Partindo da sua experiência pessoal como artista e divulgador cultural, Martim Sousa Tavares convoca o leitor para uma reflexão sobre o modo como nos relacionamos com a arte nas suas múltiplas expressões: a cena de um filme de João César Monteiro, as subtilezas escondidas numa partitura de Monteverdi, o deslumbramento captado por um poema de Sophia, a paixão por Veneza, cidade a que regressa todos os anos.

A beleza pode não precisar de livro de instruções, mas a arte é uma forma de partilha onde o entusiasmo da mediação, o modo de ver, acrescenta significados ao objecto artístico, seja ele uma sinfonia, uma pintura ou um poema. É nesse diálogo permanente que este primeiro livro de Martim Sousa Tavares - assumindo os gostos do autor e não procurando ser consensual - pretende que seja o leitor a ter a última palavra.

Quantas mulheres artistas conhece? Quem faz a História da Arte? Havia mulheres a fazer arte antes do século XX? Quem foram as pioneiras que abriram caminho para as criadoras de hoje? Quantas mulheres integram as coleções permanentes dos grandes museus?

Neste livro pioneiro, Katy Hessel, historiadora de arte, apresenta-nos os quadros impressionantes da pintora renascentista Sofonisba Anguissola, as obras radicais de Harriet Powers no século XX, ou a história fascinante da baronesa Von Freytag-Loringhoven, a verdadeira criadora do ready-made.

Seja o tema a Idade de Ouro holandesa, o assombroso trabalho das artistas latino-americanas do pós-guerra, ou as mulheres que estão a definir o conceito de Arte na atualidade, A História da Arte sem homens surpreende continuamente o leitor e desafia o status quo, com a inclusão de novas formas de arte até aqui ignoradas ou menosprezadas.

Das praias da Cornualha às costas do Japão, este livro vai revolucionar a História da Arte como a conhecemos.

«Como pode isto ser arte?». A questão é-me recorrentemente endereçada, sobretudo da parte — legítima — dos meus alunos de história da arte contemporânea, a quem agradeço a pergunta e dedico este breve ensaio. De facto, e principalmente desde meados do século XX, e no contexto do movimento geral da neovanguarda internacional — que encontrou a sua origem no modernismo, iniciado, ainda no século XIX, com a pintura de Édouard Manet e dos impressionistas —, que o debate em torno da abstracção seria substituído pela complexa discussão em torno do próprio conceito, extensão e função do objecto artístico.

Esta concepção de arte culminaria, entre outros posteriores experimentalismos, no nouveau réalisme, na pop art, ou na arte conceptual, que se afastaram definitivamente do processo estético dito convencional.

Millor Fernandes: «Em tempo quando Arnaldo nasceu, o pai, vendo com orgulho que tinha pela frente um branco, classe média e macho, e não querendo humilhar ninguém com o ser que apresenta ao Brasil, chamou-o de Angeli. Anagrama de genial.»

ASFIXIANTE CULTURA, ensaio iconoclasta do artista Jean Dubuffet (1901-1985), põe em causa as convenções artísticas e sociais, o institucionalismo e também a artificialidade e o mercantilismo que sustentam a cultura dominante. Crítico feroz da normatividade, percursor e primeiro teórico da Art Brut, Dubuffet defende o instinto, a paixão, a violência e a loucura convocando uma arte no seu estado bruto, primitivo, espontâneo e individual.

«A obra de Sofia […] é um retrato da sua vida, um retrato das suas ideias, necessidades e desejos, a necessidade de se exprimir e de ser livre sem mais restrições que as suas capacidades físicas e os limites da sua imaginação.»
Martim Brion

As vanguardas do século XX parecem ter inviabilizado as convencionais categorias estéticas e o grande público reage amiúde com alguma perplexidade, e até aversão, perante obras que não compreende. Em A Querela da Arte Contemporânea, Marc Jimenez reflecte sobre o controverso tema da decadência da arte, identificando as várias tensões dos debates e polémicas que opõem defensores e detractores da criação artística actual.

Será possível voltar a definir critérios para a apreciação estética das obras contemporâneas?

A redescoberta de Santa Rita não termina aqui.
Mas que este livro seja, no presente, um devido contributo.

Ana Bailão, Carlos Silveira, Fernando Cabral Martins, Fernando Rosa Dias, Guilherme Floro de Santa Rita, João Macdonald, João Mendes Rosa, José Leite, Luís de Barreiros Tavares, Luís Leite, Luís Lyster Franco, Marta Soares, Raquel Henriques da Silva, Sofia Marçal.

