direta na alma? Este livro analisa estas e outras questões, explorando os principais movimentos, temas e estilos da história da arte através de mais de duzentas obras de uma ampla variedade de meios de comunicação.

Escrito numa linguagem simples, O Livro da Arte traduz o jargão da história e teoria da arte e está repleto de imagens das grandes obras de arte mundiais e de infográficos engenhosos que exploram as ideias por detrás delas. Das imagens pré-históricas que simbolizam a fertilidade às videoinstalações contemporâneas, este é o livro perfeito para a introdução ao mundo da arte.

Quer o leitor seja um estudante de arte, ou simplesmente um ávido visitante de museus e galerias, irá encontrar um novo olhar sobre obras de arte já conhecidas e novos tesouros.

O amarelo vê-se, destaca-se, chama a atenção. É alegre e revigorante. Mas a idade de ouro desta áurea cor permanece na Antiguidade. A cor dos deuses solares e da prosperidade tornou-se, na passagem à Idade Média, a do engano, da avareza, do crime e da doença. Hoje, na Europa, é rara nas fachadas das lojas e dos edifícios, no interior das casas ou nas roupas do comum dos mortais.

No quinto livro da série dedicada às cores, Michel Pastoureau reconstitui a sinuosa história do amarelo, num percurso que se inicia na arte das cavernas e chega às agitações sociais dos nossos dias.

Será o amarelo a cor do futuro?

Há algo na cor preta que a distingue das restantes. Cor das trevas e da morte, é também conotada como símbolo de dignidade e autoridade. A sua simbologia ambivalente acompanha as evoluções culturais da Europa, seduzindo piratas, monges, artistas, costureiros e fascistas.

Associado ao pecado e ao inferno pelo cristianismo, o preto perde o estatuto de cor no início da modernidade, com as experiências de Newton e a invenção da imprensa. Sobrevive por via do exotismo, no culto romântico da melancolia, contagiando poetas e dandys, até triunfar magistralmente nas artes do século XX e se converter na cor por excelência da elegância e da modernidade.

O grande esforço de Cézanne
foi empurrar para longe a maçã
e deixá-la viver a sua própria vida

Quando [Cézanne] dizia aos seus modelos: «Sejam uma maçã! Sejam uma maçã!», exprimia o que é prólogo da queda; não só a dos idealistas, tanto os jesuítas como os cristãos, mas a do colapso de toda a nossa forma de consciência substituindo- a por outra. Se o ser humano fosse essencialmente uma Maçã, como era para Cézanne, caminharíamos em direcção a um novo mundo de homens: um mundo com muito pouco para dizer, com homens que conseguiriam, apenas com o seu lado físico e uma verdadeira ausência de moral, manter-se tranquilos. Era o que Cézanne queria deles: «Sejam uma maçã!» A partir do momento em que o modelo começasse a impor a sua personalidade e a sua «mente» passasse a ser um lugar-comum, uma moral, ele sabia muito bem que iria ver-se obrigado a pintar um lugar-comum. A única parte da personalidade que não era banal, conhecida ad nauseam e um vivo lugar-comum, era a sua maçãneidade. O corpo e até mesmo o sexo eram conhecidos até à náusea, eram o connu! connu!, a cadeia infindável da conhecida causa-efeito, a teia infinita dos odiosos lugares-comuns que a todos nos aprisionam num incomensurável tédio. [D.H. Lawrence]

O Destino das Imagens reúne dois artigos e três conferências proferidas por Jacques Rancière, entre 1999 e 2002, no Centro Nacional de Fotografia, em Paris, e na Academia de Belas-Artes de Viena. Partindo das filmografias de Bresson e de Godard, e das reflexões estéticas de Deleuze, Adorno e Lyotard, o autor questiona, neste conjunto de textos, o estatuto da imagem na arte contemporânea.