Cristina Robalo: Conversas em torno do desenho nasceu do desejo de compreender, nas mais variadas traduções e desmultiplicações, o Desenho. Ao dar voz a artistas e teóricos/pensadores — seguindo e traçando o caminho realizado por cada convidado a participar —, este projecto tem como objectivo criar uma colecção que revele não a representação do desenho como obra, projecto ou estudo, mas o Desenho da obra e de si. De onde vêm as imagens?
Vêm dos nossos olhos, dos nossos ouvidos, da nossa boca, das nossas mãos, do nosso nariz, dos sentidos em acção, não os sentidos descritos anatomicamente, vêm dos aromas, o tal vento de Eduardo Chillida, o espaço e o tempo: «Não é o vento um espaço de tempo e aromas?».

Quais são as imagens do cheiro?
O cheiro é um sistema de convocatórias. Nós não temos imagens diferidas, representáveis, do cheiro. Isso é muito importante! Como é que nós transmitimos o aroma do vento? Sentindo o vento e aquilo que o vento arrasta. E o tempo tem a ver com isso. Portanto, quando se fala do aroma do vento, para quem quer compreender a imagem, tem de evocar e, no melhor dos casos, voltar a sentir essa experiência. Por outro lado, o aroma vem das mãos, de todos os ofícios, da relação amorosa e da guerra, mas a caça não é um ofício!

O que é a caça?
Como diz Benjamin, a caça é uma imagem da vida (a primeira, em rigor), com particular potência para a compreensão da relação entre vestígio e aura. Ouça-se a maravilhosa cantata de Béla Bartók (Cantata Profana. Os Veados Mágicos, obra para orquestra, duplo coro misto, tenor e barítono, de 1930). Em Semear na Neve (Relógio D’Água, 1999), no capítulo Aura e vestígio, faço uma análise dessa Cantata e estabeleço um vínculo com os conceitos benjaminianos. É uma história sobre nove irmãos a quem o pai não tinha ensinado nenhum ofício. Eles só sabiam caçar e um dia sofrem uma metamorfose irreversível, transformando-se em nove veados mágicos. Mais tarde, quando os homens começam a trabalhar a terra e a tecer ou a moldar um vaso, a vida passa a ser vista através desses actos oficinais.

Para terminar, gostaria de saber se tens uma ideia do que seria a tua vida sem o desenho?
Seria certamente uma existência sem assombro, como a de uma criança a quem tudo se dá e de tudo se protege, mas em quem a fantasia, que de tudo livra e com a qual ela tudo pode e tudo produz, não daria sinais de vida.

Durante uma década, Pedro A.H. Paixão criou um amplo corpo de desenho em que usou apenas a cor escarlate. Esse trabalho foi a base deste livro, que percorre algumas das etapas desse período e toca, retrospectivamente, em matérias complementares do seu percurso, tal como as tarefas do estudante, estudioso, docente, videógrafo e editor.

Desenvolvida entre Junho de 2015 e Outubro de 2016, esta entrevista em forma de conversa, conduzida por Cristina Robalo, gira em torno do desenho e de questões que atravessam não apenas as inquietações e interesses do artista, mas aspectos fundamentais da sua teoria e prática.

Manuel Rodrigues: «O desenho é mais um modo de ler, talvez por isso o sinto próximo da escrita, mais do que da pintura, por exemplo.»

Fundamentos teóricos equipamentos e técnicas de iluminação.

Nuno Faria: «Este conjunto de obras tem como denominador comum a impermanência. Perante estas superfícies — estes ecrãs — somos afectados, estimulados, mais do que como passivos espectadores, fisicamente, fisiologicamente, fenomenologicamente.»

Este livro foi publicado por ocasião da exposição Verdes Moradas - Ensaio sobre os ritmos da natureza, com curadoria de Nuno Faria, patente no Museu da Guarda de 3 de Novembro de 2022 a 9 de Abril de 2023, numa colaboração entre o Museu da Guarda e a Fundação Carmona e Costa.