Élie Faure (1873-1937) um médico, mas sobretudo escritor que em jornais, revistas e livros pensava a arte, toda a arte, como «o grande mistério da transposição lírica», e os homens como «construtores» obscuros com um esforço colectivo ignorado, responsável pelo aparecimento dos espíritos superiores no mundo. […] O texto Paul Cézanne é de 1914 e está entre os que dedicou a notáveis «construtores do mundo», ou seja, a autores de «um trabalho de organização esboçado numa sociedade destruída». São a esta luz significativas as considerações que a sua História propõe sobre o pintor: «Mesmo quando tenta compor, como nessas extraordinárias reuniões de personagens nuas onde fez o esforço, visivelmente obcecado pela memória de Poussin, de construir com inabilidade uma longa melodia sensual no meio do grande coro das árvores, do vasto céu, das águas correntes, mostra-se mesmo então livre de toda a espécie de intenção psicológica ou literária. E o seu clacissismo, essa necessidade de ordem e medida que desde a infância o perseguia, mesmo então se engana sobre o seu verdadeiro sentido.
Ele provinciano, ele católico, está de acordo com o ritmo secreto do seu século, é impelido em direcção ao organismo desconhecido, que hesita, por forças profundas das quais não tem mais consciência do que os pedreiros das últimas igrejas romanas perante uma nave que ia de repente saltar, aligeirar-se, alongar-se, planar como uma asa com a geração que ascendia.»

Joachim Gasquet (1873-1921) deixou na literatura francesa uma imagem quase esquecida de poeta lírico, tendo chegado a dizer-se que a mais forte desde Victor Hugo. […] Só era um dia mais velho do que Élie Faure, mas os seus pulmões — roídos pelo gás clorídrico dos ataques químicos da primeira Guerra Mundial — reduziram-lhe a vida a quarenta e oito anos, os últimos passados numa luta sem êxito pela sobrevivência. […] Embora Cézanne fosse amigo de infância do seu pai, Joachim só o conheceu em Abril de 1896 (o ano do retrato onde hoje o vemos, exposto na Galeria de Arte Moderna de Praga e com um aspecto difícil de associar aos vinte e três anos de idade que nessa altura ele tinha). Entre os dois houve um convívio intenso, os quatro anos de encontros e cartas que veremos reflectidos em O Que Ele Me Disse…, aos quais outros se sucederam de relativo afastamento até ao desacordo político que em 1904 definitivamente os separou.

«O Guia de História de Arte Contemporânea» tem subjacente um objectivo concreto e manifesto – o de multiplicar, para o leitor, os fios de Ariana necessários a uma orientação efectiva por entre os numerosos fenómenos que, ao longo de todo o século XX, se foram verificando no labirinto da arte. Numa rápida sequência cronológica, esta obra apresenta os momentos mais significativos do universo artístico de Novecentos, evidenciando-os através de testemunhos de extrema clareza e de imagens que são, para muitos, inéditas. Faz uma síntese muito completa da pintura e da arquitectura deste período e tece investigações críticas sobre escultura, design, cinema e moda. Nestas páginas, ilustradas com cerca de 450 reproduções de obras de arte e fotografias, o leitor poderá descobrir pistas úteis para se orientar com segurança através dos grandes museus de arte contemporânea de todo o mundo.
Conta ainda com um extenso capítulo sobre a arte contemporânea portuguesa, da autoria de Cristina Azevedo Tavares, onde se analisam, entre outros aspectos, as persistências e a vontade de mudança, os anos 40 e as novas correntes artísticas, o 'neo-realismo', o 'surrealismo', a obra pública de Almada Negreiros, os anos 60 e os valores emergentes e, ainda, o final do século.

Os tesouros escondidos e pouco apreciados dos desenhos antigos de mestres, em coleções públicas e privadas portuguesas, foram apresentados ao público europeu em 2000-2001 com a exposição Desenhos dos Mestres Europeus em Coleções Portuguesas, organizada pelo Centro Cultural de Belém (CCB), Lisboa, e realizada no Museu Fitzwilliam, Cambridge; no CCB; no Museu Nacional de Soares dos Reis, Porto (com versão reduzida exposta no Prado, em Madrid, em 2002).

Passadas duas décadas, é tempo de dar a conhecer a uma nova geração a vitalidade da tradição de colecionar desenhos de antigos mestres em Portugal, prática que remonta ao início do século XVI, e que hoje é ainda mais vibrante do que em muitos outros países europeus. (...) a seleção inclui aquisições recentes feitas pelo Museu da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto, incluindo obras de Carlo Maratti e Giovanni Battista Merano, além de um terceiro desenho de Polidoro da Caravaggio.