O título Et Sic in Infinitum é uma citação da frase que consta em cada um dos lados de um desenho do físico e cosmologista Robert Fludd […]. Reconhecido como uma das primeiras representações da criação do universo, o desenho dá a ver um quadrado negro imperfeito (em rigor é um trapézio), a imagem do pré-universo, do nada, do vazio negro (e sem forma) anterior ao evento da criação. O quadrado negro de Robert Fludd ilustra um enigma fundacional, mas em simultâneo assinala os limites da representação, ao anotar em cada margem do quadrado a frase Et sic in infinitum [E assim por diante até ao infinito]. Este livro foi publicado por ocasião da exposição Et Sic in Infinitum, de José Pedro Croft, com curadoria de Sérgio Mah, realizada na Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, com o apoio da Fundação Carmona e Costa, de 26 de Janeiro a 28 de Maio de 2023.

«Reparei agora que tu, como eu, não pões datas», diz Pomar a Menez (13/11/1979), como se nada nesta correspondência fosse testemunho do tempo e ambos existissem absorvidos no fazer e não-fazer da obra, fazendo girar a própria existência em torno dela.

Esta obra colectiva nasce de um projecto que estuda formas de participação cívica e política dos jovens, que ocorrem à margem da política institucional. O conceito «artes da cidadania» abarca esse horizonte fluido e dilatado de participação.

Dança, música, artes plásticas, vídeo, fotografia, performance, activismo digital, entre tantas outras, são formas de expressão usadas de forma criativa pelos jovens para a sua intervenção em prol de múltiplas causas e lutas sociais. De forma a dar conta desta diversidade, o livro trata, em particular, quatro áreas de intervenção - o corpo, o som, a imagem e a tecnologia - e recolhe contributos de cientistas sociais e artistas de vários países de expressão lusófona, explorando novos diálogos e sinergias entre áreas disciplinares.

Naves in Petris é um projeto editorial que aborda o tema da calçada artística à portuguesa através de uma linguagem poética indo para além da sua vertente gráfica e fotográfica. Para além de um tributo a esta prática de empedrar o chão e aos seus artífices, é também um levantamento feito às embarcações e suas derivantes que se encontram presentes neste tipo cultural de empedrado, aplicadas um pouco por todo o mundo.

A escolha da linguagem poética para comentar as imagens fez-se através de várias perspetivas e numa multipluralidade visionária, onde António Correia e Er dão ritmo às ondas e às embarcações que os levam a navegar pelas ruas do destino onde as calçadas são o rumo para o futuro, também acompanhado por um conjunto de outros argonautas que se manifestaram ainda através de um artificium criativo onde a pedra da calçada foi a base para o início desta grande viagem.

Pedro Cabral Santo
José Maçãs de Carvalho
Pedro Cabrita Reis
António Olaio
Pedro Amaral
Costa Pinheiro
João Jacinto
Orlando Franco
Sandro Resende
Christine Henry
Gustavo Jesus
Patrícia Serrão
Miguel Cheta
Edgar Massul

«A obra que agora se publica celebra mais de seis décadas da longa e intensa viagem de Teresa Black pelas Artes Visuais, iniciando-se com desenhos que fez enquanto estudante de Pintura e Desenho na Slade School of Arts, em Londres, onde se formou e foi colega da sua amiga de infância, Paula Rego. Esta publicação oferece o ensejo para uma reflexão acerca da riqueza e da profundidade desta artista multifacetada cujas vivências, quer de Inglaterra quer de Portugal, impregnam os trabalhos de uma vida dedicada, através da sua arte, à partilha dos seus interesses muito próprios, das suas experiências de vida, do seu amor pelas pessoas, pelos lugares e, pelas descobertas que estimularam a sua incomparável expressão artística.»
Ormond Fannon, in Prefácio (adaptado)

Mais Que Mil Imagens não é o «museu imaginário» do seu autor. Não se recolhem nele todas as suas imagens preferidas. Recolhem-se, isso sim, imagens que suscitaram, em diversos momentos, o desejo de escrever. O livro deve ser lido como o resultado de impulsos literários desencadeados por estímulos visuais. De Caravaggio a Ingmar Bergman, de Edward Weston a Elvis Presley, de Picasso a Niemeyer, da pintura ao design, da arquitetura ao cinema, da fotografia à autorrepresentação, esses estímulos estão na raiz dos textos que deles se desataram.

Ao todo, são mais, muito mais, do que mil palavras; mas as imagens que aqui se reproduzem, e as que elas pressupõem, são também mais, muito mais, que mil imagens.

Uma forma de olhar; e uma forma de pensar o que se vê.