Não existe melhor testemunho da vitalidade da tradição de colecionar e do contínuo interesse pelos desenhos dos Antigos Mestres em Portugal.

A preparação da exposição A Igreja de Santa Engrácia no Campo de Santa Clara:
os tempos do lugar levou-nos a procurar novas respostas e novas leituras, que permitissem acrescentar novidade à investigação sobre o edifício de Santa Engrácia na longa história da sua construção, do século XVI ao século XX.

Ao mesmo tempo, foi nosso ensejo articular a história do monumento com a história do lugar onde este se encontra implantado, o Campo de Santa Clara, procurando nas relações com os outros edifícios, com protagonistas e com circunstâncias, fortalecer o conhecimento sobre Santa Engrácia de forma integrada.

Colocando o enfoque na igreja de Santa Engrácia e na sua história arquitetónica, desde a sua construção primitiva até à inauguração como Panteão Nacional, em 1966, traçamos a relação do monumento com as dinâmicas urbanísticas do local escolhido pela infanta D. Maria, filha do rei D. Manuel I, para a sua implantação, quando se assinalam 450 anos (1569-2019) sobre a fundação da sede da paróquia de Santa Engrácia (2 de dezembro de 1569), por deliberação de D. Jorge de Almeida, arcebispo de Lisboa.

A arte nacional é um conceito que aproxima e esclarece épocas, regimes e soluções estéticas. Valoriza a dimensão ideológica subjacente às formas artísticas, articula o tempo longo e a conjuntura e alarga a visão da realidade. A arte nacional é, em primeiro lugar, uma proclamação, cuja feição estereotípica tende, no final de Oitocentos, para o essencialismo.

É o termo de uma dicotomia que tem como oponente a arte internacional. Integra-se no conceito mais amplo de culturas nacionais e traduz o desejo de dar um conteúdo ao sentimento de pertença à nação. Em Portugal, nasceu na primeira metade do século XIX, a partir de três assuntos (escola portuguesa de pintura, estilo manuelino e pintura de costumes) e desenvolveu-se até alcançar a máxima expressão por volta de 1940, determinando fenómenos tão diversos como o revivalismo neomanuelino, a casa portuguesa, a colonização ideológica do classicismo, a revalorização do estilo pombalino e a atitude antimoderna.

O Museu Nacional Grão Vasco assinalou os 160 anos do nascimento de Mariano Benlliure e os 75 anos da sua morte com a exposição Mariano Benlliure - Legado Artístico em Portugal onde apresentou uma parte significativa das obras do escultor, existentes nas suas coleções.

Esta obra tem um carácter único e marcante pois preenche uma lacuna no panorama multidisciplinar da investigação em Ciências Sociais e Humanas em Portugal e dedica-se a um período cronológico nem sempre olhado com a atenção que merece nem entendido no potencial que detém.

É neste sentido que se torna urgente conhecer os horizontes artísticos lusitanos da Antiguidade Clássica e Tardia recorrendo às contribuições interdisciplinares da Arqueologia, História, Humanidades Digitais, Filosofia, Literatura, Geologia e juntando, de forma inédita, nomes reconhecidos da investigação nacional e internacional e jovens entusiastas guiados por boas práticas de pesquisa.

Horizontes Artísticos da Lusitânia aposta fortemente na divulgação do património histórico e artístico da província romana da Lusitânia cujo território pertence hoje, em grande parte, a Portugal. De entre os vários locais em estudo destacam-se: Idanha-a-Velha, (Idanha-a-Nova, Beira Baixa), Mértola (Mértola, Baixo Alentejo), Tróia (Grândola, Alentejo Litoral), Santiago da Guarda, (Santiago da Guarda, Ansião, Região Centro) e Frielas (Loures, Estremadura).

Jogos Cruzados - Viagens entre Oriente e Ocidente é o catálogo da exposição do Museu Nacional de Arte Antiga em que, segundo João Carlos Santos (Diretor-Geral do Património Cultural), «além das atividades básicas de subsistência, a expressão artística e o jogo são talvez das ações humanas mais decisivas no processo de evolução civilizacional. O jogo, matéria da atenção da antropologia, que justamente destacou a sua função social […] tornou -se depois essencial na matemática aplicada, e daí, através da teoria dos jogos, estendendo-se depois aos mais diversos campos disciplinares, da economia, da biologia e da física à ciência política e à computação. […] Mas não se trata aqui, apenas, de produtos sumptuários, de obras de arte e de artesania fina, de materiais nobres e raros.»