Pedro Cabrita Reis: «Nada é eterno, sabe-se, mas, por vezes certos momentos perduram e, ao longo do tempo, o que deles vai ficando é uma luz que marca um lugar e ilumina as pessoas que por ele passaram.»

Artistas: Fernando S. Amaro, Vasco Araújo, Cristina Ataíde, Manuel Baptista, Pedro Barateiro, Paulo Barros, Tiago Batista, Sara Bichão, Diogo Bolota, Paulo Brighenti. Alexandra C., Nuno Cera, Pedro Cabral Santo, Pedro Cabrita Reis, Rui Calçada Bastos, Pedro Calapez, Luís Campos, Rosa Carvalho, Pedro Cavalheiro, Rui Chafes, Catarina Correia, Gil Heitor Cortesão, Vasco Costa, Fernão Cruz, Luisa Cunha, Milita Doré, Armanda Duarte, João Paulo Feliciano, Ângela Ferreira, João Ferro Martins, Norberto Fernandes, Fernanda Fragateiro, Vasco Futscher, Patrícia Garrido, Pedro Gomes, Ângelo Gonçalves, Gat.Uno, Sílvia Hestnes Ferreira, Tomaz Hipólito, Gustavo Jesus, Vanda Madureira, Leandro Marcos, Bertílio Martins, Edgar Massul, Susana de Medeiros, Paulo Mendes, Fátima Mendonça, Tereza Mieiro, José Miranda Justo, Vasco Marum Nascimento, Jorge Neves, Maria José Oliveira, Rodrigo Oliveira, Miguel Palma, Rubene Palma Ramos, Henrique Pavão, Marta Peneda, Francisco Queirós, Jorge Queiroz, Joana R. Sá, Ana Rostron, Rui Sanches, Julião Sarmento, Noé Sendas, Paulo Serra, Fernando Silva Grade, Jorge Mestre Simão, Tânia Simões, Marta Soares, Miguel Soares, João Timóteo, Rui Toscano, Francisco Tropa, Pedro Valdez Cardoso, João Pedro Vale + Nuno Alexandre Ferreira, Francisco Vidal, Ana Vidigal, Xana.

Ao princípio deveriam ser poucos os nomes a convidar. Os meios eram escassos. Mas o entusiasmo não! Foi-se percebendo isso à medida que se avançava na construção da ideia. Todos os dias, acrescentava-se a alegria e a adesão a este projecto, num lugar inusual, longe dos grandes circuitos, para, entre todos e com todos, lançar esta semente também inusual numa terra ainda fértil, a da possibilidade de se fazerem coisas juntos. A ideia pegou, os artistas tomaram-na em mãos, a cidade juntou-se, da autarquia vieram apoios, outros amigos vieram também, uns pela força das suas palavras escritas ou ditas, outros pela generosidade do trabalho oferecido, as coisas dever-se-iam fazer sempre assim…
[Pedro Cabrita Reis]"

O futurismo morreu. De quê? De DADA. Uma jovem suicida-se. Por causa de quê? De DADA. Pisam-te os pés. É DADA. Se tens ideias sérias acerca da vida, se fazes descobertas artísticas e se, de repente, a tua cabeça começa a crepitar de riso, se achas todas as tuas ideias inúteis e ridículas, fica sabendo que É DADA QUE COMEÇA A FALAR-TE.

«A escolha de Vila Nova de Foz Côa para acolher a CACE (Coleção de Artes Contemporânea do Estado) tutelada pelo Ministério da Cultura, sob a alçada da Direção-Geral do Património Cultural (DGPC), como o primeiro local expositivo do Pais, representa a democratização cultural, descentralização estratégica da cultura para territórios de baixa densidade, mas representa também e essencialmente, o reconhecimento valorativo do património rupestre (reconhecido pela UNESCO) existente no vale e a possibilidade provocatória de diálogo entre estas duas épocas histórico-artísticas. A exposição Dark Safar conta com a curadoria de Sara & André e Manuel João Vieira, onde estes escolheram criteriosamente mais de 40 obras magnificas de autores contemporâneos.»

Obra editada em parceria com a Câmara Municipal de Vila Nova de Foz Côa.

Jorge Queiroz: «O desenho é uma forma de pensar e, talvez, a disciplina mais parecida seja a poesia, pelo poder de síntese, pela carga, pelo ritmo, pela maneira como aparece e pelo alinhamento. A poesia une a palavra ao desenho.»