O presente texto Nadir, a Arte em Diáspora é um trabalho colectivo resultado de uma inicial publicação na Revista Visuais com o título Nadir, a Arte de uma Diáspora. Com efeito, e por convite do Professor Mauricius Martins Farina (do programa de pós-graduação em Artes Visuais da Unicamp - Brasil), fomos convidados para coordenar um dossier temático sobre Nadir Afonso, e que tinha por objecto a divulgação da obra nadiriana no Brasil.

Este dossier (constituído por 10 ensaios inéditos e por uma separata sobre a biografia, a bibliografia, e a obra de Nadir Afonso) foi publicado em 2019 (v.4, n.º 7, 2018, publicação on-line de Fevereiro de 2019, ISSN 2447-13131).

A este dossier acrescenta-se, agora, um ensaio não inédito de Adelaide Ginga e já publicado em 2010, por considerarmos importante para se complementar a revisão histórica do tempo da diáspora nadiriana.

Coimbra distingue-se por ter acolhido durante séculos a única universidade portuguesa. Isso conferiu-lhe uma particularidade, um valor e um imaginário. A construção da cidade universitária durante o Estado Novo revelou as subtilezas desse imaginário e a sua conexão paradoxal com fortes impulsos destrutivos. O presente livro tem o objectivo de mostrar as ligações entre a mundividência académica coimbrã e o património.

A escassez de produção ensaística no domínio da teoria de arte, no horizonte nacional, é manifesta. Por isso creio que este ensaio pode constituir um sinal oposto pela significativa reflexão que realiza sobre o recurso à obsolescência dos media por parte de alguns artistas maiores do final do século XX.

De facto, numa época em que as tecnologias da imagem não só sofreram grandes alterações com o digital, como começaram a generalizar-se de forma permeável a largas camadas da população e quando vários artistas assumiram um fascínio pelas novas possibilidades tecnológicas oferecidas, uma nova geração, revelada na década de 1990, enveredou por um caminho diferente e privilegiou os usos populares das tecnologias, submetendo-os a deslocações através de processos de manipulação ou contextualização espacial. (...)

Se a construção de uma teoria da arte pede conceitos à teoria no sentido geral para interpretar e organizar definições sobre as matérias sensíveis e inteligíveis constitutivas das obras, o interesse maior de uma teoria da arte pode residir na sua capacidade de proporcionar argumentos capazes de relacionar os dados específicos da obra com um quadro geral do pensamento.

É essa admirável manifestação que este ensaio realiza ao construir uma teoria da arte sobre o recurso à obsolescência enquanto processo crítico do valor da tecnologia no quadro histórico do capitalismo avançado.

Um dos principais objectivos […] deste livro é o de disponibilizar em português uma série de textos clássicos que são de referência obrigatória no debate actual sobre arte e política.

Brian Holmes, Claire Bishop, Diana Taylor, Grant Kester, Gregory Sholette, Marcelo Expósito, Matteo Pasquinelli, Roger Sansi Roca, Suzanne Lacy.

Ao longo do seu percurso José de Guimarães tem vindo a desenhar um atlas da viagem contemporânea que se revela como uma descoberta de si através do outro e que se desenvolve a partir de uma trajetória própria. na verdade, parte da cultura visual e pesquisa plástica do artista viajante português reflete, de modos diferentes e em registos distintos, uma problemática profundamente atual do mundo global de que o século XXI é herdeiro, traduzindo uma sensibilidade atenta que dispensa qualquer glosa.

Throughout his career, José de Guimarães has drawn an atlas of contemporary travel that has become a discovery of self through the Other and has evolved out of his own journey. In effect, part of this Portuguese traveller-artist’s visual culture and plastic research refl ect, albeit in different modes and registers, an extremely current problematic of this global world that the 21st century has inherited, accompanied by a sensitive awareness that needs no further comment.